Bananas naturais da terra para reforçar o café da manhã. Foto: Paulo Fehlauer / Garapa.

Por detrás das tábuas ainda brancas, Rousse busca o seu quadrado. Foto: Aline Lata / Garapa.

A vista do alto. Foto: Paulo Fehlauer / Garapa.

Gota vermelha sobre a roupa preta que é marca de Rousse há quase 40 anos. Foto: Aline Lata / Garapa.

Tinta vermelha chamada 'Amor'. Foto: Aline Lata / Garapa.

Branco, preto e vermelho. Foto: Paulo Fehlauer / Garapa.

Capa de chuva para não manchar a roupa. Foto: Aline Lata / Garapa.

A noite chega, mas o trabalho não para. Foto: Aline Lata / Garapa.

* Veja mais fotos no Flickr criado especialmente para o projeto.

Da série Tempero (2009), de João Castilho.

Dica para um fim-de-semana fotográfico em São Paulo: de 9 a 12 de setembro, será realizada a SP-Arte/Foto, importante feira de fotografia fine art realizada anualmente no Iguatemi São Paulo.

A feira, que está na quarta edição, reúne 18 importantes galerias do Brasil e do exterior (veja lista), que montam um interessante panorama da produção fotográfica moderna e contemporânea.

Entre os artistas conterrâneos, estarão presentes nomes históricos como Luiz Braga, Miguel Rio Branco, Mario Cravo Neto, Thomaz Farkas e Cristiano Mascaro, além de artistas da “nova safra”, como gUi Mohallem, João Castilho e Julio Bittencourt, entre outros. Entre os estrangeiros, estarão representados nomes como Marina Abramovic, Massimo Vitali e Martin Parr (veja lista completa).

Além da mostra, serão realizados lançamentos de livros, com a presença de Bob Wolfenson, Boris Kossoy e Cassio Vasconcellos, e um ciclo de encontros com a artista e professora Denise Gadelha.

Info:
SP-Arte/Foto
9 e 10 de setembro, das 16 às 22h
11 e 12 de setembro, das 12 às 20h
Iguatemi São Paulo
Av. Brig. Faria Lima, 2232, 9o. andar

Georges Rousse. Foto: Paulo Fehlauer / Garapa.

Terceiro dia de trabalho e a obra começa a mostrar a sua cara. A jornada começa com a chegada de um carregamento de ripas de madeira, que serão usadas na construção do quadrado ilusório que Rousse planejou para o mercadinho do cais de Paraty.

Em seguida, começa a função. A madeira é medida, cortada e posicionada milimetricamente pela equipe de acordo com as orientações que Rousse passa de dentro do pano escuro que encobre a sua câmera. Mais uma vez, a comunicação é tão caótica quanto cômica.

Conversamos com ele durante o trabalho. Entre outras coisas, Rousse disse que é a primeira vez que trabalha sem paredes, e que esse é o maior desafio no projeto de Paraty. Em geral, suas obras trabalham com a pintura sobre paredes já existentes; agora, no entanto, é uma complexa estrutura de madeira que se transfigurará em arte nos próximos dias.

A rua alagada. Foto: Paulo Fehlauer / Garapa.

Enquanto Rousse e os técnicos trabalham, a água atrapalha. A maré da lua minguante sobe lentamente, tomando a rua ao lado e invadindo por vezes o espaço do mercado.

Amanhã a obra continua, se a chuva não atrapalhar mais ainda. O dia será de  pregos, pincéis e tinta vermelha chamada “amor”.

A tinta. Foto: Aline Lata / Garapa.

* Veja mais fotos do trabalho de Rousse em Paraty no Flickr especial do projeto.

* Veja como foi o segundo dia.

O tripé posicionado. Foto: Aline Lata / Garapa.

Às 9h da manhã, o tripé é montado do lado oposto de onde estava prevista a execução da obra. Georges Rousse abre o caderno e mostra um croqui diferente do que foi enviado ao marceneiro. Ele passa as coordenadas de mudanças no local, os tapumes que devemser colocados ou retirados, as demandas de tinta, entre outros.

A partir das notas tomadas no dia anterior, Rousse mudou completamente a obra que estava prevista. Seu desenho ainda será um “quadrado”, mas agora será enxergado de outro ponto de vista.

O croqui da nova obra no caderno de Rousse. Foto: Aline Lata / Garapa.

O caderno de Rousse assusta um pouco. Croquis de lugares abandonados pelo mundo e diversas opções diferentes pensadas para o mercadinho de Paraty compõem as suas páginas. Fica clara a sua  proficiência com cores, formas e luz.

Rousse então posiciona a câmera de grande formato e, depois de alguns testes de enquadramento, faz uma polaroid do local. Essa imagem será a base do seu projeto.

Polaroid com transparência desenhada. Foto: Aline Lata / Garapa.

O próximo passo é marcar pontos-guia no chão, paredes e vigas, seguindo um desenho feito cuidadosamente em uma transparência colocada sobre o despolido da câmera.

A marcação dos pontos-guia. Foto: Aline Lata / Garapa.

Depois disso, Rousse volta reflexivo até o hotel. Somente no dia seguinte é que começaremos a ver o resultado de todos os seus cálculos, traços e elucubrações.

* Veja mais fotos do trabalho de Rousse em Paraty no Flickr especial do projeto.

* Veja como foi o dia anterior.

Segundo o programa, o festival pretende “refletir sobre o imediatismo e a vibração da prática fotográfica contemporânea por uma nova geração de praticantes, e as paixões eclécticas encontradas em coleções de fotografia históricas e vernaculares”.

Uma curiosidade sobre a bienal de Brighton, reflexo da curadoria de Martin Parr, é que se trata de um evento “moldura-free”: as imagens ficarão alfinetadas nas paredes. Além disso, os visitantes poderão visitar todas as exposições a pé.

Entre os participantes, estão o argentino Alejandro Chaskielberg e o norte-americano Alec Soth, que vêm também ao Brasil este ano.

Depois de quase 6 horas de viagem, Rousse quer ver o local onde fará a sua obra. Mira o antigo mercado de todos os ângulos possíveis, fotografa, analisa; pergunta “onde fica o Norte?” e responde ele próprio após checar a bússola de seu iPhone. Procura o sol, encontra o contraste da luz dos trópicos e o cheiro de urina que costuma acompanhar locais abertos e ociosos.

Georges Rousse no Mercadinho do Cais. Foto: Aline Lata / Garapa

O trabalho de verdade deve começar no dia seguinte. Enquanto isso, os que o acompanham observam curiosos o vaivém de Rousse, imaginando os traços e cálculos que devem ocupar a sua mente nessa hora.

Francês, inglês, português, espanhol e até italiano entram na lista de idiomas pronunciados durante o dia, em uma mistura caótica que lembra a cena clássica de “Um Filme Falado”, de Manoel de Oliveira, em que todos se entendem independentemente do idioma falado.

Tal é a linguagem da arte, o caos que se ordena no exato ponto em que a obra deve ser observada.

Rousse na Galeria Zoom. Foto: Aline Lata / Garapa.

Com Giancarlo Mecarelli, na Galeria Zoom. Foto: Aline Lata / Garapa.

* Acompanhe no blog e no Flickr o progresso da obra que Georges Rousse está produzindo para o Paraty Em Foco.

A mágica do trabalho de Heinz habita aí: o fato de que ele consegue que seus retratos pareçam, simultaneamente, algo tão especial e tão corriqueiro. Porque ter um fotógrafo apontando uma câmera bem na sua fuça é uma coisa, no mínimo, estranha (e quanto maior a câmera, maior o incômodo). Mas as suas imagens têm – por mais conceitual que a coisa toda às vezes seja – um coeficiente de entendimento possível até para quem não está muito interessado em arte conceitual (como eu).   

Die schwulennummer, vista da instalação, 2006

Se você perguntar, Heinz vai dizer que é fotógrafo. Eu diria que ele é como o que é Deus para Hilda Hilst: um sedutor. Até um lençol cai sobre seus encantos. Mas ele não se deixa seduzir pelo próprio encantamento: foi com retrato que ele se tornou conhecido, e é exatamente dele que Heinz se afasta, experimentando cada vez mais com a fotografia como mídia, mesmo. Agora, não o resultado, mas o processo é que passa a ter uma relevância maior; por meio de manipulação de impressão e cópias fotográficas e instalações. A busca atual no trabalho de Heinz é entender o que diabos é fotografia. 

Die Katze klettert den Pfosten hinauf (inkjet print em saco plástico, madeira e video), 2008

Na última quarta, Heinz nos recebeu na casa dele, para comer pão doce de canela e conversar:

Heinz fotografado por mim (que emoção)

Heinz, no teu site tem uma transcrição de uma conversa entre ti e Wolfgang Tillmans, na qual ele descreve o fato de que tu “abandonaste” teus retratos, usando a seguinte frase: “Do auto-retrato à auto-reflexão”. Isso é genial, mas eu não posso deixar de perguntar: o que aconteceu?
Eu fotografei enquanto fui crescendo. E aí quando você mostra essas imagens, que são super íntimas, todo mundo acha que é parte da sua vida. Mas eu não estava ciente disso quando comecei e de repente me vi numa bolha e eu tive que romper com isso. Eu quero alargar meu entendimento de fotografia como meio, como mídia. Ah, também durante esse período [começo dos anos 00] a fotografia começou a mudar, analógico/digital, e essa transição conceitual também era para entender o que essa mudança técnica significava. 

E conseguiu entender?
A compreensão é como uma espiral, você começa entendendo pelas camadas mais externas e vai indo para o centro da questão; eu estou no processo. Também levo em consideração o fato de que agora sou tratado como um artista, dá outra perspectiva. Eu me sentia distante da fotografia, mas quero me reaproximar… Pode ser que eu volte a fazer retratos.

107, da série 100-1000, de 2007. Esta série, aliás, é seu primeiro livro

Eu percebi que tu és bem cuidadoso com a titulação de teus trabalhos. Paul Klee diz que deve ter um lugar comum entre espectador e artista, em que a comunicação prescinde de ajuda de legendas, de palavras. Quando tu entitulas um trabalho, ou até mesmo publicas, junto com a foto, uma entrevista com o retratado, tu tens uma intenção ou é uma vontade pessoal e acabou-se?
Quando você usa palavras, você amplia o contexto, mas ao mesmo tempo pode diminuir as possibilidades de compreensão porque palavras são específicas. Por exemplo: quando comecei a fotografar, os títulos eram uma mera descrição dos trabalhos, e atualmente eles são muito mais lúdicos.

Mas e as entrevistas? Tem gente que acha que fotógrafo fotografa, escritor escreve e dona-de-casa cozinha.
Isso é muito velho. Se eu estou interessado em linguagem, é legítimo ser fotógrafo e usar textos. Duane Michals é um exemplo de alguém que faz isso direito.

Então falemos em referência, já que você citou Duane Michals. Ou tu, como Brett Lloyd, achas que olhar demais para fora confunde o que tem dentro?
Eu entendo o que Brett quis dizer, mas você tem que manter uma distância das influências, não importa se você veja muita ou pouca coisa de outros artistas. As influências não entram mais tanto em mim. E não vou citar nomes!

Ok! Então, este ano tu foste curador pela primeira vez. Eu imagino que até ter te estabelecido, tu deves ter sido gongado de várias seleções. Como foi estar do outro lado?
Eu não saí vendo trabalho de 200 estudantes para descobrir algo que gostasse e depois ter que dizer “não” para os outros. Eu só contatei quem eu queria que participasse. Não tive que partir o coração de ninguém.
 
Tu ainda te inscreves nessas coisas?
Só para bolsas de pesquisa. As outras coisas, convocatórias e tal, não tenho mais saco. É um saco ter que ficar me explicando.

Na mesma tarde, convidei o escritor Ricardo Domeneck (já falamos sobre ele aqui no PEF) a fazer mais umas perguntas pro Heinz. Ricardo foi fotografado por ele quatro anos atrás, para a instalação Die schwulennummer. E eu achei que ia ser bonito ver artista e muso trocando uma ideia:

cinco perguntas para heinz peter knes from adelaide ivánova on Vimeo.

Heinz Peter Knes nasceu em 1969, numa pequena cidade no interior da Alemanha e estudou fotografia em Dortmund. Depois de um tempinho em Colônia, ele mudou-se para Berlim, onde vive e trabalha há dez anos. Ele começou a ficar conhecido nos anos 90, fotografando a sua vida e de seus irmãos no interior da Alemanha. Desde então, ele já expôs em galerias e museus na Alemanha, Irlanda, Austrália, Noruega, EUA, França e Holanda; já publicou em revistas como Purple, Nylon, Butt, i-D e Achtung e tem três livros publicados. A próxima exposição do Heinz, a coletiva Milk drop coronet, começa no fim do mês, na galeria Camera Austria, em Graz, na Áustria.

O livro “Frida Kahlo, suas fotos” (Cosacnaify 2010) traz 401 imagens, garimpadas entre as mais de 6 mil, que a artista e seu marido Diego Rivera (1886-1957) colecionaram ao longo da vida, feitas por ela e por amigos – entre estes, grandes fotógrafos como Edward Weston (1886-1958), Manuel Alvarez Bravo (1902-2002), Pierre Verger (1902-1996), Man Ray (1890-1976) e por outros nem tão próximos, mas que contribuíram para esta memória excepcional.

Nele estão imagens da própria artista, de parentes, como sua irmã e sobrinha, autorretratos de Guillermo Khalo, pai da artista e fotógrafo; fotos criadas por ela mesma; imagens de amigos próximos e daqueles que ela não gostava mais; imagens de personalidades importantes como Vladimir Lenin (1870-1924) , Leon Trotski (1879-1940) ou Josef Stalin (1878-1953) e de outras referências fotográficas para seus trabalhos como pintora, numa vasta e eclética seleção.

Diego Rivera colocou em seu testamento que este patrimônio só viesse a público após 15 anos de sua morte. Entretanto, sua testamenteira Dolores Olmedo ultrapassou o desejo do artista e segurou por mais de 50 anos esta memorabilia montada por ele e Frida Khalo ao longo de suas vidas, e que ficava escondida num dos banheiros da célebre residência do casal, a “Casa Azul”, em Coyoacán, na cidade do México, hoje um museu que traz seu nome.

Tina Modotti e Frida, em 1928

As fotografias são muito heterogêneas e parecem fazer par com os humores de Khalo que transitavam muitas vezes em sentidos antagônicos, dependendo de seu estado físico, principalmente após o terrivel acidente que a deixaria com sequelas para o resto de sua existência, e que marcaria sua obra profundamente. Imagens de seus parceiros e parceiras, com marcas dos lábios feitas de baton, se contrapõem com imagens cujas cabeças de certos personagens foram cortadas, banidas para sempre de seu imaginário e de seu coração.

O fotógrafo e curador mexicano Pablo Ortiz Monastério foi o organizador da obra, publicada, de maneira inédita simultaneamente no Brasil, Estados Unidos, México, França, Espanha, Alemanha e países da América Latina. Aqui, o livro traz um certo ineditismo – e também otimismo – de ser tiragem única com 7 mil exemplares.

Ortiz Monastério diz que “é um livro que permitirá a real descoberta de Frida Khalo”. Para ele, o mais importante é entender a influência que teve sua familia em sua história. A importância dos autorretratos de seu pai para aqueles que ela pintou de si mesma. O modelo que sua mãe foi para a maneira dela se vestir, os trajes típicos e as sombrancelhas hirsurtas. Antes disso se acreditava que a influência vinha de Rivera e seu forte nacionalismo. Todos estes detalhes permitem não apenas entender quem foi Frida Khalo, mas compreender a sua obra.

Todo arquivo fotográfico, conservado pelo Museu Frida Khalo, como os demais documentos que integram o acervo descoberto, se encontram catalogados, digitalizados e protegidos em reservas técnicas especiais. Na verdade é um arquivo imenso que conta com mais de 30 mil peças, entre documentos e fotografias, revelados em 2007 ao lado de roupas, desenhos, pinturas e documentos pessoais.

Para o diretor do Museu, Phillips Olmedo, o que vemos no livro é uma Frida Khalo mais íntima, do que se via em suas pinturas. Para ele, encontrar fotografias que foram referências para importantes pinturas é um a nova luz no entendimento de sua obra maior, em seu processo de trabalho.

Se separarmos a questão histórica, por si só as imagens já são surpreendentes. Vemos Frida Khalo na infância, antes de seu acidente; na adolescência, como ela lidou com seu drama e como este se tornou parte de sua obra maior, já na sua vida adulta. A artista sofreu desde pequena acometida de poliomielite, cujas sequelas se agravaram profundamente após ter sido vítima num acidente que envolveu o bonde que viajava e que no futuro, entre outras coisas, a impediu de ter filhos.

Há textos que auxiliam na compreensão maior da vida e obra da artista. Ortiz Monastério faz a introdução e Hilda Trujilo Soto, Diretora do Museu Frida Khalo (que dirigiu a catalogação das descobertas) define a importância do acervo publicado.Pensadores como James Oles, Masayoyo Nonaka e Gaby Franger, entre outros, que promovem uma interessante digressão a partir das imagens e comos estas se relacionam com sua época. Destaque para o curador espanhol Horácio Fernández, um dos mais expressivos estudiosos da fotografia da atualidade, que virá ao Brasil em outubro para o II Fórum Latino Americano de Fotografia Itau Cultural.

Organizadas em sete temas principais: Origens, Papai, A casa azul, O corpo dilacerado, Amores, A fotografia, A luta política, resumem os momentos marcantes da vida de Frida Khalo. Entretanto o interessante é ver como seus temas pessoais interagem com o mundo de então, as suas necessidades estéticas, as contestações da arte estabelecida, a política antes e depois da segunda grande guerra, as transfigurações dos movimentos artísticos. A artista tinha uma intuição peculiar que unia sua intimidade ao mundo exterior.

Nickolas Muray e Frida Casa Azul, em1939. Foto: Nickolas Murray

Como documento fotográfico de extrema importância, pode ser comparado a descoberta da famosa “Maleta Mexicana” que continha imagens da guerra espanhola, feitas por Robert Capa (1913-1954) , Gerda Taro (1910-1937) e David “Chim” Seymour (1911-1956) , anunciada pelo ICP em 2008. Neste momento, em que a arte contemporânea passa por uma forte crítica, uma visão mais completa sobre os fundamentos que balizaram um grande artista é uma contribuição mais do que bem vinda.

Texto publicado originalmente na revista Fotografe Melhor de agosto de 2010.

Foto de Pedro Farina

Eu queria escrever um texto bem bonito sobre esta iniciativa aqui no blog, mas como não entendo nada do assunto, achei melhor exercer a humildade e passar os holofotes para a espoleta Isabel Amado, que cuida do leilões e também das exposições do Paraty em Foco.

Então, passo a palavra para a Bel. Arrasa, mulher:

No textinho de apresentação do leilão, que está no site do PEF, tem dizendo que o objetivo daquele é incentivar o colecionismo, o que me fez pensar, então, que o colecionismo no Brasil deve estar precisando de um Sustagem. Como está a situação no país, nesse momento, Bel? Quem são os grandes colecionadores, quais fotógrafos vendem mais etc.?
O Brasil segue a tendência mundial do crescimento do mercado de arte. A producão fotográfica contemporânea atingiu um patamar jamais visto no campo das artes, por um lado por um esgotamento da produção das artes plásticas tradicionais e, do outro, por um momento efervescente do mercado de arte. A fotografia pega carona nessa tendência, já que uma obra fotográfica não atinge valores tão altos como o das artes plásticas.

Quem já viajou para o exterior e teve uma formação cultural requintada, sabe o valor e o prazer em se montar uma coleção de arte; além do mais, ter uma fotografia exposta na parede da sua casa também dá status. O público jovem interessado em adquirir fotografia é de pequenos empresários, jovens do mercado financeiro, executivos em início de carreira, advogados, arquitetos e artistas de outras áreas.

O interesse despertado pela fotografia, pelos museus, galerias e pelos colecionadores surgiu no final dos anos 90. Foram criados clubes de colecionadores como o do MAM – Museu de Arte Moderna, em São Paulo (que comemorou recentemente 10 anos); o do MAMAM – Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães, em Recife; a coleção MASP Pirelli de fotografia, criada em 1990 e que abriga a maior coleção de fotografia brasileira… Em 2008, a Bolsa de Arte realizou o 1º leilão exclusivamente de fotografia. Esses são apenas exemplos da consolidação da fotografia no mercado de artes visuais e do crescimento da linguagem fotográfica dentro dos museus, galerias e bienais.

Os fotógrafos consagrados no mercado internacional são: Miguel Rio Branco, Mario Cravo Neto, Arthur Omar, Claudio Edinger, Vik Muniz e as fotografias vintage dos modernistas, como José Oiticica Filho, José Yalenti, German Lorca, Thomaz Farkas… No mercado nacional eu citaria o Armando Prado, Juan Esteves, Iatã Cannabrava, Fausto Chermont, Marcos Piffer, Bruno Veiga, Dimitri Lee, Chico Albuquerque…

Eu imagino que apesar da intenção se incentivar o “hábito de adquirir fotografias”, obras de arte são caras, nem todo mundo pode comprar. No PEF, qual será o lance inicial das fotos a serem leiloadas?
Os lances mínimo das obras que estarão no leilão do Festival estão entre R$ 800 e R$ 8.300. Todas as obras seleciondas, com exceção de três, têm dimensões de até 50 cm.

Qual o diferencial entre o leilão do PEF  e outros que tu conheces?
As diferenças primordiais são a captação das obras, que é feita por mim, diretamente com os artistas. Não temos interferência das galerias. O leilão é beneficiente e as obras partem de lances mínimos abaixo do mercado, ou seja, um pouco abaixo do que os artistas consagrados costumam vender. Com os mais inexperientes, eu também auxilio na escolha da montagem, que tipo de moldura, onde se assina a fotografia, como fazer um certificado de autenticidade etc. Existe um exercício, não só de incentivo ao colecionismo, mas também de ensinar aos mais jovens como vender sua obra da forma que o mercado reconheça. Todas as obras do leilão PEF 2010 seguem os padrões internacionais de conservação, no que se refere à impressão e à montagem. Não aceitamos trabalhos que não sigam essas regras.

Foto de Alexandre Severo

Qual foi seu “critério” (detesto essa palavra!) na hora de escolher os artistas?
Eu sigo um conceito de seleção baseado na minha escolha pessoal, que obviamente passa pela minha minha experiência profissional, da percepcão do mercado e do reconhecimento dos novos caminhos que a fotografia vem tomando. E o que é mais bacana é que todos os fotógrafos contactados por mim têm o maior prazer em participar do leilão, todos se prontificam imeditamente e me enviam várias fotografias para eu selecionar. Então tem essa etapa da seleção, que é muito trabalhosa mas muito rica ao mesmo tempo, existe um diálogo entre eu e o fotógrafo para se escolher uma fotografia.

Qual o seria o perfil desta edição do leilão? Queria saber tipo o mais jovem e o mais velho; o mais importante e o “mais emergente”; quantos fotojornalistas, quantos de fine art etc. Tem cabimento essa pergunta, na verdade?!
Leilão não tem perfil. O que temos são obras de artistas de assuntos variados, mas não tem fotojornalismo, nem publicidade, por exemplo. O mais jovem é o Pedro Farina, que tem 23 anos; o mais velho seria o Chico Albuquerque, que faleceu em 2002. E acho importante apontar que nossa homenageada é a Maureen Bisilliat.

Tem algum artista este ano que participou do leilão do ano passado? Se sim, quais?
Luciano Candisani, o Juan Esteves, o Eduardo Muylaert, o Armando Prado, a Marlene Bergamo, o Alexandre Belém, o Fausto Chermont.

Pelo que vi, só há um artista estrangeiro na lista, que é o Jordi Burch, de Portugal. Qual o teu posicionamento em relação à venda de artistas estrangeiros no leilão? Tu queres focar nos brasileiros, ou é um tópico indiferente para ti? 
A princípio tanto faz, mais por uma questão de logística basicamente, já que o envio de obra de arte do exterior para o Brasil é complicadíssima. O caso do Jordi é atípico: ele vem sempre ao Brasil e se dispôs a trazer com ele, numa data possível para a producão do leilão.

‘Brigada, Bel!

Outro benefício tem cunho social! Claro: ao invés de chegar ao festival se sentindo meio deslocado (é somente comigo, ou vocês também têm a impressão de que quando estamos num lugar sozinhos todo mundo presta atenção na gente?!), você já vai chegar em Paraty enturmado e pronto para iniciar a maratona fotográfica.

A Rio-Santos é a estrada que você pega se sai de São Paulo para Paraty. A foto eu que fiz : )

O programa funciona assim: nos comentários deste post (e somente deste post), os interessados em oferecer uma carona anunciam sua oferta e seu email, e a mesma coisa vale para quem quer pegar uma carona.

Então:
1. Se você quer oferecer carona:
No campo “Name”, coloque seu nome e o texto OFERECE CARONA. No corpo do comentário, informe seu e-mail, quando você quer viajar e quantos espaços disponíveis tem no carro. É legal também colocar, se for o caso, de qual (quais) workshops você vai participar. Mas obviamente é opcional.

2. Se você quer pegar uma carona:
No campo “Name”, coloque seu nome e o texto PRECISA DE CARONA. Aí ponha no corpo do comentário o seu e-mail e o dia que você quer viajar. É legal também colocar, se for o caso, de qual (quais) workshops você vai participar. Mas obviamente é opcional.

E o resto é com vocês! Os preços combinados pela carona não são de responsabilidade do PEF.

Inspire-se: Willie Nelson cantando On the road again.