Em meio aos simulacros e às imagens verdadeiras, vêm as perguntas: qual iconografia se tornará referência no futuro? Quais imagens ajudarão as próximas gerações a compreender nossa complexa e eclética história? Quais protocolos irão definir o valor documental de uma imagem e seus diferentes contextos? Estas são algumas das questões que o Paraty em Foco, com a ajuda de um grande elenco de colaboradores, ajudará a fundamentar.

O inglês Martin Parr ja é presença confirmada e ganhou destaque em edicão do jornal O Globo. Clique na imagem para visualizar a matéria online.

Deu no New York Times

Em janeiro, o New York Times citou o Paraty em Foco como um dos motivos para elencar a cidade de Paraty entre os 45 lugares imperdíveis do mundo. Olha só:

Veja aqui o Catálogo 2012 de publicações da editora.

“Desde a publicação de Fotolivros latino-americanos há um interesse crescente na publicação de fotolivros na América Latina. Estamos vivendo um momento decisivo, e a ideia de fotolivro ainda parece um pouco difusa. O livro de Horacio Fernández é essencial para deixar claro que um fotolivro é diferente de um livro com fotos”, acrescenta Carreras.

Em suas duas últimas edições, o concurso se restringiu aos países da Amética Latina, mas desta vez também podem se inscrever fotógrafos residentes na Espanha e em Portugal. O concurso é direcionado a fotógrafos profissionais, estudantes de fotografia e amadores. Confira aqui detalhes sobre o regulamento.

Não serão aceitos trabalhos já publicados previamente em formato de livros e revista. Serão permitidos trabalhos que já tenham sido publicados em coletivo.

O jurado irá se reunir em agosto e o ganhador será conhecido em setembro através de uma newsletter, a página da Editorial e suas redes sociais. Os ganhadores serão contatados imediatamente por telefone e email. O jurado também irá considerar menções honrosas que considere pertinentes.

O membro do juri Iatã Cannabrava afirma que “a melhor definição que encontramos para a denúncia que Africaner Blood apresenta é sobriedade com qualidade técnica, narrativa impecável e um uso balanceado dos recursos de vídeo, foto e som”. “Esta peça de multimídia denuncia sóbria e claramente um enclave racista vinte e cinco anos depois do fim do Apartheid na Africa do Sul”, afirma.

Afrikaner Blood © Elles van Gelderen e Ilvy Njiokiktjien

Afrikaner Blood © Elles van Gelderen e Ilvy Njiokiktjien

Em entrevista ao British Journal of Photography, Vincent Laforet reafirma a posição: “Nós ficamos desconfortáveis com o assunto e isso estava sendo conversado. Eu, inicialmente, tive uma reação negativa pois fui tomado pelo efeito do que estava vendo. Mas quando olhei pela segunda vez, percebi que era não apenas uma obra muito importante, mas que também era, de longe, o trabalho mais bem produzido em termos de nuance e limitações (…) o trabalho foi muito bem editado e tinha uma série de entrevistas, antes e depois na doutrinação.”

Afrikaner Blood © Elles van Gelderen e Ilvy Njiokiktjien

Laforet acrescenta ainda que você pode até não querer que as pessoas vejam os Afrikaners, “porque você tem medo de dar a essas pessoas uma audiência maior. Mas a realidade é que esconder esse tipo de coisa é a pior coisa que se pode fazer, especialmente como jornalista. É importante arejar essas visões, que vão muito além do racismo. É um discurso de nacionalismo e todos os tipos de discriminação ao redor do mundo. É uma peça perturbadora, mas é uma que o World Press Photo precisa ter certeza que seja difundida pelo mundo.”

Afrikaner Blood © Elles van Gelderen e Ilvy Njiokiktjien

Afrikaner Blood © Elles van Gelderen e Ilvy Njiokiktjien

A programação é composta por seis mesas de discussão com convidados, dois workshops, além de seis apresentações de textos inscritos por meio de convocatória. Os interessados em participar dessa convocatória devem enviar artigos via site, em português ou espanhol, que contemplem a discussão e o pensamento sobre a linguagem fotográfica nas suas diversas abordagens. Caso resida fora da cidade de São Paulo o participante recebe ajuda de custo para as despesas com passagem aérea e hospedagem.

Fotógrafos, curadores, produtores culturais e estudantes interessados em assistir a todo Encontro e garantir o certificado de conclusão, devem fazer sua pré-inscrição por meio do formulário disponível no site do MIS. Após análise do material enviado com o formulário (mini-bio e carta de intenção), os selecionados serão comunicados via e-mail. São apenas 80 vagas, e só os selecionados garantem uma vaga para participar de um dos workshops, ainda assim, dos 80, apenas 60 acompanham workshop. Os selecionados também recebem um crachá para acessar toda a programação.

Ainda há a possibilidade de participar de mesas e apresentações avulsas, para isso não precisa fazer inscrição e passar pelo processo de seleção, basta retirar, com uma hora de antecedência, um ingresso na recepção do MIS.

© Mariana David

O término do prazo de inscrição para a convocatória é dia 15 de abril e, para inscrição prévia, dia 7 de maio ou até completar 300 inscritos. Para mais informações acesse o site www.calendariocultural.com.br/pensamentoereflexao ou mande um e-mail para pensamentoereflexao@estudiomadalena.com.br

Sobre Iº Encontro Pensamento e Reflexão na Fotografia

O encontro convidou nomes como Boris Kossoy, Claudi Carreras, Diógenes Moura, Eder Chiodetto, Eduardo Muylaert, Fernando de Tacca, Juan Antonio Molina, Juan Esteves, João de Mendonça, Ronaldo Entler, Mane Adaro, Mário Ramiro, Rubens Fernandes Jr., Simonetta Persichetti e Thyago Nogueira para abordar assuntos como as formas contemporâneas de discussão e escoamento de ideias na fotografia, passando pelas experiências na Academia e suas perspectivas de investigação. “Também nos voltaremos à reflexão a temas históricos e simbólicos”, diz Alexandre Belém, que com Georgia Quintas, assina a curadoria do evento.

Clique aqui para visualizar o PDF com a programação do evento.

PROGRAMAÇÃO 17/05

10h/12h30 WS1_Juan Antonio Molina // A produção do discurso fotográfico – exercícios de curadoria e edição – parte 1

10h/12h30 WS2_Claudi Carreras // Desenvolvimento de projeto cultural e pessoal
– parte 1

14h00/16h30 Apresentação selecionados convocatória

17h30/19h00 SESSÃO 1 HISTÓRIA: Um passeio pelo pensamento crítico na Fotografia Brasileira
Palestrante: Rubens Fernandes Junior – FAAP/SP

19h30/21h SESSÃO 2 REFLEXÃO: Por que pensamos a Fotografia?
Palestrante: Boris Kossoy – USP/SP

PROGRAMAÇÃO 18/05

10h/12h30 WS1_Juan Antonio Molina // A produção do discurso fotográfico – exercícios de curadoria e edição – parte 2

10h/12h30 WS2_Claudi Carreras // Desenvolvimento de projeto cultural e pessoal –
parte 2

14h00/16h30 Apresentação selecionados convocatória

17h30/19h00  SESSÃO 3 JORNALISMO: A escrita e o jornalismo: há espaço para a crítica?
Mediação: Eduardo Muylaert
Palestrantes: Juan Esteves – Revista Fotografe Melhor, Simonetta Persichetti – Estadão e Thyago Nogueira – Revista ZUM

19h30/21h00 SESSÃO 4 TEORIA: O pensamento na Academia
Mediação: Georgia Quintas – FAAP/SP
Palestrantes: Mario Ramiro e João Martinho de Mendonça
PROGRAMAÇÃO  19/05

10h/12h30 WS1_Juan Antonio Molina // A produção do discurso fotográfico – exercícios de curadoria e edição – parte 3

10h/12h30 WS2_Claudi Carreras // Desenvolvimento de projeto cultural e pessoal –
parte 3

15h/17h00 SESSÃO 5 [Relato de Experiência] WEB: Difusão e experiência: A multiplicidade de meios e convergências na contemporaneidade
Estudo de caso: Ronaldo Entler – Blog Icônica
Estudo de caso: Fernando de Tacca – Revista online Studium
Estudo de caso: Mane Adaro – CHILE

18h/20h SESSÃO 6 CURADORIA: Curadoria contemporânea: a pesquisa crítica como construção de reflexão
Mediação: Claudi Carreras
Palestrantes: Eder Chiodetto, Juan Antonio Molina e Diógenes Moura

20:30/ 22h SESSÃO Especial Coquetel e projeção Eis São Paulo: homenagem a Guilherme de Almeida

Ganhador de Descubrimientos em 2011 © Fernando Brito

Um jurado selecionará setenta fotógrafos para participar da leitura. O custo da inscrição é de 20 euros. Uma vez selecionado, o valor para a leitura de portfólios é de 230 euros. A lista completa dos trabalhos selecionados será divulgada no dia 1º de março, na página web oficial do festival.

Entre os 21 convidados para a leitura dos trabalhos deste ano estão: Martin Barnes, curador de fotografia do Victoria and Albert Museum (Londres); Barnabas Bencsik, diretor do Museu Ludwig (Budapeste); Vladimir Birgus, Historiador e crítico, diretor do  Institut of Creative Photography (República Checa); Stephen Mayes, diretor da Agência VII (Nova York); Akiko Miki, curadora chefe do Palais de Tokyo (Paris); Chiara Nilla Mariani,  editora gráfica de Il Corriere della Sera Magazine (Italia); Baudoin Lebon, Diretor da Galería Baudoin Lebon (Paris).

Aranda nasceu em Santa Coloma de Gramenet (Barcelona) em 1979 e começou sua carreira como reporter fotográfico em El País e El Periódico de Cataluña. Aos 21 anos, viajou para o Oriente Médio para cobrir o conflito palestino-israelense para a Agência EFE. O fotógrafo registrou as condições sociais catastróficas na Índia, o conflito na Colômbia, as atividades de Camorra em Nápoles, entre outros.

Imagem ganhadora do World Press Photo © Samuel Aranda/The New York Times

Confira aqui as imagens ganhadoras de todas as categorias do prêmio.

Os trabalhos multimídia do World Press Photo 2012 serão julgados em março deste ano e entre o juri está o coordenador de programação do Paraty em Foco, Iatã Cannabrava.

Desta maneira, a fotografia ganhou destaque na história da culinária moderna e passou a ser parte integrante desta grande arte que é hoje a gastronomia.

© Nathan Myrhvold

Mas de que forma a imagem contribui ao mérito gastronômico? Sem dúvida, sua importancia é primordial. Como disse o premiado fotógrafo de Ferran Adrià (Restaurante “El Bulli”), Francesc Guillaumet, “o grande drama do cozinheiro criativo é que se uma pessoa vai ao restaurante, ela poderá desfrutar dos cinco sentidos, mas no final, só passará à história o que se pôde desfrutar com a visão”.

A imagem não deve somente fazer o espectador salivar, mas também emocioná-lo visualmente. A fotografia gastronômica de hoje não é apenas a imagem de um prato ou receita. Ela pode ser etnológica, antropológica, de gesto, de retrato e até científica. O sucesso da imagem na gastronomia é tão latente que já existe até mesmo o Festival Internacional da Fotografia Culinária (FIPC), que em 2011 celebrou sua terceira edição na cidade de Paris.

© Nathan Myrhvold

A maior vitrine da cozinha vanguardista internacional, o festival Madrid Fusión, também reforça o valor da fotografía na gastronomia. Na edição de 2012, um dos destaques do evento foi o trabalho do científico Nathan Myrhvold, autor junto a Chris Young e Maxime Bilet de “Modernist Cuisine”, uma obra que promete converter-se na referência da gastronomia do século XXI.

Do trabalho sobre física quântica junto a Stephen Hawking à projetos com Bill Gates, e a criação de inventos em sua empresa Intellectual Ventures, Myrhvold (Seattle, 1959) mergulhou na essência e nos mecanismos da revolução culinária que vivemos.

© Nathan Myrhvold

As fotografias deste novo livro, editado na Espanha pela Taschen, são o olho de um científico gourmet. Cuando Nathan Myhrvold olha um prato, vê “cozimentos, texturas, percepções… um campo amplo de estudo”, explica.

Seu trabalho permite saber o que acontece na preparação dentro dos ingredientes. Suas imagens são uma passo à mais na relação entre gastronomia e ciência. Ajudam a entender estes conceitos 3.000 fotografias, das quais 70 são imagens de cortes verticais: onde se vê o interior dos alimentos enquanto cozinham.

© Nathan Myrhvold

Se os autores reconhecem o uso de Photoshop em algumas imagens (para destacar cores, inclusive melhorar alguma perspectiva), a imagem dos cortes é literal: “Com uma máquina à pressão partimos ao meio frigideiras, panelas… Não foi fácil. Alguns experimentos foram repetidos 150 vezes, pois o instante de algumas fotos durava centésimos de segundo e, em seguida, o azeite salpicava e a comida queimava entre as chamas”, completa.

Junto à uma equipe de 15 pessoas, os quatro anos de experiências realizadas no laboratório de sua empresa de patentes (com alguns milhões de dólares investidos de seu próprio bolso) resultaram numa obra faraônica: Seis volumes, 2.400 páginas, quase 20 kilos de peso. Tudo isso a 400 euros.

“14 FOTOGRAFIAS” CLAUDIA GUIMARÃES
A fotógrafa Claudia Guimarães dirige seu olhar para a moda e o comportamento jovem contemporâneo. Uma das principais profissionais a registrar o movimento da noite paulistana na década de 1990, Claudia publicou durante dez anos seus retratos, cheios de verdades e surpresas, no jornal Folha de São Paulo. Agora, pela primeira vez na Galeria Mezanino, ela apresenta 14 de suas icônicas imagens, que revelam muita intimidade do universo GLBT e personagens que freqüentam ou freqüentaram os clubs noturnos de São Paulo. As imagens, editadas por ela e por Renato De Cara, ganham impressões fineart e acabamento primoroso para sua primeira individual na Galeria.

“ENTRE CORPOS E ESPAÇOS I” FRANCISCO HURTZ
O jovem artista autodidata, através do uso das linhas e do vazio no espaço pictórico, descontextualiza imagens banais e pornográficas e constrói um estudo que explora a relação espacial entre os corpos. Sua participação em exposições inclui: Coletivas em Paris, Marseille e Aix-en-provence; Happening “Escambo de Arte”; Exposições “10+20″ e “Quarto das Maravilhas” na Galeria Emma Thomas; coletiva “Jardins e Delícias” na Galeria Mezanino, em 2009. Para esta pequena individual selecionamos, entre oito desenhos, quatro realizados sobre papéis encontrados, além de duas esculturas hiper-realistas.

:: foto home: Francisco Hurtz
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Inauguração dia 3 de dezembro, das 14h às 17h
Exposição até dia 23 de dezembro 2011
De segunda a sexta, das 12h às 20h
Sábados, das 12h às 18h
Rua da Glória 279  cj 62
Liberdade
São Paulo

Foi lançado no Brasil o livro Manuel Álvarez Bravo: fotopoesia, com 374 imagens do fotógrafo. O volume tem prefácio de Colette Alvarez Urbajtel, ensaios de apreciação crítica assinados pelo crítico e historiador da fotografia francês Jean-Claude Lemagny e pelos romancistas John Banville (irlandês) e Carlos Fuentes (mexicano), bem como uma cronologia e bibliografias completas.

Está em cartaz também a exposição do fotografo, com 250 imagens, que enfatiza a produção do fotógrafo entre os anos 1920 e 1950. A mostra foi produzida em colaboração com a Associação Manuel Álvarez Bravo, dirigida por Aurélia Álvarez Urbajtel e Colette Álvarez Urbajtel, respectivamente filha e viúva do fotógrafo, e conta também com o apoio do Museu de Arte Moderna, Instituto Nacional de Belas Artes, México.

Esta exposição inclui um reduzido conjunto de imagens realizadas por Gautherot no México em 1936-1937, pertencentes ao acervo do IMS.

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Um dos grandes nomes da fotografia mundial, Manuel Álvarez Bravo é o nome de maior relevância na fotografia do século XX do México. Nascido na Cidade do México, cresceu em uma família que valorizava o contato com a cultura. Na adolescência, frequentou assiduamente museus, livrarias e sebos, formando sua própria biblioteca. Nesse período, foi introduzido à fotografia por Luis Ferrari, um amigo de escola de Tlalpan. Seus primeiros trabalhos fotográficos, no começo dos anos 1920, exploram alguns elementos da tradição fotográfica pictorialista, influenciados pela obra de fotógrafos então atuantes no México, como Hugo Brehme, Guillermo Kahlo, pai da pintora Frida Kahlo, e Agustín Casasola, que documentou extensamente a revolução mexicana.

Na segunda metade dos anos 1920, Álvarez Bravo desenvolve uma abordagem mais autoral, que se distingue por imagens de natureza experimental, formal e abstrata. Essa primeira fase, de caráter mais geométrico e purista, é influenciada pela fotografia direta (straight photography) norte-americana no México, em virtude da presença no país, naquele momento, dos fotógrafos Edward Weston e Tina Modotti.

Mas são os ecos da revolução mexicana (1910-1920) e a influência temática de fotógrafos como Hugo Brehme – que contribuiu para estabelecer uma iconografia fotográfica mexicana centrada em sua cultura indígena, em sua gente e em sua paisagem – que levam Álvarez Bravo a uma fotografia de vanguarda desconstrutiva já nos anos 1930. Bravo, como muitos outros fotógrafos do período – entre eles Paul Strand, nos EUA, e Thomaz Farkas, no Brasil –, passa a produzir uma fotografia mais complexa e simbólica.

Em Álvarez Bravo, o movimento crítico em direção a uma linguagem mais engajada manifesta-se por uma profunda estética “fotopoética”, tendo a cultura e o povo mexicano como seu tema principal. Há um resgate dos valores mais profundos da cultura popular e, simultaneamente, uma negação crítica da sobrevalorização da autoria na obra de arte. Uma referência concreta para sua concepção do artista popular foi o gravador José Guadalupe Posada, cuja obra influenciou o círculo de artistas próximos a Álvarez Bravo nos anos 1920 a 1940, como os pintores Diego Rivera, Frida Kahlo e José Clemente Orozco.

O trabalho fotográfico de Álvarez Bravo dialogaria ainda com diversos movimentos artísticos em meados dos anos 1930, quando, com a guerra já sendo antecipada na Europa, muitos artistas e intelectuais europeus e norte-americanos dirigiram-se ao México, entre eles André Breton, Antonin Artaud, Henri Cartier-Bresson, Paul Strand e Sergei Eisenstein. A presença de André Breton na Cidade do México nesse período e sua interação com Álvarez Bravo levam a uma intensa colaboração dos dois artistas em torno do movimento surrealista, contribuindo também para aproximar Álvarez Bravo ainda mais de uma linguagem poética em sua obra, já que o próprio movimento surrealista caracterizou-se por incluir a poesia como ponte para a descrição de aspectos do subconsciente.

Sua obra, que visitou diversas tendências da modernidade e das vanguardas, e até mesmo o aproximou posteriormente do cinema, manteve dessa maneira ao longo de toda sua vida uma linha estética e artística ancorada no potencial poético das imagens que criava. Seu trabalho influenciou diversos fotógrafos no México e em outros países, entre eles Marcel Gautherot.

Texto divulgado pelo Instituto Moreira Salles

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Instituto Moreira Salles
Rua Marquês de São Vicente, 476, Gávea
Tel.: 21 3284.7400/ 21 3206.2500
Até: 26 de fevereiro de 2012
De terça a sexta, das 13h às 20h
Sábados, domingos e feriados, das 11h às 20h
Entrada franca
Classificação livre
De terça a sexta, às 17h, visita guiada pelas exposições [Ponto de encontro na recepção]
Visitas monitoradas para escolas: agendar pelo telefone 21 3284.7400

“O Tocayo nos permite experimentar e dar oportunidade para artistas novos mostrarem seus trabalhos ao lado de nomes mais conhecidos. A idéia é aproximar o público das artes em geral”, explica Marcio Isensee, um dos organizadores do evento. A programação variada é prova disso. A parte da tarde será destinada às atividades como oficinas criativas e projeção de curta-metragem, além de apresentação musical. Durante a noite, o espaço será recheado de atrações, como interferências, performances de teatro e dança, projeções, vídeo-arte, shows e Djs.

Nesta edição, o Tocayo traz trabalhos de jovens artistas que vem se destacando no ramos das artes-visuais, entre eles, Alexandre Cavalcanti, Daniel BO e Antonio Bokel, além de outros já consagrados como Guilherme Secchin. O espaço também receberá instalações de Vicente Tigre, Maria Lynch, Peu Mello, e dos coletivos MUDA, MIMU e Fuso Coletivo. Alem deles, temos ainda exposições de João Marcos “Mancha”, Juliana Campos, Marcela Flórido, Marcella França, Marcelo Jacome, Marcelo Lamarca, Otavio Avancini, entro outros.

No ramo da fotografia, o Tocayo vai contar com slideshows de coletivos nacionais como 7 Fotografia, Imagens do Povo, IZP, da fotógrafa Flora Egécia, Leo Caobelli, Ana Alexandrino, Antônio Garcia, Bruno Mancinelle, Felipe Russo, João G. Morais, Pedro CURI, Pedro Kuperman e Roberto Vamos. Para completar, o evento apresenta trabalhos inéditos de artistas internacionais, como Kaymir Stark (Holanda) e Marc Van der Beek .

A programação conta ainda com performances dos grupos Cia de Fora e Cia Epfania e shows da Abayomy Afrobeat Orquestra, Casebre, Quinteto Nuclear, banda Baleia, Ciclo Natural, Orquestra Voadora, além do trio GodIMen Sounds, que faz música mixadas ao vivo. Para completar, o Tocayo traz uma mostra de curtas tendo como destaque uma sessão em homenagem ao cineasta Olney São Paulo (1936-1978), vítima da ditadura militar. Na ocasião serão exibidas quatro obras de sua autoria: Manhã Cinzenta (1968), Grito da Terra (1964), Pinto Vem aí (1976) e Sob o ditame do rude Almajesto: sinais de chuva (1976).

Desde sua criação em 2004, o Tocayo já passou por diferentes locais da cidade, como o clube Campestre, no Leblon, clube Germânia, na Gávea, Horto e Parque Lage. Em suas 11 edições o evento reuniu 110 expositores, 18 apresentações musicais, mais de 50 curtas-metragens e um público de aproximadamente 6.000 espectadores.

:: foto home Felipe Russo

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