Il pubblico ha bisogno dell'arte? Oppure è l'arte che ha bisogno di un pubblico? O meglio ancora, l'arte è per tutti? L'arte contemporanea ha bisogno di un significato? C'è un significato in esso? Vuol dire davvero qualcosa a qualcuno? O è che niente di tutto questo è necessario e non abbiamo bisogno di spiegare nulla! Forse tutte queste idee non denotano un senso immediato, ma legato in diversi significati importanti che i testi in valigia afflitto per decenni Leo Steinberg, professore e critico d'arte di Mosca-americano di origine, uno dei più importanti del secolo ventesimo.

Oggi, nonostante più di tre decenni dalla sua pubblicazione, ad altri criteri - Scontri con l'arte del XX secolo (Cosac Naify, 2008) è ancora un libro estremamente importante, nonostante i cambiamenti che si sono verificati nel mondo dell'arte contemporanea. I cambiamenti non sempre dicono tra l'altro, sono positive. Le mutazioni che non sembrano neanche come tale, l'aforisma che dice che deve cambiare per mantenere tutto uguale. I tredici saggi, scritti tra il 1955 e il 1972, che per questa edizione brasiliana aveva preparato una speciale prefazione dall'autore, che a 88 ha ancora il potere di rivedere parti di esse, una sorta di avvertimento ai suoi lettori più giovani o proseliti.

Questa introduzione denota l'attenzione su alcune recensioni, gli spazi per esempio per il lavoro Le Demoiselles di Picasso (il primo scrittore lista edizione 18 solo ora la correzione di là di migliaia di euro). L'uso di espressioni del suo tempo e che aveva senso per lui oggi non fare di più - come "uomo di lettere" che ex allievi illustri in mezzo alla folla d'arte. Oggi, solo gli uomini! Anche se a volte senti arrabbiato con i cambiamenti, Steinberg James Joyce utilizza furbescamente (1882-1941) e dice che "La colpa è la storia" ("Sembra la storia è la colpa" in Ulisse).

I cambiamenti sono solo un avvertimento preventivo, perché il testo mantiene la sua versione originale. Anche l'autore discute la transizione di questi intellettuali e morali più di tre decenni che sono distanti dal suo rilascio. Si osserva un cambiamento nelle abitudini della borghesia quando è in discussione, ad esempio, se l'orientamento sessuale dei Michelangelo Buonarroti è importante o meno per la comprensione della sua opera. Quando privacy deve essere mantenuta come tale o quando è un marchio fattore contenuto artistico. Steinberg va oltre un contrappunto brillante: negli anni '60 era più facile socialmente per discutere la vita sessuale di una esperienza religiosa. Oggi, sembra che il cambiamento.

Tra queste opposizioni - suggerito dal passaggio del tempo e l'alternarsi dei concetti etici e morali - è ancora più vivo che mai il punto di vista privilegiato di un pensatore. L'edizione brasiliana, anche se in ritardo, è significativa e rilevante, perché anche con alcuni punti salienti del mondo dell'arte internazionale, la stragrande maggioranza dell'arte brasiliana deve ancora raggiungere una più vantaggiosa, sia nella letteratura o nella loro occupazione di spazi significativi.

Questi "altri criteri", analizzato da Steinberg, il primo apparso in un numero della rivista Artforum, nel 1972, sotto forma di articoli. Questi, a sua volta, proveniva da un discorso fatto qualche anno prima, nel 1968, al MoMA, Museum of Modern Art di New York, Stati Uniti. Il fotografo John Coplans (1920-2003), redattore del tempo, Steinberg ha chiesto un testo, poi professore di Storia dell'Arte presso Hunter College del Rinascimento. Questo ha inviato un estratto da "Other Criteria". In realtà, il titolo degli articoli pubblicati è stato un altro: "Riflessioni sullo stato della critica d'arte."

Per lo storico dell'arte Katy Siegel, anche professore presso l'Hunter e collaboratore di Artforum, articoli Steinberg ha cercato un modo per opporsi alla stessa critica formalista, soprattutto praticata dal famoso critico d'arte Clement Greenberg (1909-1994). Lei cita le parole di Steinberg sulla pressione avvertita da l'influenza del critico ", Greenberg ha detto che per una persona intelligente, preoccupazione per le opere d'arte semplicemente non esiste." Per l'autore, a quel tempo, una generazione di giovani critici è stata influenzata da Greenberg, Rosalind Krauss (prima rivolta contro il padrone) e Michael Fried, tra gli altri.

Oggi, alcuni critici sostengono che Steinberg ha introdotto una interpretazione pluralistica, che ha incorporato una analisi formale del contenuto emotivo, portando loro il contesto storico, inclusa la produzione della critica. Che, anzi, in senso lato, è diventata una prassi generalizzata negli anni che seguirono.

La pubblicazione di questo articolo in Artforum preso sia gli storici e critici d'arte in contrapé, coloro che avevano formalismo critica come qualcosa che aveva bisogno di revisione. In effetti, un formalismo inadeguata per un'arte più moderna, quella che è emersa negli anni '60 e che avrebbe preso il corpo e più coerente negli anni '70, che incorpora la fotografia in modo più spesso. E 'questo flusso, che sono i tuoi migliori tour, uno dei primi finalizzato alla giovane artista Jasper Johns, che decenni più tardi sarebbe diventato l'icona dell'arte americana e uno dei più importanti nel mondo dell'arte.

"Jasper Johns: I sette primi anni della sua arte" è stato originariamente pubblicato a Metro nel 1962. Per la versione brasiliana, la precedente valutazione critica della letteratura è stata rivista e ampliata. Inoltre, il test è lo stesso, completato nel 1961. La nota in fondo, avverte che "1961" è il punto di riferimento per i riferimenti al lavoro "recente" Johns. Pertanto, anche se rilevanti per la vita di artista americano, nato nel 1930, alcuni confronti diventano necessariamente bisogno di un nuovo punto di vista sulla proiezione del lavoro di Johns negli ultimi anni.

Come è rilevante per la fotografia, questa carenza è soprattutto sul suo stretto rapporto con Robert Rauschemberg (1925-2008) sarebbe interessante. Interessante notare che una delle opere d'arte esposta al Tomie Ohtake Institute di Sao Paulo, un ritratto di Johns passa inosservato, tra le tante bellissime fotografie utilizzate nelle sue litografie. Per assurdo, non vi è alcuna indicazione nella leggenda. Lo spettacolo, assolutamente da vedere, a dire fino al 21 febbraio.

Ancora in fase di test, abbiamo fissato un punto di riferimento nel primo paragrafo del testo: l'arte di dire qualcosa? Un libro di riferimento "Liar" (bugiardo), prodotto da Johns nel 1961, grosso modo, una tela astratta con la parola scritta e il suo riflesso. Steinberg si chiede se è necessario che esso ha un senso. Era solo un dispositivo utile? O è solo un dipinto con un "po 'di provocazione dadaista".

Tuttavia, per lo storico, siamo troppo sofisticati per accettare la sfida di una parola.

Steinberg gli argomenti sono forti. Non nel senso della distruzione del suo contenuto, ma nella sua costruzione. Non guidare a generare polemiche, ma contro di loro. Per la Moschea Thiago critico, lo storico non cerca una ridefinizione formale dell'arte moderna. "Prova a rivolgersi ai lavori, capire gli elementi che capire e affrontare le questioni più innocenti che sollevano queste opere." Steinberg se stesso, in un recente articolo, ha dichiarato: "Oggi mi sento più formale di ogni altro."

La questione della Johns usato nei suoi argomenti banali come lettere, bandiere, grucce, è un po 'metaforico. Egli pone una domanda: perché l'artista scelto temi di disinteresse così aggressivo? Per il critico, il percorso sviluppato da un giovane artista (non dimentichiamo che il burbero Johns aveva solo 30 anni) è come la strada a tentoni in una stanza buia piena di cose. Quando si inizia a camminare, inciampa sul divano di un'altra persona, cambio di direzione per colpire il petto di qualcuno, poi si scontra con una scrivania che non può essere disfatto. Ogni cosa ha il suo uso ed il suo utente.

Vedere le immagini al posto della questione è davvero possibile? Per Steinberg, un mezzo secolo formalismo non poteva dire di sì. Per dimostrare il suo punto di vista egli elenca circa otto temi intorno alle scelte di Jasper Johns, fino al 1958 (anno della sua prima mostra pubblica) e discutere ogni caso con attenzione. Purtroppo, come un libro scritto coordinando i suoi contenuti, le immagini che l'autore utilizza soffre di una stampa e un ruolo che consenta il lettore non ha familiarità con le opere citate, conosciuta in dettaglio questi riferimenti.

In "Other Criteria", un capitolo omonimo nome, l'autore decide di divertirsi commentando il mercato dell'arte, sulla base di una relazione della rivista americana Fortune business, in origine una conferenza presso il Museum of Modern Art, il MoMA di New York. Per i giornalisti, scrive Steinberg, "Ci sono tre tipi di opportunità di investimento: i grandi maestri, quadri che cadono al di sotto dei grandi maestri e quelli soggetti a speculazioni o sfruttamento. Tutti gli investimenti per il futuro ". Dove una volta c'era il romanticismo del collettore, l'investitore entra. Per il critico, il cambiamento è in qualche modo incoraggiante: "L'arte è un investimento", dice.

Dato che queste affermazioni si riferiscono principalmente l'arte d'avanguardia (anche se al momento, e oggi è difficile raggiungere un consenso sulla definizione di "avanguardia") avverte che un tale atteggiamento critico ha segnato una svolta storica nella cultura moderna. Per la prima volta un'arte ad esso "recentemente americanizzato", è associato con un sacco di soldi. Sarebbe bello leggere un testo Steinberg sui prezzi raggiunti dalle fotografie di Andreas Gursky e Richard Prince. Inoltre ha avuto un attacco di cuore per imparare i prezzi di serigrafia di Elizabeth Milhazes incomprensibili.

Il grande cambiamento nella scena artistica di New York capita di Robert Rauschenberg nei primi anni '50. Per Steinberg, come Espressionismo Astratto festeggiato le sue vittorie, Rauschemberg ha proposto un vasto altopiano dello schermo. Un nuovo ordine, una nuova esperienza da affrontare. Anche la stessa analizza altri esperimenti proposti dal grande artista, come ad esempio l'esposizione al sole di carta sensibile, e altri che coinvolgono una foto e loro derivati.

(Anche se lo spettacolo di Tomie Ohtake, un grande film in cui appare emulsionante le tue foto a tratti così come la testimonianza del Rauschemberg fotografo Christopher, figlio dell'artista nel sito. Cultura Lens è una questione interessante, che coinvolge Eugene Atget (1857 - 1927)).

Dopo la sua spiaggia più vicina, i newyorkesi ei loro vicini, le joint autore ai commenti sull'artista Malaga Pablo Picasso (1881-1973). Il suo punto di partenza sono le figure che si trovano, dormendo essere osservati, uno dei temi ricorrenti nel lavoro dell'artista. Tra le altre cose, cammina attraverso la biografia e la cronologia del pittore, guardando acquerelli, stampe e disegni del maestro.

Steinberg stima che il tema della "Observer e addormentato" è scattata dall'artista intorno al 1920, e trova la ricorrenza in alcuni dei suoi lavori. Inoltre, a trovare Picasso alter ego. Per il critico - che non possiamo dimenticare, è anche uno storico - questi incontri addormentato e gli osservatori si verificano anche in arte antica, che rappresentano incontri inattesi o delizioso Ninfe addormentate vengono scoperti da satiri lussuriosi ". Tuttavia, si afferma anche che artisti del Rinascimento sonno complicata destinazioni.

Attraverso le pagine, è chiaro che le argomentazioni poste dal Steinberg sono molteplici. Per lo storico Katy Siegel, critico mai avuto intenzione di avere una visione unica, onnipresente, ha voluto "essere pluralista di eliminare ogni pluralismo." In qualche modo, non ha mai legiferato fuori delle preoccupazioni più formali, ma solo contro quelli che si basavano solo su di esso. E 'in questo modo, più esteso, si amalgama con Rodin e Monet a Jackson Pollock, De Kooning, nel corso di tante deliziose pagine.

In un mondo in cui le fotografie scaffali dei supermercati raggiungere le vette di milioni di dollari in case d'asta come Sotheby o Christie - che fiorisce incoerente e cattivo gusto in serigrafie raggiungere qualche migliaio di dollari, e in cui amministratori hanno firmato gli inviti alle fonti superiori a quelli utilizzati nei nomi di artisti, la lettura di Steinberg è ancora fondamentale. Anche attraverso questi cambiamenti negativi, deviazioni dal vero significato di arte, o per essere più moderne, il vuoto che istituzionalizza le grandi mostre, i suoi voti sono più che rilevanti, ci fanno guardare indietro, ma ci dicono che cosa c'è in anteriore, anche se non ci piace quello che vediamo.

Leo Steinberg. Foto: Pamela Blackwell / Disclosure

A proposito di Steinberg
Leo Steinberg, è nato a Mosca, ma trascorre la sua infanzia a Berlino. Nel 1933 si trasferisce a Londra, dove rimase fino al 1940. Dopo la seconda guerra mondiale, si rifugia a New York. Fu in questa città, presso l'Istituto di Belle Arti dell'Università di New York nel 1960, ha difeso la sua tesi di dottorato che era l'architetto italiano Francesco Borromini (1599-1667). Tra il 1962 e il 1975, ha insegnato storia dell'arte presso la City University di New York. Oggi insegna presso l'Università di Pennsylvania.

Si tratta di un conoscitore d'arte, rinascimentale e barocca del Novecento. Tra i personaggi dei loro studi sono Filippo Lippi, Mantegna, Michelangelo, Pontormo, Guercino, Rembrandt, Jan Steen, Velázquez e Picasso, Jasper Johns e Robert Rauschenberg. Non meno di 500 anni di storia dell'arte, parte della gamma della sua ricerca e del pensiero.

Critical prestigiosa, si trova accanto al Clement Greenberg e Harold Rosenberg (1906-1988) nel pantheon della critica moderna. Nel libro Il mondo dipinto (1975), il controverso scrittore americano Tom Wolfe, i tre critici sono elencati i nomi più importanti come Pollock, De Kooning e Jasper Johns. Per l'autore, erano più importanti per l'arte di artisti. Vivente unico fra i tre, Steinberg è senza dubbio una delle personalità più influenti del mondo dell'arte e del pensiero critico.

I criteri diversi - Scontri con l'arte del XX secolo , Leo Steinberg. COSAC Naify. Presentazione di Cecilia Cotrim.

Juan Esteves, fotografo, ha scritto i suoi articoli dal 1988 nella Folha de S. Paul. E 'stato columnist Iris Photo Magazine e redattore e editorialista per il Fotosite. You Better Spara magazine editorialista e collaboratore di testo e immagini per riviste come Mitsubishi, Living Alone, viaggi e altro ancora Naify Cosac. Ora, il blog di Paraty in Focus, chiamato Juan, tutti i venerdì, inediti o pubblicati - le ultime, con la ristampa e aggiornare realizzata appositamente per questo blog.