Em junho de 1939, depois de receber a primeira imagem abaixo, tirada nesta viagem a Nova York, Frida escreveu a Muray dizendo:

“Nick darling, I got my wonderful picture you sent me, I find it even more beautiful than in New York. Diego says that it is as marvelous as a Piero de la Francesca. To me it is more than that, it is a treasure, and besides, it will always remind me that morning… [when] we went to your shop to take photos. This one was one of them. And now I have it near me. You will always be inside the magenta rebozo (on the left side).”

© Nickolas Muray

© Nickolas Muray

© Nickolas Muray

© Nickolas Muray

© Nickolas Muray

© Nickolas Muray

© Nickolas Muray

© Nickolas Muray

© Nickolas Muray

© Nickolas Muray

© Nickolas Muray

Simone Massera é um fotógrafo italiano baseado em Londres (UK). Nasceu em Roma em 1983 e cresceu numa cidade não muito longe dali, perto do mar. Ele conta que se mudou para Londres num dia nevado, em janeiro de 2010, ao ser aceito no Master of Arts em Fotojornalismo e Fotografia Documental no London College of Communication. “O que me trouxe a Londres foi a combinação de um doloroso término no relacionamento, um inverno solitário em Cape North e a repentina consciência de que eu tinha que largar tudo que eu estava fazendo naquela hora – propaganda e marketing – para correr atrás de uma carreira na fotografia”, diz.

Durante o curso, o fotógrafo conheceu Emma, Hannah, Maria, Jonny, Sam e Teresa, que juntos formaram o coletivo Five Eleven Ninety Nine – nome de um poema do inglês Simon Armitage – com o objetivo de trabalhar em projetos colaborativos, dar feedback uns aos outros e “ter uma desculpa pra conversar sobre fotografia bebendo alguma coisa de vez em quando”. Logo, Emma e Maria acabaram deixando o coletivo.

No verão de 2011 veio a primeira exposição de A Royal Wedding or How to Live Happily Ever After no festival PhotoIreland, em Dublin e no Belfast Photo Festival, para o qual o coletivo criou uma coleção de projetos individuais explorando a busca humana pela felicidade na sociedade contemporânea ocidental. Nesse projeto, o coletivo publicou sete volumes envoltos em uma capa feita à mão, com tiragem de cinquenta cópias.

Enquanto trabalhavam em A Royal Wedding, os fotógrafos começaram a postar no site um jogo de associação de imagens chamado Broken Train, no qual todo dia alguém do grupo posta uma imagem em resposta à imagem anterior. A conexão entre as fotos é temática, às vezes estritamente visual, chegando a ser, muitas vezes, um tanto quanto obscura. No final de outubro do ano passado, foi introduzido ao projeto o chamado First Class Carriage: toda segunda-feira alguém do mundo da fotografia é convidado a dar sua contribuição à sequência. Entre os que contribuíram até agora estão Alec Soth, Martin Parr, Mark Feustel, Joerg Colberg, Leonie Hampton, Harvey Benge e Aline Smithson. Massera conta que no momento o coletivo está se planejando para uma futura exposição de Royal Wedding em Londres.

Seu trabalho me fez perceber algo que está tematicamente presente no trabalho de Evan Baden, Illuminati, sobre adolescentes que passam a maior parte do tempo em frente a aparelhos, com o intuito inconsciente de, iluminando a si mesmos, se desvencilharem da solidão. Você acha que a nossa época está encarando a solidão como se fosse sempre dessa forma, ou trata-se de uma necessidade “imposta” em face ao nosso vasto potencial de estabelecer conexões?

Eu não conhecia o trabalho do Evan e achei muito interessante a abordagem de uma conexão perpétua e interação a diferentes estímulos. Eu concordo com ele na ideia que esses objetos tecnológicos se tornaram formas de uma luta, frequentemente passiva, contra um tipo de solidão.

Creio que há um sentimento universal e atemporal – um dos onze tipos de solidão sobre o qual Richard Yates escreveu – que é consequência da nossa própria percepção do mundo. Nós experimentamos a realidade de uma forma, através da percepção, que nos faz sentir especiais e únicos. Com essa unicidade vem a sensação de estarmos sempre sozinhos, de alguma forma desligados do “todo maior”. Ao mesmo tempo, temo que nós, assim como as novas gerações, estejamos perdendo a habilidade de encarar e aceitar esse sentimento. Nós crescemos com todas as ferramentas que precisamos, ou com o “nosso grande potencial de estabelecer conexões”, como você disse, para no final nos distrairmos de quaisquer pensamentos que nosso fluxo de  consciência esteja nos sussurrando ao ouvido.

O que eu tentei fazer em I am not what you see and hear foi explorar essa auto-percepção que busca estimular algum tipo de empatia em relação a estranhos. Eu gosto de considerar essas imagens auto-retratos, à medida que essas pessoas podem controlar os detalhes mais simples da forma como elas gostariam de ser vistas: a pose, a luz, a composição. Fora a importância das máscaras, das silhuetas, os olhos encarando. Fotografar o breve intervalo logo antes de aparecer outro rosto na tela me permitiu congelar um momento de expectativa e auto-consciência. O projeto, mais do que explorar quem e por que se usa a internet como forma de aplacar a tristeza, usa a internet como forma de simplesmente produzir retratos de pessoas. Retratos que não poderiam ser criados de outra forma.

Você fotografa a forma que os outros te olham. Mas como você se situa, como fotógrafo, em frente aos seus personagens? Ou melhor, você faz sua performance antes de aparecer? Você diz que a forma como as pessoas escolhem seu cenário, ambiente e roupas tem algo a ver com a auto-representação de alguém. E a sua auto-representação consciente ante essas pessoas?

Honestamente, eu me senti imediatamente desconfortável com a ideia de aparecer em frente a estranhos aleatórios; é algo que basicamente aumenta a intensidade da minha auto-consciência em um nível tão alto que eu achei um tanto intolerável. Também, na maioria dos sites há um breve intervalo de escuridão entre uma conexão e a próxima e então eu percebi que, ao invés de atingir o que eu estava tentando – congelar um momento de pausa e auto-reflexão antes da aparição de outro rosto – eu encontrei a solução escurecendo minha webcam, então eu poderia vê-los enquanto eles não viam nada mais do que a própria imagem.

© Simone Massera

Nunca li David Foster Wallace, poderia explicar a conexão do seu trabalho com o escritor ou simplesmente citar alguma passagem que torne essa conexão evidente?

David Foster Wallace é um escritor americano com o qual eu sempre senti uma forte conexão. Sua vida e obra são voltadas à importância da empatia, da conexão entre a auto-consciência e a solidão. Ele basicamente traça um contrastante entre o solipcismo contemporâneo e uma espécie de existencialismo, explorando, em suas próprias palavras, “o que é, afinal, um ser humano”. Depois de ler tudo que ele escreveu durante a vida, eu me deparei com essa entrevista na qual ele descreve, parafraseando seu professor, o que é uma boa ficção.

Tive um professor que costumava dizer que o trabalho da boa ficção era confortar os perturbados e perturbar os acomodados. Eu acho que uma boa parte do propósito de uma ficção séria é dar ao leitor, que como todos nós está limitado à própria perspectiva, um acesso imaginário a outras pessoas. Admitindo que um fator inevitável da vida é sofrer, parte do que a arte expressa provém da experiência do sofrimento, uma experiência necessariamente vicária (…). Isso faz sentido? Todos nós sofremos sozinhos no mundo real, portanto uma autêntica empatia é impossível. Mas se uma ficção nos permite imaginativamente identificarmo-nos com a dor de um personagem, facilmente nos afetamos e reconhecemos a dor alheia na nossa. Isso nos conforta e nos dá sentido; nós ficamos menos sós por dentro.

Eu imediatamente senti que era isso que eu estava tentando fazer: criar um tipo de arte acolhedora e com significado, que faça alguém se sentir menos só por dentro.

O título do trabalho vem da frase inicial de Infinite Jest, provavelmente o livro mais famoso de Wallace. No começo do livro, o protagonista Hal, depois de uma tentativa fracassada de se comunicar de todas as formas com algumas pessoas, deita-se e, com a testa pressionada contra o chão frio, ele tenta explicar:

- “Eu não sou o que você vê e ouve.”

Sirenes distantes soam. Um golpe no pescoço. Silhuetas na porta. Uma jovem mulher hispânica com a palma da mão em cima da boca, olhando.

-”Eu não sou”, eu digo.

O título propõe desafiar o pressuposto que retratos podem te dar uma ideia de quem é a pessoa em frente à tela, enquanto, para usar as palavras de Wallace em outra entrevista: ”o que acontece dentro é muito rápido, grande e interconectado, que palavras raramente são mais do que um mero rascunho generalizado de outra minúscula parte de qualquer dado instante.”

© Simone Massera

Então você acha que o tempo gasto por todas essas pessoas em chats com estranhos aleatórios é apenas uma tentativa superficial de auto-representação?

Eu não sei, na verdade. Eu tenho a sensação de que a tentativa de auto-representação é mais uma reação que a maioria dos tipos de conexão online parecem simular. Pense na carga de informações que nós colocamos em redes sociais para tentarmos nos definir, ou a forma que nós decidimos parecer (ou não parecer) nesses sites de vídeos chats. Penso que, com o intuito de usar essas ferramentas como um tipo de anestésico contra a nossa solidão, antes nós temos de modelar uma imagem de nós mesmos, a máscara que vamos usar.

Me fale sobre seus projetos, sonhos… o que tem em mente agora?

Pessoalmente, eu estou trabalhando em diversos projetos em andamento, esperando para ver qual deles vai ficar realmente interessante. Eu coleciono inspirações e ideias em “arquivos mentais” e às vezes algumas ideias simplesmente morrem, às vezes elas ficam maiores, mais profundas e se conectam com outras, aí eu tento fazer alguma coisa com elas. Neste exato momento minha mente tem estado ocupada pensando em 1) como ilustrar o livro de Italo Calvino Invisible Cities; 2) um projeto ficcional sobre aviões e as pessoas neles, o que pode, ou não, acabar envolvendo poesia; 3) algo sobre memória pessoal e seu choque com a cultura visual contemporânea, ideia que surgiu ao me deparar com a Timeline no Facebook.

Parece meio vago, eu sei. Também, em 2012, pretendo finalizar um projeto colaborativo sobre a periferia da Itália, que comecei em 2010. O projeto se chama Baci dalla Provincia e constitui-se em eu tirando fotos, imprimindo e distribuindo cartões postais dos subúrbios a estranhos crescidos nesses lugares. Então, eles escrevem alguma coisa e me mandam de volta, compartilhando algo pessoal sobre suas experiências de crescer ali.

Intimidade era assunto delicado, que morava no íntimo {íntimo é sinônimo de familiar, particular, privado}, mas já não mora mais. A necessidade de expansão do individuo abriu novos espaços e passamos a compartilhar a intimidade em terrenos como o Facebook e o Flickr, onde, virtualmente, dividimos um mundo que antes parecia bem mais privado.

Acessamos muitas exposições virtuais e muitas intimidades. As imagens são compartilhadas como extensão da visão em tempo real. Seguimos no Facebook o que poderiam ser ‘foto-novelas’, nos alimentamos das imagens, consumindo comportamentos e atitudes.

Nesta enormidade de imagens, encontramos o trabalho de Ana Kras que mostra esta ‘intimidade compartilhada’ com muita poesia. Ana é da criação, é designer, ilustradora e fotógrafa. Administra no Flickr o Projeto Ikebana. Sua  fotografia se mistura ao seu cotidiano e no Flickr apresenta imagens ricas em detalhes e argumentos, a imagem nos conecta ao outro.

Antes de entender a representação da realidade via fotografia, passamos pela representação da realidade em si, ou, a [sempre] ilusão que criamos de nossa própria realidade.

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+i

:: portifólio
:: projeto ikebana

Em Permanent Error, o fotógrafo retrata o cenário e a vida das pessoas que ocupam um grande lixão de tecnologia obsoleta em Agbogbloshie, região localizada no suburbio de Accra, capital de Gana. Em um grande terreno baldio sem nome, pessoas e animais convivem em meio a montanhas de placas-mãe, monitores e discos rígidos descartados, narrando o cotidiano dos que estão à margem dos benefícios propagados pela tecnologia. Os habitantes da região sobrevivem queimando aparelhos eletrônicos para extrair cobre e outros metais das carcaças de plástico usadas para sua produção. Os restos tecnológicos contaminam rios e lagos, com consequências já previsíveis. Em 2008, o Greenpeace colheu amostras de solo queimado em Agbogbloshie e encontrou altas concentrações de chumbo, mercúrio, tálio, cianeto e PVC.

O trabalho é um lembrete das situações adversas impostas a comunidades marginais ao redor do mundo e as consequências do consumo desenfreado e da obsolência programada. O Programa das Nações Unidas para o Meio Ambiente prevê que os países ocidentais produzam 50 milhões de toneladas de material tecnológico anualmente. Na Europa, 25% deste tipo de lixo é coletado e efetivamente reciclado. O resto é empilhado em containers e levado em navios a países em desenvolvimento para, supostamente, gerar empregos e ajudar as pessoas.

Suas imagens são um vislumbre apocalíptico do final do mundo como conhecemos e do conceito de vida útil, permeado na base da vivência moderna. Em meio a um cemitério de espólios do mundo pós-industrial, fica evidente a fragilidade da informação e das histórias armazenadas em computadores, convertidos em fumaça e plástico derretido. Em uma entrevista que fizemos mês passado, Hugo se diz pessimista quanto ao futuro da humanidade.

Não perca a entrevista dia 21 de setembro das 19h às 20h30 na Casa da Cultura, rua Dona Geralda, 117, com projeção simultânea na Tenda.
O workshop ainda tem vagas, para mais informações e inscrição, clique aqui.

© Alfredo de Stefano

Segundo Juan Esteves, trata-se da arte do espaço intocado e da intervenção humana. “O fotógrafo sugere existir o vazio porque não existe vida, e o que se encontra desumanizado é porque não é habitável. A necessidade do artista em “abraçar” os lugares torna sua obra cosmológica, ultrapassando as questões limítrofes de seu México natal.”, afirma. A exposição fica até 15 de abril.

© Alfredo de Stefano

rua clodomiro amazonas 526 | itaim bibi | são paulo
abertura 15 de março | 19h30 às 22h
16 de março a 15 de abril | 11h às 19h [segunda a sexta] | 11h às 17h [sábado]
gratuito
(11) 3825.0507

* Imagem da série Projeto Symbiosis, de Roberta Carvalho (PA)

Com o tema “Crônicas Urbanas”, a segunda edição do prêmio teve como ganhadores Silas José de Paula (CE), Leonardo Sette (PE) e Roberta Carvalho (PA). A comissão julgadora, formada por Tadeu Chiarelli, Marisa Mokarzel e Alexandre Sequeira, analisou 254 trabalhos enviados de todas as regiões do Brasil.

* Imagem da série Gente no Centro, de Silas José de Paula (CE)

Cada vencedor receberá um prêmio de R$ 10 mil, além uma ajuda de custo para a produção dos trabalhos, no valor de R$ 1.200 – que será conferida a todos os 21 artistas selecionados. Participaram do concurso artistas de todas as regiões do Brasil. O destaque do concurso se voltou ao uso das multimídias. Mariano Klautau Filho, curador geral do projeto, reiterou a importância dos diálogos da fotografia com o desenho, com o vídeo e com a performance. “Trata-se de um exercício amplo sobre as diversas possibilidades de representação do espaço e do tempo da cidade”, diz.

Os selecionados e premiados participarão da Mostra Prêmio Diário Contemporâneo de Fotografia, no Museu da UFPA, ao lado de outros 18 artistas selecionados. A exposição será aberta ao público no dia 15 de março e permanecerá em cartaz até o dia 15 de maio. A programação prevê também um ciclo de palestras, bate-papos, encontros com artistas, oficinas e atividades de arte-educação com escolas da rede pública de Belém. Todas as atividades são gratuitas. Veja aqui a lista completa de participantes do concurso.

* Imagem da série Luzes Inimigas, de Leonardo Sette (PE)

Neste presente, cruel de consequências de nossa existência, evocar o herói para comentar nossa conduta ou ironizar nossas lendas pode ser uma eficiente reflexão, afinal, gente gente gente gente… e suas verdades, muitas vezes mentiras, sempre são verdades provisórias e úteis.

Este post apresenta parte de cinco ensaios que evocam a natureza do herói corrompida pela realidade humana, exemplificam nossa natureza perturbada por imagens de um mundo talvez possível, apoiado em quem ainda acredita no poder de nossas invenções ou quem derruba o sonho com o cotidiano que nos prende.

A essência mais real que conheço dos ‘vocês‘ está nas fábulas.

* O fotógrafo francês Sacha Goldberger fotografa sua avó Mamika: Frederika Goldberger, de 91 anos

* Os imigrantes mexicanos que trabalham em Nova York com seus cotidianos heróicos por Dulce Pinzon

* Personagens de fábulas inseridos na vida cotiadiana por Dina Goldstein

* A presença do mito de herói em parte do ensaio do coletivo MondaPhoto

* Personagens que saem dos livros por Lissy Elle

click foto > slideshow ensaio
click nome > site fotógrafo

* Obrigada Silvana, obrigada Talita.

Para representar este presente, precisava dividir o imaginário, o desconhecido, mas sem desperdiçar palavras, então convidei amigos para pensar/’comentar’, em imagem [manifestações visuais], junto comigo, desde já, o futurO da fotografia.

futurO :: por ERIC JONSSON (jofer) {jofer é artista plástico, está em berlim, estudando e expondo}
A INEXISTÊNCIA DA REALIDADE

futurO :: por NATHALIA CRUX {nathalia é uma das mãos da emma thomas}
ESSE TÉDIO QUE É TODO MUNDO FOTOGRAFANDO

Com estes dois jovens artistas está nascendo um espaço no blog do Paraty: próxima fotografia :: o futurO.

Este post está dividido em 15 capítulos, a cada duas semanas vamos publicar uma manifestação [pode ser um vídeo, uma imagem, várias imagens, um texto, um desenho...] para ‘contar’/mostrar o que 15 pessoas, pensam do futurO da fotografia. Vamos convidar, independente de seu ‘títulos’, alguns nomes que pensam, participam e atuam na cultura aqui no Brasil e também no mundo, afinal, fronteira já é palavra ultrapassada quando falamos de informação, pensamento e cultura.

Este é o inicio desta conversa entre gerações e o futurO, um aquecimento para o que esta por vir no nosso Festival.

O que me separa do outro se não meu corpo que é matéria. O corpo, o que somos e onde estamos, como usamos o nosso veículo para viver e como nos mostramos está talvez, na linha do acaso, de onde e como nascemos. Aqui, estamos acompanhados de mulheres em beleza de cores e movimento, que trabalham vendendo o tempo com seus corpos.

O ensaio apresenta mosaicos, intercalados com fragmentos que captam o ‘entre’, antes da postura e antes do pensamento, depois do ato e depois da consciência, mas ‘entre’ o estático. Este trabalho foi construído nos ‘entre’ do cotidiano de algumas mulheres, em alguns 15 minutos, na maioria, dentro de quartos fechados em pouca luz, oferecendo sombras e transparência feminina.

O projeto é uma parceria de Pedro Farina e Marcelo Carrera, eles procuram juntos, há um ano, respostas visuais para suas questões ligadas aos valores da sociedade. ‘Meninas da Vila nasceu da necessidade de entender quem eram essas mulheres e como lidavam com sentimentos como culpa, vergonha e medo’. As visitas frequentes aproximaram os meninos das meninas e o desconhecido se desmanchou em mosaicos e semelhanças.

Os valores e a sociedade, o que a comunicação imprime é depoimento delicado.

Meninas da Vila I from Pedro Farina on Vimeo.

Rafa Zubiria é de San Sebastian, no norte fim da Espanha. Agora ele mora em Madrid, mas a obra e artista ainda estão próximos de San Sebastian, em saudade. Tratam a infância e as sensações construídas por lembranças distorcidas.

Os ‘mundos’ pequenos e plenos soltos perto das nuvens, são representação de corpo [a casa] em cima do passado [as raízes], habitados de brinquedos do menino [infância], ‘brincados’ pelos bichos. Mais do que isso, são ecossistemas auto-suficientes que passeiam solitários nos céus, vivem herméticos do instante lembrado. Zooo é trabalho em progresso, está em desenvolvimento desde 2010. É uma colagem de fotografias captadas pelo autor no Zoológico e arredores da cidade. O trabalho é uma visão futurista de vida mas está agarrado em memórias.

Em um ano que discutimos o futuro da fotografia, apresentamos um trabalho resultado da mistura da fotografia com Photoshop, mas que, entre o instante e a imagem, insere um mundo de possibilidades. Qual a última fronteira da fotografia? Até onde vamos permitir que ela vá?

A série No Way Home apresenta prédios e casas vagando acima da superfície, em ar, percorrendo trajetos ou estacionados, em comunicação com o solo apenas por escadas. A série pretende a volta a um lugar físico, para uma vez lá, saltar para outro, os sentidos despertos. As moradas percorrem os céus esperando esse momento de ‘voltar para casa‘, revisitar o passado. Contatada, a memória é frágil e delicada, está machucada pelo tempo e a cada retorno pode sofrer mais uma fissura, assim as casas flutuam… não são reais, sempre vão dissimular a realidade.

Os edifícios e os fundos foram fotografados separadamente, em horário de luz similar, os momentos fotográficos estão dissolvidos na composição.

O trabalho de Rafa Zubiria pode ser encontrado na galeria virtual: photoarte komite