Desta maneira, a fotografia ganhou destaque na história da culinária moderna e passou a ser parte integrante desta grande arte que é hoje a gastronomia.

© Nathan Myrhvold

Mas de que forma a imagem contribui ao mérito gastronômico? Sem dúvida, sua importancia é primordial. Como disse o premiado fotógrafo de Ferran Adrià (Restaurante “El Bulli”), Francesc Guillaumet, “o grande drama do cozinheiro criativo é que se uma pessoa vai ao restaurante, ela poderá desfrutar dos cinco sentidos, mas no final, só passará à história o que se pôde desfrutar com a visão”.

A imagem não deve somente fazer o espectador salivar, mas também emocioná-lo visualmente. A fotografia gastronômica de hoje não é apenas a imagem de um prato ou receita. Ela pode ser etnológica, antropológica, de gesto, de retrato e até científica. O sucesso da imagem na gastronomia é tão latente que já existe até mesmo o Festival Internacional da Fotografia Culinária (FIPC), que em 2011 celebrou sua terceira edição na cidade de Paris.

© Nathan Myrhvold

A maior vitrine da cozinha vanguardista internacional, o festival Madrid Fusión, também reforça o valor da fotografía na gastronomia. Na edição de 2012, um dos destaques do evento foi o trabalho do científico Nathan Myrhvold, autor junto a Chris Young e Maxime Bilet de “Modernist Cuisine”, uma obra que promete converter-se na referência da gastronomia do século XXI.

Do trabalho sobre física quântica junto a Stephen Hawking à projetos com Bill Gates, e a criação de inventos em sua empresa Intellectual Ventures, Myrhvold (Seattle, 1959) mergulhou na essência e nos mecanismos da revolução culinária que vivemos.

© Nathan Myrhvold

As fotografias deste novo livro, editado na Espanha pela Taschen, são o olho de um científico gourmet. Cuando Nathan Myhrvold olha um prato, vê “cozimentos, texturas, percepções… um campo amplo de estudo”, explica.

Seu trabalho permite saber o que acontece na preparação dentro dos ingredientes. Suas imagens são uma passo à mais na relação entre gastronomia e ciência. Ajudam a entender estes conceitos 3.000 fotografias, das quais 70 são imagens de cortes verticais: onde se vê o interior dos alimentos enquanto cozinham.

© Nathan Myrhvold

Se os autores reconhecem o uso de Photoshop em algumas imagens (para destacar cores, inclusive melhorar alguma perspectiva), a imagem dos cortes é literal: “Com uma máquina à pressão partimos ao meio frigideiras, panelas… Não foi fácil. Alguns experimentos foram repetidos 150 vezes, pois o instante de algumas fotos durava centésimos de segundo e, em seguida, o azeite salpicava e a comida queimava entre as chamas”, completa.

Junto à uma equipe de 15 pessoas, os quatro anos de experiências realizadas no laboratório de sua empresa de patentes (com alguns milhões de dólares investidos de seu próprio bolso) resultaram numa obra faraônica: Seis volumes, 2.400 páginas, quase 20 kilos de peso. Tudo isso a 400 euros.

“14 FOTOGRAFIAS” CLAUDIA GUIMARÃES
A fotógrafa Claudia Guimarães dirige seu olhar para a moda e o comportamento jovem contemporâneo. Uma das principais profissionais a registrar o movimento da noite paulistana na década de 1990, Claudia publicou durante dez anos seus retratos, cheios de verdades e surpresas, no jornal Folha de São Paulo. Agora, pela primeira vez na Galeria Mezanino, ela apresenta 14 de suas icônicas imagens, que revelam muita intimidade do universo GLBT e personagens que freqüentam ou freqüentaram os clubs noturnos de São Paulo. As imagens, editadas por ela e por Renato De Cara, ganham impressões fineart e acabamento primoroso para sua primeira individual na Galeria.

“ENTRE CORPOS E ESPAÇOS I” FRANCISCO HURTZ
O jovem artista autodidata, através do uso das linhas e do vazio no espaço pictórico, descontextualiza imagens banais e pornográficas e constrói um estudo que explora a relação espacial entre os corpos. Sua participação em exposições inclui: Coletivas em Paris, Marseille e Aix-en-provence; Happening “Escambo de Arte”; Exposições “10+20″ e “Quarto das Maravilhas” na Galeria Emma Thomas; coletiva “Jardins e Delícias” na Galeria Mezanino, em 2009. Para esta pequena individual selecionamos, entre oito desenhos, quatro realizados sobre papéis encontrados, além de duas esculturas hiper-realistas.

:: foto home: Francisco Hurtz
…………………………………………………………………………………………………………………..
+i

Inauguração dia 3 de dezembro, das 14h às 17h
Exposição até dia 23 de dezembro 2011
De segunda a sexta, das 12h às 20h
Sábados, das 12h às 18h
Rua da Glória 279  cj 62
Liberdade
São Paulo

Foi lançado no Brasil o livro Manuel Álvarez Bravo: fotopoesia, com 374 imagens do fotógrafo. O volume tem prefácio de Colette Alvarez Urbajtel, ensaios de apreciação crítica assinados pelo crítico e historiador da fotografia francês Jean-Claude Lemagny e pelos romancistas John Banville (irlandês) e Carlos Fuentes (mexicano), bem como uma cronologia e bibliografias completas.

Está em cartaz também a exposição do fotografo, com 250 imagens, que enfatiza a produção do fotógrafo entre os anos 1920 e 1950. A mostra foi produzida em colaboração com a Associação Manuel Álvarez Bravo, dirigida por Aurélia Álvarez Urbajtel e Colette Álvarez Urbajtel, respectivamente filha e viúva do fotógrafo, e conta também com o apoio do Museu de Arte Moderna, Instituto Nacional de Belas Artes, México.

Esta exposição inclui um reduzido conjunto de imagens realizadas por Gautherot no México em 1936-1937, pertencentes ao acervo do IMS.

…………………………………………………………………………………………………………………
Um dos grandes nomes da fotografia mundial, Manuel Álvarez Bravo é o nome de maior relevância na fotografia do século XX do México. Nascido na Cidade do México, cresceu em uma família que valorizava o contato com a cultura. Na adolescência, frequentou assiduamente museus, livrarias e sebos, formando sua própria biblioteca. Nesse período, foi introduzido à fotografia por Luis Ferrari, um amigo de escola de Tlalpan. Seus primeiros trabalhos fotográficos, no começo dos anos 1920, exploram alguns elementos da tradição fotográfica pictorialista, influenciados pela obra de fotógrafos então atuantes no México, como Hugo Brehme, Guillermo Kahlo, pai da pintora Frida Kahlo, e Agustín Casasola, que documentou extensamente a revolução mexicana.

Na segunda metade dos anos 1920, Álvarez Bravo desenvolve uma abordagem mais autoral, que se distingue por imagens de natureza experimental, formal e abstrata. Essa primeira fase, de caráter mais geométrico e purista, é influenciada pela fotografia direta (straight photography) norte-americana no México, em virtude da presença no país, naquele momento, dos fotógrafos Edward Weston e Tina Modotti.

Mas são os ecos da revolução mexicana (1910-1920) e a influência temática de fotógrafos como Hugo Brehme – que contribuiu para estabelecer uma iconografia fotográfica mexicana centrada em sua cultura indígena, em sua gente e em sua paisagem – que levam Álvarez Bravo a uma fotografia de vanguarda desconstrutiva já nos anos 1930. Bravo, como muitos outros fotógrafos do período – entre eles Paul Strand, nos EUA, e Thomaz Farkas, no Brasil –, passa a produzir uma fotografia mais complexa e simbólica.

Em Álvarez Bravo, o movimento crítico em direção a uma linguagem mais engajada manifesta-se por uma profunda estética “fotopoética”, tendo a cultura e o povo mexicano como seu tema principal. Há um resgate dos valores mais profundos da cultura popular e, simultaneamente, uma negação crítica da sobrevalorização da autoria na obra de arte. Uma referência concreta para sua concepção do artista popular foi o gravador José Guadalupe Posada, cuja obra influenciou o círculo de artistas próximos a Álvarez Bravo nos anos 1920 a 1940, como os pintores Diego Rivera, Frida Kahlo e José Clemente Orozco.

O trabalho fotográfico de Álvarez Bravo dialogaria ainda com diversos movimentos artísticos em meados dos anos 1930, quando, com a guerra já sendo antecipada na Europa, muitos artistas e intelectuais europeus e norte-americanos dirigiram-se ao México, entre eles André Breton, Antonin Artaud, Henri Cartier-Bresson, Paul Strand e Sergei Eisenstein. A presença de André Breton na Cidade do México nesse período e sua interação com Álvarez Bravo levam a uma intensa colaboração dos dois artistas em torno do movimento surrealista, contribuindo também para aproximar Álvarez Bravo ainda mais de uma linguagem poética em sua obra, já que o próprio movimento surrealista caracterizou-se por incluir a poesia como ponte para a descrição de aspectos do subconsciente.

Sua obra, que visitou diversas tendências da modernidade e das vanguardas, e até mesmo o aproximou posteriormente do cinema, manteve dessa maneira ao longo de toda sua vida uma linha estética e artística ancorada no potencial poético das imagens que criava. Seu trabalho influenciou diversos fotógrafos no México e em outros países, entre eles Marcel Gautherot.

Texto divulgado pelo Instituto Moreira Salles

………………………………………………………………………………………………………………….
+i
Instituto Moreira Salles
Rua Marquês de São Vicente, 476, Gávea
Tel.: 21 3284.7400/ 21 3206.2500
Até: 26 de fevereiro de 2012
De terça a sexta, das 13h às 20h
Sábados, domingos e feriados, das 11h às 20h
Entrada franca
Classificação livre
De terça a sexta, às 17h, visita guiada pelas exposições [Ponto de encontro na recepção]
Visitas monitoradas para escolas: agendar pelo telefone 21 3284.7400

“O Tocayo nos permite experimentar e dar oportunidade para artistas novos mostrarem seus trabalhos ao lado de nomes mais conhecidos. A idéia é aproximar o público das artes em geral”, explica Marcio Isensee, um dos organizadores do evento. A programação variada é prova disso. A parte da tarde será destinada às atividades como oficinas criativas e projeção de curta-metragem, além de apresentação musical. Durante a noite, o espaço será recheado de atrações, como interferências, performances de teatro e dança, projeções, vídeo-arte, shows e Djs.

Nesta edição, o Tocayo traz trabalhos de jovens artistas que vem se destacando no ramos das artes-visuais, entre eles, Alexandre Cavalcanti, Daniel BO e Antonio Bokel, além de outros já consagrados como Guilherme Secchin. O espaço também receberá instalações de Vicente Tigre, Maria Lynch, Peu Mello, e dos coletivos MUDA, MIMU e Fuso Coletivo. Alem deles, temos ainda exposições de João Marcos “Mancha”, Juliana Campos, Marcela Flórido, Marcella França, Marcelo Jacome, Marcelo Lamarca, Otavio Avancini, entro outros.

No ramo da fotografia, o Tocayo vai contar com slideshows de coletivos nacionais como 7 Fotografia, Imagens do Povo, IZP, da fotógrafa Flora Egécia, Leo Caobelli, Ana Alexandrino, Antônio Garcia, Bruno Mancinelle, Felipe Russo, João G. Morais, Pedro CURI, Pedro Kuperman e Roberto Vamos. Para completar, o evento apresenta trabalhos inéditos de artistas internacionais, como Kaymir Stark (Holanda) e Marc Van der Beek .

A programação conta ainda com performances dos grupos Cia de Fora e Cia Epfania e shows da Abayomy Afrobeat Orquestra, Casebre, Quinteto Nuclear, banda Baleia, Ciclo Natural, Orquestra Voadora, além do trio GodIMen Sounds, que faz música mixadas ao vivo. Para completar, o Tocayo traz uma mostra de curtas tendo como destaque uma sessão em homenagem ao cineasta Olney São Paulo (1936-1978), vítima da ditadura militar. Na ocasião serão exibidas quatro obras de sua autoria: Manhã Cinzenta (1968), Grito da Terra (1964), Pinto Vem aí (1976) e Sob o ditame do rude Almajesto: sinais de chuva (1976).

Desde sua criação em 2004, o Tocayo já passou por diferentes locais da cidade, como o clube Campestre, no Leblon, clube Germânia, na Gávea, Horto e Parque Lage. Em suas 11 edições o evento reuniu 110 expositores, 18 apresentações musicais, mais de 50 curtas-metragens e um público de aproximadamente 6.000 espectadores.

:: foto home Felipe Russo

……………………………………………………………………………………………………………………..
+i

Intimidade era assunto delicado, que morava no íntimo {íntimo é sinônimo de familiar, particular, privado}, mas já não mora mais. A necessidade de expansão do individuo abriu novos espaços e passamos a compartilhar a intimidade em terrenos como o Facebook e o Flickr, onde, virtualmente, dividimos um mundo que antes parecia bem mais privado.

Acessamos muitas exposições virtuais e muitas intimidades. As imagens são compartilhadas como extensão da visão em tempo real. Seguimos no Facebook o que poderiam ser ‘foto-novelas’, nos alimentamos das imagens, consumindo comportamentos e atitudes.

Nesta enormidade de imagens, encontramos o trabalho de Ana Kras que mostra esta ‘intimidade compartilhada’ com muita poesia. Ana é da criação, é designer, ilustradora e fotógrafa. Administra no Flickr o Projeto Ikebana. Sua  fotografia se mistura ao seu cotidiano e no Flickr apresenta imagens ricas em detalhes e argumentos, a imagem nos conecta ao outro.

Antes de entender a representação da realidade via fotografia, passamos pela representação da realidade em si, ou, a [sempre] ilusão que criamos de nossa própria realidade.

……………………………………………………………………………………………………………………….
+i

:: portifólio
:: projeto ikebana

A Prefeitura de São Paulo, por meio da Secretaria Municipal de Cultura, desenvolveu a estruturação da Casa da Imagem, instituição voltada à memória fotográfica da cidade de São Paulo.

Esta nova instituição estará encarregada da ampliação, preservação e guarda do Acervo Iconográfico, da promoção da acessibilidade a este patrimônio, assim como, do estímulo à pesquisa, reflexão e difusão das coleções por meio de exposições, edições impressas e publicações digitais.

:: Porto de Santos

Novo museu da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo, a Casa da Imagem ganhou uma sede própria: a centenária Casa nº 1, inteiramente restaurada. O espaço, adaptado para exposições e centro de documentação com acesso ao público e café, é resultado de um trabalho desenvolvido desde 2007 que constou de tratamento para conservação de todo o acervo fotográfico, com 710 mil imagens da cidade de São Paulo, e da construção de uma base de dados de gerenciamento e recuperação de informações.

A exposição em homenagem a Guilherme Gaensly marca esta inauguração da nova instituição cultural. Muita gente conhece o trabalho deste fotógrafo, mas poucos são aqueles que conhecem a exata dimensão de sua importância para a iconografia da cidade de São Paulo. Com curadoria de Rubens Fernandes Junior, esta exposição coloca luz sobre o mais importante conjunto de fotografias produzidas ao longo de três décadas – entre 1890 e 1920 – momento em que a cidade radicalizou sua transformação urbana.

:: Estação da Luz

:: Foto home :: Porto de Santos
…………………………………………………………………………………………………………………..
+i

Exposição: “Guilherme Gaensly, o fotógrafo Cosmopolita”
Até 8 de abril de 2012

Casa da Imagem
Rua Roberto Simonsen 136-B
Centro
 [próximo da estação Sé do Metrô]
De 
terça a domingo, das 9h às 17h
Entrada gratuita
+55 11 3106.5122
contato.casai@prefeitura.sp.gov.br

O Mossless é um site que tem publicado 309 entrevistas com fotógrafos jovens e talentosos. O site é editado por
Romke Hoogwaerts
e seus colaboradores, foi lançado em 24 de março de 2009 e começou a postar entrevistas, uma a cada dois dias, em 25 de maio do mesmo ano. Trabalhou quase sem interrupções e gerou uma mini base de dados. As entrevistas são breves e com os links para os trabalhos dos fotógrafos entrevistados. O site acabou de entrar em férias, pelo menos com as entrevistas. Agora, com tanto material produzido, o editor quer montar uma publicação.

:: Foto home :: Signe Pierce

:: Signe Pierce

:: Michael Allin

:: Luisa Opalesky

:: Thomas Albdorf

……………………………………………………………………………………………………
+i

Para achar outras entrevistas
:: digitalfaun
:: rocketscience
:: mullitover
:: hardworkersclub
:: ilovethatphoto
:: featureshoot

Com uma edição de imagens cuidadosamente engendrada, o livro Arpoador , do carioca Marcos Bonisson, não é aquele tipo de publicação de um fotógrafo já consagrado, em que enxergamos algo que não deveria estar ali, deslizes da relação passional ou eletiva que os artistas mantêm com suas obra.  Sua complexidade é paralela à economia com que o fotógrafo é capaz de produzir sua sintaxe, tão poucas vezes revelada em sua essência, na qual o  fluxo (que poderíamos chamar de zen) é tensionado a medida que o fio condutor – ou o cordão do célebre arco – é esticado.

Arpoador (Nau Editora, 2011 – www.naueditora.com.br) é uma obra rara produzida por um raro artista. Essa percepção é instantânea a partir das primeiras páginas que propõem ao leitor o que será um percurso essencialmente metafísico ancorado na mais pura transcrição da imagem fotográfica como arte. É composto de  diferentes séries produzidas a partir de 1997, como “Balada do corpo solar”, “Zig Zag” e “Pedras de Toque”, ao todo são 58 imagens em P&B.

O livro traz ainda estudos de colagens, maquetes, desenhos e diagramas que colaboram com o leitor para que este penetre nesse universo particular de Bonisson. Não espere o desavisado encontrar ali as surradas paisagens da famosa praia carioca, onde se localiza a Pedra do Arpoador. Embora muitas vezes sustentado na geografia e na natureza, o roteiro proposto é interior e  lúdico.

Bonisson nasceu em 1958 e estudou Artes Visuais na Escola do Parque Lage, com o artista  carioca Rubens Gerchman (1942-2008) e desde 1979 se ocupa em fotografar e produzir filmes e vídeos. Entre seus filmes destaca-se “H.O.N.Y” de 1986, que retrata o cotidiano de outro grande artista carioca, Hélio Oiticica (1937-1980), quando este morou em Nova York, cidade na qual o próprio Bonisson viveu por 10 anos.

Ele atualmente é professor de artes visuais da escola carioca Ateliê da Imagem. Alguns de seus trabalhos fazem parte das coleções do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e da Maison Européenne de la Photographie, em Paris. Há dez anos sua obra é representada pela galeria André Fidalgo.

Arthur Omar, artista multimídia mineiro, escreveu em 1999 que embora Bonisson tenha a mesma praia e a mesma luz diante de si, seu trabalho fotográfico sempre começa do zero. “Grãos de prata formam a areia dessa praia infinita” escreve. Analogia  aqui recorrente à essência da fotografia, ao quase em desuso “aletos de prata”. Na série “Balada do Corpo Solar” o fotógrafo coloca modelos cobertos de grãos de areia ou borrados pela água do mar numa complexa escala de cinzas. Para Omar, ele subverte a questão temporal: O sol de uma imagem não é o mesmo da outra.

A curadora Luiza Interlenghi, que já foi responsável pelas mostras temporárias do Museu Nacional de Belas Artes,  também nota que a cada imagem Bonisson cria uma nova ação. “A cada imagem, um novo mar (…)”. A evidência de um domínio da técnica fotográfica, fundamental na transcrição desses pensamentos em imagens, também é colocado por ela: “A força simbólica de situações efêmeras fixadas na imagem é cortada com precisão gráfica (…)”.

A evidência de um caráter exploratório nas imagens de Bonisson,  como bem analisa Luiza Interlenghi, é patente quando notamos que a forma tem seu peso na complexidade da sua proposta. Pensamos nela como decorrência de uma estruturação em suas partes e não apenas como um estado físico no qual o corpo se apresenta. A forma aqui se revela um fio condutor interligado aos próprios fios que Bonisson descreve nas areias da praias, seja nas imagens ou em seus desenhos.

Outra análise precisa, do tradutor e pesquisador Steve Berg, é tratar Arpoador como um mero livro de fotografias. Para ele isso é um erro crasso. E seria mesmo, assim como deixar de compreender as diferentes séries como não sendo um longo e prazeroso percurso amarrado e bem estudado. Aí entramos na questão um tanto aguda que propõe o questionamento da pobre produção mais contemporânea que a imagem fotográfica de uma maneira generalizada se encontra.

Bonisson  faz entender que uma obra de peso não sobrevive se não for pensada e digerida em sua própria longevidade. A proposta de Arpoador vai nessa contramão: é consistente tanto quanto sua dialética, quando as oposições se completam  e conflitos propõem somatórias, paradoxalmente sendo transformados em harmonia. A tensão do arco zen não se opõe ao “satori” (sua iluminação pessoal ) e o artista não quer o rompimento com o estado lógico, mas sim propor ao leitor seus “koans” (paradoxos e enigmas).

Publicado originalmente na revista Fotografe Melhor de novembro de 2011 e adaptado para este blog pelo autor.

Artistas consagrados pelo público e crítica especializada também participarão do programa, em paralelo à mostra dos novos fotógrafos. Ao final da mostra serão concedidos aos selecionados três prêmios aquisitivos, cujas obras serão incorporadas ao acervo da Coleção de Arte da Cidade.

Os interessados devem preencher a ficha de inscrição disponível no site do CCSP e enviá-la por correio ou entregar pessoalmene [caso os correios estejão em greve] juntamente com um portifólio contendo currículo e um anteprojeto com 10 a 15 trabalhos recentes e uma descrição objetiva do que será apresentado.

Todo o material será avaliado por uma Comissão de Julgamento formada por três profissionais da área de fotografia e por membros da Curadoria de Artes Visuais, que levarão em consideração os objetivos do programa e a relevância da proposta do fotógrafo no panorama da produção artística contemporânea, consideradas as várias vertentes da fotografia. Serão ainda avaliadas a objetividade e a viabilidade das propostas.
…………………………………………………………………………………………………………………………….
+ i

Centro Cultural São Paulo
R. Vergueiro 1.000
tel. (11) 3397.4002
terça. a sexta > 10h/20h
sábado e domingo > 10h/18h

A proposta deste encontro é produzir uma conversa a partir do Dobras Visuais, blog criado por Lívia Aquino em 2009 para compartilhar sua pesquisa em fotografia, o que pensa sobre e por imagens.

Atualmente além de expor seus projetos, o blog é composto pelas seções: Desempacotando minha biblioteca, Doutorar, Estudos, Exposições, Gosto de ver, Livros, Modos de Recordar, O que é fotografia?, Pensando, Por aí.

Temas propostos para o encontro
:: Sobre o Dobras Visuais: pensamentos possíveis na fotografia
:: A fotografia como chancela: do documento à ficção
:: O visível e o invisível dos objetos: coleção, seriação, apropriação e ressignificação
:: A memória do lugar e da experiência

………………………………………………………………………………………………………………………
:: Lívia Aquino

Fotógrafa, professora e pesquisadora do campo da imagem. É Doutoranda em Artes Visuais e Mestre em Multimeios pela Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP), Bacharel em Psicologia pela Universidade Federal do Paraná (UFPR).

Atualmente é professora na Pós-Graduação em Fotografia da FAAP em São Paulo. Foi docente no Bacharelado e na Pós-Graduação em Fotografia do Centro Universitário Senac em São Paulo (2000-2008). Atuou nas disciplinas Modos de Recordar e Celebrar, O suporte como discurso, Orientação de Projetos e Seminários de Pesquisa.

Em 2003 ganhou o Prêmio Porto Seguro Revelação com o ensaio De quando revelei minhas memórias. Participou de exposições na Casa da Fotografia Fuji, no Centro Cultural da Caixa e no Instituto Tomie Ohtake em São Paulo; na Galeria de Arte da Unicamp e no Espaço Cultural CPFL em Campinas; e na Fototeca de Cuba na mostra Mírame – Una Ventana a la Fotografía Brasileña em parceria com o Instituto de Mídia e Artes. Em 2009 foi selecionada para a mostra Descobrimientos dentro do Festival PHotoEspaña com o trabalho Poeira da terra e do tempo daquele lugar. Vive e trabalha em São Paulo, Brasil.

………………………………………………………………………………………………………………………
+ i

25 e 26 de novembro
Pé Palito // Antiquário & Arte – Objeto Encontrado
SCLN 102 Bloco B Loja 56 // Brasilia
cursos@lanavaranda.com
61 8273 0160