Photo: courtesy and ©Sonal Jain and Mriganka Madhukaillya

Contemporary Indian Art: Neste verão, visitantes do Deutsche Guggenheim podem conhecer alguns dos mais inovadores artistas de cinema e video da India. Longe dos clichés de Bollywood, Being Singular Plural: Moving Images from India mostra a diversidade da vibrante “art scene” do país.
ArtMag mostra o show e apresenta vários outros artistas contemporâneos de qualidade.
Clique para acessar!

© Eduardo Muylaert

Um convidado especial do Paraty em Foco, Eduardo Muylaert.

Além do vasto conhecimento que ele detém em fotografia e a sua biblioteca, cheia de títulos invejáveis, ele leva a vantagem de ser um amador.

Encontramos Edu, com uma garrafa “Magnum” de vinho, para uma deliciosa conversa em que falamos sobre fotografia, em sua casa, cercado de fotografias e livros mais do que especiais:

Ilustrando o melhor lado do que significa ser um amador na fotografia, ele parafraseia Henri Cartier-Bresson:

“Je suis comme vous un amateur, être amateur c’est aimer”
“Eu sou como vocês um amador, ser amador é amar”

© Eduardo Muylaert

Edu vai participar de uma mesa no festival, entrevistando Loretta Lux.

Em seu tempo livre, Edu vai ser garantia de uma boa companhia pelas ruas de Paraty. E de outros vinhos!

© Cia de Foto

Fotos de Mario Cravo Neto, expostas no stand da galeria Paulo Darzé

Uma baita feira de fotografia, aliás a maior do país! 17 Galerias reunidas e muito trabalho a mostra.

Na última quinta, dia 10 de setembro, por exemplo, teve uma palestra com Elliott Erwitt, da Magnum, em companhia de Cassiano Elek Machado, diretor editorial da Cosac Naify.

© Cia de Foto

Quem trouxe Erwitt para o evento foi Jully Fernandes, da Galeria Babel.

© Cia de Foto

No sábado, 12 de setembro, 12hr, terá uma mesa com Milton Guran e Jean-Luc Monterosso, diretor da Maison Eropéenne de la Photographie

© Cia de Foto

Acima fotos de Luiz Braga expostas no stand da Galeria Leme.

© Cia de Foto

Acima, Fernanda Feitosa, idealizadora da Feira.

© Rodrigo Braga

Passamos agora alguns dias na Bolívia para o desenvolvimento de uma revista entre países da América do Sul.

Um projeto bancado pelo Centro Cultural Simón I. Patiño, com sede em Santa Cruz de La Sierra, que resultará em uma publicação semestral de fotografia.

Aqui do Brasil, a Cia de Foto é a representante do conselho editorial e apresentou, para o primeiro número, os trabalhos de Rodrigo Braga, João Castilho, Breno Rotatori, Sofia Dellatorre Borges e Claudia Andujar, além de um ensaio em texto de Claudia Linhares Sanz. Aliás essa será uma característica boa da revista, trabalhos de pessoas que estudam fotografia apresentados em artigos ou ensaios.

© Claudia Andujar

O nome escolhido para publicação é “Sueño de la Razón”, (retomando la leyenda del famoso grabado de Goya “el sueño de la razón produce monstruos” (un concepto típico del Siglo de la Razón), despùes de Freud podriamos afirmar sin embargo, que es cuando la razón sueña, que aparecen las imagenes...) e sempre terá um subtítulo em português, porque a publicação será bilíngue mas sem tradução. Duas línguas presentes e misturadas.

O comitê editorial é formado por Daniel Sosa do CMDF (Centro Muinicipal de Fotogafia), Uruguai; Pablo Corral V., Quito;  Nelson  Garrido, da Venezuela; Phillipe Gruenberg, do “Espacio la Culpable,” Lima; Fredi Casco, “El Ojo Salvaje”, Paraguai; Cecilia Lampo, artista e curadora da Bolivia e mais Luís Wiestein e Andrea Josh, do Chile.

Foram dias inteiros de uma discussão franca em torno do que apresentar em um primeiro número, que trata da fotografia como transformação social.

© Breno Rotatori

Na época em que recebemos o tema proposto, conversamos com alguns amigos considerados tutores, entre eles Georgia Quintas e João Castilho.

Questionamos o seguinte:

“Pensando na fotografia brasileira sobre o tema proposto, “fotografía y transformación social”, uma questão veio como um filtro na escolha de trabalhos a serem sugeridos.

O início dessa questão é sobre até que ponto podemos esperar um resultado prático de uma fotografia?
Podemos nos valer de uma aplicação e condução de um resultado fotográfico para um efeito imediato de mudança social ou devemos pensar em ensaios fotográficos para retornos intempestivos, atemporais e, sobretudo, subjetivos?”

Daí veio, entre outras, uma resposta de Claudia Linhares Sanz, que determinou nossas escolhas e, que depois de compartilhado com o grupo na Bolívia, passou a fazer parte do material a ser publicado.

Eis aqui um trecho desse texto:

“E vai dizer que a fotografia não transformou nossas próprias vidas? Vai dizer que nunca sentiu uma fotografia desviar seu caminho?

As fotografias que me importam são as que transformam – me criam marcas. Provocam aberturas (mesmo mínimas)(…) Gosto das marcas. Gosto de ser atingida por uma foto. As das quais sou alvo e que transpiram, desdobram-se em outras angústias, alegrias, críticas. Transformações? De todo tipo. Visíveis, óbvias, mínimas, significativas: deslocamentos lentos, imediatos, submersos. Deslocamentos de mundo que fazem ver o filho da gente de outro modo. Fazem lembrar nossas o próprias fotografias de um jeito que a gente nunca fez. Remontam nossas idéias. Nos enjoam, voltam a aparecer num sonho. Fotografias que produzem sentidos inesperados: rompem o pretenso equilíbrio de nossas vidas, nos desconcertam, nos riem. Imagens que fazem a gente gostar de viver. Fotografias que pesam, exibem lacunas. Fotografias que fazem visíveis a morte. Nos fazem indignar. Fotografias que produzem silêncios profundos.(…)Tais fotografias, mesmo que algumas doces, exercem um tipo próprio de violência. Quando isso acontece, instauram a possibilidade de mudança, produzem brecha para um novo modo do nosso corpo se saber, do nosso olhar se ver. Produzem pensamento – mesmo que na fugacidade de um incômodo.(…)Uma fotografia que transforma, abre sempre a possibilidade de um novo corpo. Quantos corpos me fizeram ter as fotografias da minha vida? E quantas também não foram as transformações que imprimi nas fotografias que vi? Há como uma transformação mútua, se elas me fizeram outras, também transformei as fotografias, seus sentidos e histórias.”

© Sofia Dellatorre Borges

© Elisa von Randow

NADA ESTÁ EM SEU LUGAR

“Mas de tudo fica um pouco.
Da ponte bombardeada,
De duas folhas de grama,
Do maço — vazio — de cigarros, ficou um pouco.”

In Resíduo, Carlos Drummond de Andrade

Onze meses sabáticos, 56 cidades percorridas a pé, de carro, bicicleta, trem, barco, ônibus, balsa, feluca ou avião. A tiracolo, duas câmeras digitais e um laptop, totalizando milhares de imagens armazenadas em 20 gigas de memória. Vinte gigas de memórias. Roubados. Na volta para casa. Em São Paulo. Numa noite de ausência e frio. Momentos, passagens, fragmentos de gesto e luz, imagens legitimadoras de acontecimentos pessoais, retratos de uma identidade andarilha – tudo perdido. Tudo agora existente apenas em algumas cópias únicas impressas e também em desenhos, colagens e gravuras a reproduzirem não mais o instante, mas a memória do instante, como ruínas restauradas, em que novos e antigos materiais se misturam para remontar a realidade evaporada na fração de segundo seguinte ao fato acontecido. Em suas “memórias perdidas”, Elisa nos confronta com o fato universal – e nem sempre aceitável – de que assim que o instante muda, muda também a verdade.

Galeria do Ateliê, Urca, Rio de Janeiro.
Abertura: 11 de setembro de 2009 às 19h
Visitação: de 12 de setembro a 31 de outubro
Seg a sex de 10h às 18h | sábado de 10h às 17h

O jogos dos fotógrafos modernos

Máquina de esperar provoca o leitor porque faz ver o tempo, na fotografia, livre do movimento. Além de uma excelente revisão bibliográfica sobre fotografia, atual e inédita nesses termos no Brasil, o livro de Lissovsky articula a fotografia a um pensamento filosófico sofisticado, iluminando a relação imagem-pensamento e sendo capaz de criar chaves conceituais próprias, deslocando e recolocando antigas premissas em novos lugares dos estudos fotográficos. Assim, o autor inverte caminhos e projeta luzes a um tema aparentemente sem forças: ousa pensar o instante fotográfico quando este já está completamente desprezado pela fotografia contemporânea. Nem mesmo os fotógrafos querem estar atualmente vinculados ao instante de produção; a fotografia encenada, a fotografia híbrida, a mestiçagem da imagem são, sem dúvida nenhuma, os modelos atuais. O instante foi expulso das galerias, circunscrito aos círculos do fotojornalismo e da fotografia amadora. Entre os fotógrafos nostálgicos e os integrados, é decretada a falência múltipla do instante. Livre dele, a fotografia estaria finalmente apta a produção de sua autêntica virtualidade. Os críticos também, há alguns anos, não discutem mais a singularidade da fotografia, mas suas interseções com outras mídias, seu hibridismo e relações expandidas. Na contramão das tendências que valorizam o rompimento do elo com o acontecimento, Lissovsky estuda o que há de mais singular na fotografia, em seu advento e história. Talvez, seu percurso se realize por uma certa adesão à idéia ao falecimento da fotografia, pelo menos nos moldes modernos – “ se o instantâneo morreu, agora podemos entendê-lo”. O livro, contudo, não levanta questões circunscritas somente à fotografia moderna. Ele cria um movimento mais audacioso, porque que faz pensar todas as fotografias, inclusive as contemporâneas: encharca de sentidos virtuais o instantâneo fotográfico, construindo um pensamento filosófico não a partir dela, mas com ela, em sua singularidade e força. Porque publicar um livro sobre o cadáver consumado? Serviria a um simples desejo de história? Segundo o autor, “nos dias que correm, a fotografia moderna parece estar encerrando seu ciclo de criação. Com o hibridismo que dilui as fronteiras entre as formas tradicionais da arte e a difusão dos sistemas digitais que retiram da imagem a diferença de seu suporte, algo que se creditou ser propriamente fotográfico parece esvanecer-se. Agora, portanto, ao modo de Benjamin, pode ter chegado o momento de arrematar a fotografia do atacado. Sua origem expõe-se como fratura.”

Não se trata da retomada da perspectiva modernista, mas da “reconstrução da fotografia moderna”, sob outros pressupostos. Configura uma outra história moderna, traçada a partir de um universo absolutamente conhecido: Lissovsky trabalha com fotógrafos que são “menção obrigatória” nas historiografia e na crítica fotográfica, mas o faz de modo inteiramente próprio, inovando significativamente e fazendo o leitor descobrir fotógrafos que, aparentemente, já não trazem nada de novo. Os autores não são remetidos aos seus “motivos”, mas ao jogo que cada um estabelece com o tempo, com o devir e a gênese do instante: entre durar e não-durar, entre o instante e não-instante, entre o “esperar” e “não espera mais”. Se o fotógrafo não “espera mais” deve ser “agora”, e se não é “agora”, então, ele ainda “espera mais”: esse é o jogo que o autor faz visível, jogo de forças e tensões com combinações infinitas entre atualidades e virtualidades em que cada instantâneo fotográfico é, simultaneamente, um convite a agir e um convite a esperar. Urgência e permanência. Qual o momento do golpe preciso? Para Lissovsky, quando a fotografia tornou-se instantânea o tempo que, antes constituía a longa duração da exposição, reflui para um antes da exposição, para o jogo do fotógrafo que se realiza no entre, no intervalo entre a duração o instante do clic. Quando as câmeras tornaram-se “relógios de ver” – segundo a bela imagem de Roland Barthes, o tempo refluiu para fora da exposição, fazendo da expectação a duração própria do ato fotográfico.  Nessa tensão, teria se produzido a fotografia moderna.

Claudia Linhares Sanz – é doutoranda em Comunicação pela Universidade Federal Fluminense (UFF)

PDF com texto completo: O jogos dos fotógrafos modernos

© Gilvan Barreto

Estamos aqui pensando como vai ser montar uma projeção em Paraty com tanto material bom.

Temos um ótimo problema para resolver!

Mas, por equanto vamos curtindo as novas fotos que entram no Grupo e revisitando outras.

Um destaque merecido, é essa série de Josivan Rodrigues

© Josivan Rodrigues

© Josivan Rodrigues

© João Castilho

Como assim o Blog do Paraty não teve essa ideia antes?

João Castilho foi entrevistado por Alicia Ayala, para o Blog Ideia Fixa. Uma entrevista ilustrada, muito boa!

Essa seria a 4ª entrevista da série que já teve  Jorge Bispo, João Ruas, Eduardo Recife.

Apesar de nossa inveja confessa, é super divertido ver as imagens dos entrevistados.

Aliás,quais serião as nossas repostas?

11. Vc Está Feliz?

Castilho:

© Jorge Macchi

Fotos do projeto Lambe Lambe

Oi Georgia, estávamos, aqui na Cia, tentando lembrar um pouco a história recente da fotografia em Pernambuco. Como toda lembrança é muito mais afetiva do que factual, elegemos o Projeto Lambe Lambe como uma ilustração da origem desse movimento celebrado pelo Paraty em Foco.

Durante anos, ser fotografado virou o programa de todo mundo no carnaval de Olinda. O sábado de Zé Pereira amanhecia cheio de pessoas fantasiadas pelas ruas a caminho do MAC, (Museu de Arte Contemporânea de Olinda). Era nas escadarias em frente a esse museu que o pessoal da Imago fotografava com Polaroids, incessantemente, todos os foliões que posavam, durante os quatro dias de carnaval. Foi a primeira vez que Pernambuco experimentou uma fotografia de entretenimento, uma realização que saia do meio fotográfico e mobilizava o Carnaval de Olinda. Ser fotografado passou a ser um dos principais programas e ganhou a força que tinham as tradições do Carnaval. Passar pelo Lambe-Lambe era tão essencial quanto sair a tarde no bloco Eu Acho é Pouco.

Daí vieram outras realizações  com essa característica de movimento, como o Blog Olha,vê. Ou, o recente, porém super dinâmico e instigante, curso de fotografia da AESO ou, ainda mais recentemente, a Galeria Arte Plural. Esse espaço atual, bem no bairro antigo de Recife, que é o sucessor da mais importante  escola para todos daí, a Galeria Observatório, criada por Gleide Selma, que tem o mérito de ter sido a mestra de quem faz a  atual fotografia de Pernambuco. Foi da escola de Gleide que saiu grande parte da energia que faz toda essa movimentação.

Foi a escola Observatório que formou Mateus Sá, Beto Figueiroa, Bárbara Wagner, Flávio Lamenha entre outros tantos. Aliás, quase todos passaram por lá, não é mesmo? Quase todos que agitam esse Recife de Deus!

Além de escola, era uma Galeria. Para termos uma ideia, a exposição que cerrou as portas do Observatório foi a de Claudia Andujar. Antes disso, tivemos Miguel Rio Branco, Celso Oliveira, Pierre Devin, o cubano Mario Diaz, Eustáquio Neves, Chikaoka e mais um monte de gente.

Aliás, nos permita lembrar de Luiz Santos, que agitou uma primeira semana de fotografia em 2000, e que assumiu a gerência de Fotografia criada pela Secretária de Cultura da Cidade do Recife. Gerência, atualmente, conduzida por Mateus, e que resultou em grupos de estudo, projeções pela cidade, no projeto Linguagens e em mais duas edições de uma Semana de Fotografia para lá de instigantes.

E ainda, devemos falar da época em que Breno Laprovítera fotografava para o jornal, que também foi uma escola. Aliás a primeira, a precursora. Breno fez um trabalho que foi traduzido por a gente como repertório. Ele fez, somente fotografando, a gente querer ser fotógrafo.

Nos permita, Georgia, mais um nome nesse post, resumitivo e portanto injusto, o de Daniel Berisson. Recife, a própria Imago e também o Observatório tiveram Daniel Berisson. Será que a gente deve acreditar em talento? Bem, Daniel Berisson é real, sua fotografia existiu.

Nós tivemos alguns fotógrafos para além do mérito de metier. Daniel era esse além. Para quem o conhece, basta falar seu nome que se faz, tacitamente, toda conclusão afetiva de um trabalho de fotografia. Falar de Dani inspira.

Rodrigo Braga tem também uma função importante em todo esse processo, não tem?

E mais um, o grande trabalho de Geyson Magno, Encourados. Aqui, a fotografia foi ser maior. Um ensaio que se definiu em equipe. Além de Geyson, um time de jornalista, designer, músico e artistas plásticos, se uniram em torno de um argumento fotográfico. Pernambuco assitiu uma exposição de parar a cidade, reverberada por todo tipo de rádio, jornal, tv ou veículo de impressa possível. Encourados foi o blockbuster (o arrasa quarteirão!) da fotografia de PE. O mais bem sucedido ensaio de fotografia.

E Geyson, foi da Lumiar. Outra escola que ensinou Pernambuco a trabalhar. A Lumiar fez a independência de sermos fotógrafos para além dos jornais. Criou referências de banco de imagens e organização coletiva. A Lumiar foi uma empresa de fotografia! E de lá também foram Leo Caldas, Belém e Eduardo Queiroga, curador dessa mostra que teremos em Paraty.

Mas, para elegermos o que pode ser chamado de origem, para falarmos de Imago, Lumiar, Canal 03, Observatório, Gerência de Fotografia da Prefeitura, Blog Olha, vê e Arte Plural, para falarmos de seu trabalho, Georgia, frente a  AESO e, por fim, para celebrarmos uma produção crescente e jovem, que se faz em PE, pedimos licença para dizer que o Lambe-Lambe foi o bloco que empurrou todos até aqui.

Quem um dia for para Pernambuco, saiba que o carnaval é a data mais importante.

O Estado se faz em festa. E saiba que dentro dessa festa, existe fotografia proliferada como diversão, pela turma que faz o Lambe-Lambe.

Você acha que foi assim que começou?

© Daniel Marenco

Um comentário especial para nosso Blog e para Daniel Marenco, novamente destacado, no mundo desse nosso Grupo do Paraty.

© Daniel Marenco

Eis o que disse Eder Chiodetto, que estará conosco em Paraty, sobre o trabalho de Daniel:

“Tenho comentado tanto a crise do fotojornalismo em palestras, no meu mestrado, nas críticas do jornal e nos blogs dos amigos que por vezes as pessoas se confundem e começam a dizer ou pensar que agora eu não gosto mais de fotojornalismo, que virei curador e só me interesso por artistas, essas denominações sempre redutoras que não ajudam em nada! Tudo besteira. Como disse uma vez o mais que adorável e sempre preciso Thomas Farkas: “a foto é boa? consegue me emocionar? me leva a refletir? então eu gosto! Tanto faz se é de artista, do taxista, se tava na Bienal ou na carteira do padeiro”. Viva o Thomas!!!

Essa série sobre a seca no RS mostra um fotógrafo exercendo com saber e prazer o seu ofício. E olha que ele é fotojornalista, hein? (rs) Marenco mostra total domínio da luz e da composição, o que de cara já confere ao trabalho um status muito diferenciado. Percebam que o ensaio mantém uma temperatura aquecida por causa da invejável luz dos Pampas, e como isso conceitualmente se torna uma ferramenta poderosa para falar do tema central: a seca. Domínio de luz e de composição, com fôlego para tocar um ensaio e fazer disso uma narrativa coesa, é algo que amadores não possuem. Fotógrafos só se revelam de fato num ensaio, nunca em fotos únicas. Marenco trabalha muito bem a noção de aproximação e distanciamento dos personagens e dos cenários, mesclando assim intimidade e contemplação na medida certa. Variar as grandes tomadas em angular, que tende ao épico, com o detalhe em macro, que ajuda a humanizar, confere um bom ritmo ao ensaio e o distancia de uma visão que poderia resvalar facilmente para algo mais sensaciolanista ou espetacularizado. Muitas das fotos parecem ter um tratamento de pós-produção. O que alguns mais vigilantes diriam que o leva a ter uma estética um tanto quanto publicitária. Outra besteira! Ferramenta é para ser usada. Linguagem é para ter autoria. E o bom senso, e não preconceitos tolos, devem nortear a incansável e obsessiva busca da escrita autoral. Reportar é dizer o que você viu. Mas também o que você ouviu, sentiu, cheirou, conversou… e para que a imagem fique imantada desses outros sentidos, tudo vale a pena. Verdade é para quem tem uma para mostrar! Marenco foi a campo e mandou ver. Falta ainda trabalhar a edição. Enxugar, cortar a gordura, chegar na síntese. Falar menos e expressar mais. Sempre!

abraços,

Eder Chiodetto.”

© Daniel Marenco

© Daniel Marenco