Ravier é um fotógrafo italiano, nascido em 1977, que formou-se em administração e em um momento de mudança de rumos escolheu seguir pela fotografia. Sua pesquisa gira em torno da denúncia, da realidade como ela se apresenta, da irrealidade apresentada pelas imagens. Seus trabalhos tratam de temas como Lepra e Albinismo, assim como os stigmas e a rejeição causadas por essas condições que se dão a ver tão claramente.

A série Genetic Contrast discute a questão do albinismo, em Burkina Faso, falando claramente sobre os contrastes entre as peles negra e branca, sobre os mitos que envolvem feitiçaria em torno das pessoas que carregam essa diferença genética, sobre a condição de ser visto diferente e ser isolado em sua comunidade.

Diego Ravier – Genetic Contrast

Diego Ravier – Genetic Contrast

As cores reforçam o discurso sobre o contraste. A luz dura ressalta as diferenças, a distinção completa de cores das pessoas. As causas e problemas do albinismo são detalhadamente expostos em textos com dados científicos sobre os problemas decorrentes dessa doença como o câncer, a miopia, o astigmatismo; assim como outras causas hereditárias. Outro aspecto muito explorado na pesquisa é como alguns problemas são agravados pela falta de recursos financeiros.

Já as séries Leprosy is my Prision e The Theater of the Life tratam da Lepra e sua persistência em existir mesmo com todos os esforços da sociedade para escondê-la.

“Rico, com sorte, lembrado, socialmente integrado; são adjetivos nunca relacionados as pessoas que sofrem de Lepra. A bactéria que provoca a doença, não tem misericórdia com quem já carrega os problemas de pobreza extrema.” (sobre Leprosy is my Prision, no site de Diego Ravier e Barbara Zacci)

A primeira série (Leprosy is my Prision) foi realizada no Vietnã e teve seu desdobramento no Brasil, como parte da pesquisa do autor. Muito conhecida como Hanseníase – no Brasil – a Lepra é uma doença infecciosa que ataca os nervos e a pele, provocando danos severos àqueles que sofrem dessa enfermidade. Por muito tempo foi uma doença incurável e mutiladora, entretanto hoje já existe tratamento e muitas pessoas, que não tem acesso as condições básicas de saúde, carregam além da doença, o stigma de ser leproso, termo cada vez mais em desuso por ter grande conotação pejorativa.

Diego Ravier- Leprosy is my Prision (imagem realizada no Brasil)

As imagens são absolutamente carregadas de dramaticidade que através da luz e seus altos contrastes, fortalecem a condição de isolamento, de fragilidade dos doentes. Fica claro, também, o quanto o fotógrafo se aproxima do tema, de seus fotografados, suas histórias de vida.

Diego Ravier- Leprosy is my Prision (imagem realizada no Brasil)

Já The Theater of the Life, realizada em Camarões tem uma aproximação muito mais agressiva. Os retratados interpretam personagens diante da câmera. A troca entre fotografado e fotógrafo se fortalece chegando a um ponto de clara colaboração, onde o fotógrafo arma a luz e permite ao retratado/personagem expor de forma enfática a sua condição, mas ao mesmo tempo com dignidade, sem medo de escondê-la. Nessa série, diferentemente de Leprosy is My Prison, Diego mostra pessoas que ainda são atores de suas próprias vidas.

Diego Ravier- The Theater of the Life

Diego Ravier- The Theater of the Life

Trabalhando em parceria com a italiana Barbara Zacci, sua mãe e arquiteta, que colabora como escritora e curadora das séries, Diego Ravier já teve seu trabalho exposto em mostras coletivas e individuais como Magazine Awards and Summer Show (Londres), La terre un materiau contemporain, na ESA Gallery Mezzanine (Paris) e SIPF (Festival Internacional de Fotografia de Singapura). Atualmente está trabalhando em uma exposição individual que apresentará obras de todas as suas pesquisas. Vive hoje em Marseille, mas passa longos períodos morando em outros países para realizar seus trabalhos. Já esteve no Brasil, Vietnã e Burkina Faso.

Entrevistamos o fotógrafo para saber mais sobre a sua relação com a fotografia, seus projetos, suas parcerias.

Vale a pena visitar o site de Diego Ravier e Barbara Zacci para conhecer mais os trabalhos.

Entrevista realizada com o fotógrafo Diego Ravier

O que te levou para a fotografia?

Pois a verdade é que não sei. A vida as vezes dá muitas voltas. Um dia decidi que minha vida de escritório não tinha mais os mesmo alicerces e não me motivava como antes, nem suficientemente. Creio que muita gente da mesma maneira que eu, se pára muitas vezes e se vê olhando para trás e se pergunta que sentido tem aquilo que faz todo dia. Uns decidem seguir, outros decidem mudar. Esse dia eu decidi fechar um ciclo e uma etapa de minha vida profissional para abrir outra.

Estive meditando, por algum tempo, o que fazer…. Até pensei em me jogar ao mar (e provar ser capitão)… mas finalmente uma velha câmera parada em casa desde muito tempo me deu a resposta.

Suponho que fui levado por muitas motivações. Desde a necessidade de encontrar um meio que me permitisse exprimir-me até chegar a uma nova maneira de conceber emoções, de viver o tempo e em geral minha própria vida.

A partir de uma formação em Paris de um ano, logo todas as fichas foram caindo pouco a pouco em seu lugar.

Tive a sorte de encontrar meus primeiros clientes em meus vizinhos e de começar a trabalhar com a minha mãe, como sócia.

Ao final minha relação com a fotografia não é tão longa… nos amamos e odiamos somente há uns 4 anos.

Em suas séries existe muito a questão da discriminação, do isolamento. Por onde você começou a trabalhar com esses temas tão fortes e delicados?

Creio que desde o primeiro momento em que começamos (eu e minha Mãe) a trabalhar com a fotografia, decidimos utilizar a máquina fotográfica como um meio que nos permitisse antes de tudo entender e logo em um segundo momento transportar um testemunho. Mover imagens de um mundo a outro.

Nosso objetivo é o de interpretar os personagens através da lente de câmera e converter nossos “retratos” em pequenas histórias-testemunho de uma realidade distante. As imagens podem permitir por em destaque aquelas diferenças que obrigam a viver em espaços à margem do sistema, podem apresentar costumes estranhos, instigar perguntas, provocar o evidenciar, mostrar uma desigualdade brutal e convidar a ouvir vozes que muitas vezes nos são mudas.

Discriminação e isolamento estão presentes todos os dias ao nosso lado, as vezes precisamos ir longe para nos darmos conta. Creio que existe cada vez mais isolamento no homem.

De certa maneira creio que eu tenho sentido quase que em uma obrigação moral , que me levou a abordar alguns temas nesse primeiro ciclo, dedicado à fotografia da minha vida.

Como você acha que as pessoas vêem sua fotografia?

A verdade é que não sei e poucas vezes me pergunto. Representa, sem duvida, uma parte secundária do meu processo de produção. Por isso, não quero em absoluto, passar por egocêntrico, nem como arrogantes. Só creio que o que faço, não faço para os que aprovem ou desaprovem. Afinal creio que o faço por algo muito mais egoísta: para minha satisfação pessoal: entender até onde posso chegar. Tenho um objetivo que é o de entender realidades, identificar-me nelas e representá-las em uma fotografia. O resto, ao final, será o processo que espero dos outros.

Em seus trabalhos o Homem é sempre o centro da discussão como você enxerga os trabalhos que tratam da paisagem alterada pelo homem, sem necessariamente mostrá-lo?

A fotografia tem sido e seguirá sendo uma forma de denúncia e expressão. As regras que se escrevem a medida que se trabalha, e cada um as escreve a sua maneira. Um fotografo como Koudelka (N.T. Josef Koudelka) começou a própria carreira colocando como coluna de apoio de sua fotografia os homens que fotografava. Não havia fotografia em que a presença dos seus personagens não direcionasse a um simbolismo ou a um fantasma Hoje, em seus últimos trabalhos, a presença do homem se sente através de sua ausência.

A fotografia é uma mistura fantástica, de realidade, irrealidade e surrealismo… de presença e ausência… de presente e de passado… de cor e preto-e-branco…

As variáveis velocidade, diafragma e sensibilidade não representam a multiplicidade de variáveis com as quais, realmente, se pode jogar com a fotografia e mais especificamente com a imagem.

A estética dos trabalhos The Theater of the Life, Genetic Contrast e Leprosy is My Prision é bem diferente, qual o fio condutor entre as séries que você realiza?

A resposta creio ser é a mais fácil do mundo. O fio condutor sou eu. Cornell Capa disse: “A ideia de que as fotografias podem não ser uma interpretação pessoal é uma loucura!!! Eu vejo algo, passa através dos meus olhos, de meu cérebro, de meu coração, de meu estômago. Sou eu que elejo o sujeito. Existe algo mais pessoal do que isso?”

O fio condutor é a evolução que tem acontecido em mim… na interpretação que eu dou a doença… aos enfermos… e a sociedade que julga os enfermos.

A estética, neste caso, tem sido um instrumento para enfatizar determinados sentimentos.

Você veio ao Brasil em parceria com os padres Camilianos. Na África e no Vietnam, você costuma trabalhar com a Ordem de Malta. Como surgiram e como funcionam essas parcerias?

Em alguns casos se trata de verdadeiros contratos de trabalho. No caso da Ordem de Malta trabalho já há três anos como fotografo deles na França e temos realizado várias campanhas entre as quais a da Jornada Mundial da Lepra. No caso dos Camilianos, como também de algumas ONGs as vezes acontecem intercâmbios.Trabalhar com ONGs em muitos casos permite ter acesso a determinadas pessoas e determinados lugares, aos quais dificilmente poderíamos acessar.

Você pretende dar continuidade a esse trabalho da Lepra? Pretende voltar ao Brasil para investigar mais esse tema?

Creio que neste momento cheguei ao final de um ciclo. Isso não exclui voltar aos temas que tratamos até agora, mas gostaríamos de abrir nossa investigação a outras temáticas.

Respirar para não voltar a cair no mesmo. Deixar que as coisas se decantem (como no vinho).

Eu percebo que dados como nomes, locais, histórias pessoais, são extremamente utilizados nos seus trabalhos. Por que você se vale de tanto texto nos seus ensaios?

Antes do texto vem a imagem. Se trata de um primazia lógica e da comunicação. A foto se vê primeiro e atrai a atenção antes das palavras. Se a imagem tem um conteúdo que quer ser informativo e não puramente estético se abre a porta para desenvolver um texto que a acompanhe. Seu valor é o de acompanhar, completar, exaltar – e as vezes – decodificar a mensagem já contida na fotografia. O texto não se limita só a reproduzir a informação já contida na imagem, se não adicionar a partir dela. O que tentamos é aumentar a qualidade jornalística do produto final que fazemos.

A informação que temos em geral é muito parcial e as vezes cheia de clichês. Contexto cultural, geográfico, social podem completar uma reportagem fotográfica. Objetivo obter uma mescla entre realidade, interpretação, estética e análises científico/social.

Como você vê a sua fotografia e o que é fotografia para você?

Há uma frase de um conhecido fotógrafo italiano que creio resumir bem todo o que estamos falando até agora e de certa maneira pode dar uma resposta a sua pergunta:

“Fotografare è una maniera di vivere. Ma importante è la vita non la fotografia. Importante è raccontare. Se si parte dalla fotografia non si arriva in nessun altro posto che alla fotografia.” ~(Ferdinando Scianna)

Fotografar é uma maneira de viver. Mais importante é a vida e não a fotografia. Importante é explicar. Se se parte da fotografia não se chega a nenhum outro lugar do que a fotografia.

Cada vez que se utiliza uma máquina fotográfica se dá voz a um determinado ponto-de-vista sobre o mundo. O fotografia se converte desta maneira não apenas em um simples testemunho dos fatos, se não o resultado de um filtro através da nossa pessoa e nossa visão.

No que você está trabalhando agora?

No próximo 17 de dezembro se abrirá em Milão (Itália) a exposição: “Una luz que no tiene voz”, uma exposição individual na qual estamos trabalhando com a UNESCO e o Ayuntamento de Milan.

No âmbito da produção abrimos um novo ciclo de investigação sobre o mundo agrícola. Começaremos, em particular, com o campo e seus agricultores na Espanha.

Temos, também, programada uma viagem a Índia, onde queremos tratar o tema da agricultura e um fenômeno típico índio: o suicídio de agricultores.

Winogrand  1964 *

© Garry Winogrand

Por Juan Esteves

O novaiorquino Garry Winogrand escreveu em 1963 “ Eu olho para as fotos que fiz até agora e penso: Quem somos nós e aquilo que sentimos. E, o que nós iremos nos tornar não tem a menor importância” (…) . Foi com este espírito que ele começou esta série que – apesar de seu trabalho estar mais identificado com Nova York – foi feita na maioria nos estados da Califórnia e do Texas, durante o ano de 1964.

Ano interessante, 1964: A nave Mariner 4 retorna de Marte com as primeiras imagens da superfície do planeta. Acontece o primeiro tour do Beatles nos EUA, com audiência de 71 milhões na televisão. Tem início a Lei dos direitos civis no EUA. O livro “O homem e seus símbolos” de Jung é publicado. Luther King recebe o Nobel da Paz, e um golpe militar, apoiado pelos EUA , começa uma série de 20 anos de regime militar no Brasil, entre tantos acontecimentos , descritos no prefácio do livro.

© Garry Winogrand

O que está no livro “Winogrand 1964” é o resultado da busca do fotógrafo pelo significado de seu trabalho e pelo mundo que ele reflete. Apesar de hermético é um corpo de imagens de absoluta digestão pela simplicidade com que o autor é capaz de transmitir sua busca interior.  Entretanto, “imagens simples” são muito difíceis de fazer. Normalmente a maioria do fotógrafos busca inserir elementos complicadores e de difícil assimilação, numa tentativa de passar uma seriedade que não existe ou um vocabulário imaginativo que não tem.

Encontrar a simplicidade na transmissão das idéias, uma  proposta imagética, não é para qualquer um. Por isso é tão raro um Cartier-Bresson, um Doisneau, um Alécio de Andrade ou um Carlos Moreira . O instinto deles prevalece sobre a racionalização burocrática das imagens, e é nesse sentido que as imagens de Winogrand se tornam deliciosamente fáceis de serem absorvidas.
Fotógrafo pouco conhecido por aqui, conto no dedo os fotógrafos que tem algum livro seu na estante. (noto o caso raro do fotógrafo Armando Prado que tem vários) Com este “1964”, mais uma vez,  é dada a chance de se conhecer o trabalho deste autor extraordinário. Sem dúvidas, um dos melhores livros publicados nos últimos anos.

© Garry Winogrand

Garry Winogrand nasceu em 1928 e morreu em 1984.
Seu trabalho, ou melhor, seu legado, está no Center for Creative Photography, na Universidade do Arizona, nos EUA.

De setembro a outubro de 2008,  a famosa Fraenkel Gallery, de São Francisco, Califórnia exibiu  “Garry Winogrand – The Sixties”. Em sua apresentação citava que Winogrand era um dos fotógrafos mais influentes da última metade do século. Suas imagens abriram as possiblidades de como poderíamos redefinir um documentário, a partir de suas observações sem paralelo das complexidades da vida. Winogrand também revelou o drama das ruas, daquelas pessoas mais ordinárias,  aquelas mais simples, que não estavam nos grandes eventos.

Uma das melhores definições sobre o fotógrafo vem do ex-curador de fotografia do Museu de Arte Moderna de Nova York, MoMA, John Szarkowski (1925-2007):   “Winogrand nos legou uma obra que oferece novas pistas do que a fotografia poderá se tornar.  Uma obra que continua a ser densa, perturbadora, inacabada, e profundamente desafiadora. A importância desse trabalho pode ser considerada  por alguns como  fundamentada apenas no estilo, na técnica ou na postura filosófica. Não há nenhum pecado neste engano, e  até mesmo um trabalho útil pode vir dele, mas terá pouco a ver com o trabalho de Garry Winogrand, cuja ambição não era fazer boas fotos, mas  conhecer a vida através da fotografia”.

© Garry Winogrand

Winogrand 1964- Arena Editions

*Texto originalmente escrito para o Fotosite, em 2003 e atualizado para o blog do 6º Paraty em Foco 2010.

Além dos 14 workshops lançados semana passada, mais 8 temas contemporâneos e pertinentes serão contemplados no Paraty em Foco 2010.
Atenção: Uma boa parte dos workshops divulgados na semana passada não tem mais vagas. Inscreva-se com antecedência para não perder a oportunidade!

Anderson SCHNEIDER | Um novo fotojornalismo?

Bob WOLFENSON | Apreensões

Coletivo GARAPA | Inventário Coletivo

Coletivo KAMERAPHOTO | Narrativas Visuais

Egberto NOGUEIRA | Da Fotografia ao cinema em um click

Luiz Claudio MARIGO | Expedição Picinguaba

Claudia HINTERSEER e Kadir Van LOHUIZEN | NOOR Experience

Philippe MACHADO | Lomography

Em julho tem 10% de desconto para quem fizer sua inscrição. Alguns workshops já não tem mais vagas, aproveite o desconto e garanta a sua!

foto: Luiz_Braga

Saiu o regulamento e ficha de inscrição para o 10º Prêmio Porto Seguro Fotografia – 2010

O Prêmio Porto Seguro Fotografia é destinado a fotógrafos brasileiros ou estrangeiros residentes no Brasil.
Este ano a ação curatorial propõe a apresentação de ENSAIOS e, com eles, a elaboração de uma reflexão na qual a fotografia é vista como fenômeno da civilização inserida em uma história social do olhar, independente de temas preestabelecidos.
Categorias de inscrição:
Categoria São Paulo – Para ensaios que enfoquem uma reflexão específica sobre a cidade de São Paulo.
Categoria Brasil – Para ensaios que enfoquem uma reflexão sobre o Brasil.
Categoria Pesquisas Contemporâneas – Para ensaios que se caracterizem por uma pesquisa contemporânea na linguagem fotográfica, dialogando com as questões que permeiam a representação visual nos dias de hoje. Serão analisados trabalhos já finalizados ou projetos de obras ainda não viabilizados.

Fotografar tornou-se uma atividade amplamente disseminada na sociedade contemporânea, transformando-se numa forma de arte de massa mesmo não sendo realizada pela maioria das pessoas como arte. Presente em todos os momentos da vida cotidiana, com sua popularização converteu- se a fotografia em rito social.
A produção abundante de imagens no último século altera a percepção cognitiva convertendo a fotografia em uma experiência visual inusitada, possibilitando a um número cada vez maior de criadores de imagens desenvolver uma nova ética do olhar.
“Desde seu início a fotografia implicava a captura do maior número possível de temas” e “ é vista como uma aguda manifestação do eu” (Susan Sontag).

Com o advento da digital e dos telefones celulares com câmera, institui-se a democratização das imagens: nada mais é determinado para o olhar, tudo poderá ser motivo de um registro.
Em sua décima edição, o Prêmio Porto Seguro Fotografia pretende elaborar uma reflexão na qual a fotografia é vista como fenômeno da civilização inserida em uma história social do olhar.
Em 2010 o tema está abolido, a proposta curatorial é justamente possibilitar a todos a apresentação de seus ensaios, permitindo que se vá além do âmbito da história, da evolução e técnica da fotografia em interface com a filosofia e a história da arte.
Refletir sobre seu estatuto próprio entre o artístico e o documental, o belo e o verdadeiro.
Cildo Oliveira
Curador

© Fabio Knoll 2010 | foto

Cortiços paulistanos são temas de livro e exposição na Estação Júlio Prestes.

Registros poéticos, pesquisa teórica e mudanças efetivas dão a tônica ao projeto concebido em dois formatos; Livro e exposição.

Com curadoria de Maureen Bisilliat – memorável fotógrafa, autora, entre outros, de  Xingu Território Tribal, Terras do Rio São Francisco e Aqui dentro, páginas de uma memória: Carandiru –, a mostra é composta pelo ensaio fotográfico de Fabio Knoll,  com 36 obras, que também ilustra, ao lado de imagens do Arquivo do Museu da Cidade de São Paulo, do Departamento do Patrimônio Histórico, o livro organizado por Alonso López, Elisabete França e Keila Prado Costa. O prefácio de Thomas Hagenbrock, consultor de arquitetura e urbanismo do Banco Mundial, assinalada que “a obra leva ao leitor um olhar sobre mudanças urbanísticas e de habitação social marcantes na história de São Paulo, desde o final do século XIX até os dias de hoje”.

© Fabio Knoll 2010 | foto

Com fotografias documentais captadas pelo olhar sensível de Knoll, que transforma em arte detalhes, texturas e atmosferas desta insólita arquitetura, e pesquisa aprofundada de urbanistas, as duas iniciativas são resultado do Programa de Cortiços desenvolvido pela Prefeitura de São Paulo, em parceria com a CDHU – Companhia Habitacional de Desenvolvimento Urbano. O programa, apoiado pela Lei Moura, de 1991, estabelece padrões mínimos de habitabilidade a serem  cumpridos pelos proprietários dos domicílios encortiçados. Para fazer valer a lei, de 2005 a 2010, foram vistoriados 1.814 imóveis  na região central, entre os quais 723 não se classificavam na categoria de cortiço, segundo a legislação. Dos 1091 imóveis restantes, 36 foram totalmente requalificados, 280 estão em obras de adequação e 66 foram interditados por apresentar risco de vida aos moradores.

Serviço:

Cortiços – a experiência de São Paulo.
Inauguração da mostra e lançamento do livro: 29 de julho de 2010, às 19h30
Local: Plataforma da Estação Júlio Prestes – Praça Júlio Prestes, 148 – Bom Retiro – São Paulo
Exposição: de 30 de julho a 31 de agosto – todos os dias da semana, durante o horário de funcionamento da estação, das 4h às 24h.
Entrada: valor do bilhete do trem R$ 2,65
Livro: Editado por  Secretaria Municipal de Habitação, Prefeitura de São Paulo (organização Alonso López, Elisabete França e Keila Prado Costa) número de páginas 144, formato 23×35 cm, Editora: Habi – Superintendência de Habitação Popular, São Paulo, 2010, 1ª edição. Impressão: Imprensa Oficial.
Distribuição gratuita
Informações: (11) 3397-3814.

© Fabio Knoll 2010 | foto

Diz David Walter Banks sobre como é fotografar o projeto:
“One of the most exciting parts of the project to me is working together with my colleagues towards a common goal, and this idea that what we can create as a team is greater than just the sum of our individual parts – one of the same notions that drives our partner network, some of whom we will likely be collaborating with as the project evolves.”

O projeto começou a tomar forma em Lebanon, Kansas, e as fotos (algumas abaixo) já começaram a ser postadas no blog do grupo.

© LUCEO 2010

© LUCEO 2010

© LUCEO 2010

© LUCEO 2010

O Departamento de Jornalismo e Editoração (CJE) da Escola de Comunicações e Artes (ECA) da USP recebe a exposição de fotos Flânerie, resultado do trabalho de campo da disciplina de pós-graduação “A Linguagem da Fotografia”, coordenada pelo professor da ECA Atílio Avancini.
Os alunos da disciplina fizeram uma saída fotográfica nas regiões da avenida Paulista e da rua Augusta, e as imagens retratam o olhar deles como observadores sem destino específico.

© 2010 Luciana Ricardino | foto

O título Flânerie é em alusão ao termo flâneur que, segundo Walter Benjamin, é “um observador, um comunicador, um filósofo da rua”. Os alunos- fotógrafos saíram pela cidade de São Paulo como flâneurs, preocupados em unir as reflexões teóricas em sala de aula com a prática, pelo não isolamento das pessoas.
O próximo trabalho será uma flânerie noturna pela mesma região.

© 2010 Júlio Riccó | foto

A exposição, que fica até o dia 27 de agosto, está no Espaço D’Ávila, do CJE
Av. Prof. Lúcio Martins Rodrigues, 443, Cidade Universitária, São Paulo
Entrada franca.

© 2010 Paulo Arias | foto

Mais informações:
ecanoticias@usp.br
http://www.flanerie16.com/

O fotógrafo brasileiro Fabio Elias no Vietnã, 2007.

O fotógrafo documental Fabio Elias, 46 anos, sempre gostou de viajar e descobrir novos destinos. Com apenas quatorze anos realizou sua primeira viagem pela America do Sul acompanhado de sua irmã. Nessa época, Fabio já era um amante da fotografia. Influenciado pela extinta revista Geográfica Universal, que durante anos foi editada pela Editora Bloch, ele resolveu abraçar o mundo. Engenheiro formado, Fabio assumiu a carreira de fotógrafo de maneira definitiva. Realizou vários cursos no exterior, especializado em fotografia documental. Fabio Elias já trabalhou para revistas como Travel In, Geográfica Universal, Manchete, Ecoturismo, Guia Pan Rotas, Horizonte Geográfico, Fotografe Melhor, Photo Magazine entre outras edições.  Em 1999 fundou a empresa Imagens & Aventuras, com intuito de organizar viagens fotográficas a lugares exóticos pelo mundo afora. No ano seguinte montou um sólido calendário que incluía de três a quatro viagens por ano. Esteve em mais de 140 países. Somente na Índia ele esteve dez vezes. Chapada Diamantina (Brasil), Rajastão (Índia), Senegal (África), Machu Picchu (Peru), Rota da Seda (Turquia, China, Uzbequistão e Quirquistão), Patagônia (Argentina e Chilena) e Arches National Park (EUA) são algumas das regiões clicadas pela lente do fotógrafo. No segundo semestre de 2008, em uma das viagens, esteve com mais sete participantes em um dos berços da civilização e durante três semanas, o grupo atravessou desde Istambul, com a magia da antiga Constantinopla, passando por Kusadasi no Mar Mediterrâneo chegando a Capadócia, com sua formação rochosa intrigante e misteriosa, única do planeta.

© Foto de Fabio Elias. Excursão fotográfica no Deserto do Atacama. Chile, 2009.

A proposta das viagens fotográficas em grupo segundo Fabio é de congregar as pessoas. “A fotografia tem um poder inigualável de unir os seres humanos, é extremamente prazeroso reunir em torno da fotografia médicos, arquitetos, engenheiros, bancários, entre outros, com formações profissionais completamente distintas”, afirma Fabio. No final de 2009 esteve com um grupo na Índia e depois em Omã e Dubai para pesquisa dos futuros roteiros das expedições a serem realizadas em outubro deste ano. Essas imagens estão atualmente em exposição na escola Imagens & Aventuras, no Rio. Em abril, o fotógrafo partirá em uma expedição solo ao Japão e em seguida para tem programada uma expedição com grupos ao Salar do Uyuni, na Bolívia. Dentre seus projetos estão a finalização de livro um sobre fotografias de aventuras (que deverá ser lançado em maio). Alem disso o fotógrafo tem projetos pessoais como Um Mundo de Sorrisos e Gente fotografando Gente que podem ser conferido em seu site www.fabioelias.com.br

Agora se você quer participar com o fotógrafo em alguma expedição veja o site www.imagenseaventuras.com.br

© Rodrigo Braga

Passamos agora alguns dias na Bolívia para o desenvolvimento de uma revista entre países da América do Sul.

Um projeto bancado pelo Centro Cultural Simón I. Patiño, com sede em Santa Cruz de La Sierra, que resultará em uma publicação semestral de fotografia.

Aqui do Brasil, a Cia de Foto é a representante do conselho editorial e apresentou, para o primeiro número, os trabalhos de Rodrigo Braga, João Castilho, Breno Rotatori, Sofia Dellatorre Borges e Claudia Andujar, além de um ensaio em texto de Claudia Linhares Sanz. Aliás essa será uma característica boa da revista, trabalhos de pessoas que estudam fotografia apresentados em artigos ou ensaios.

© Claudia Andujar

O nome escolhido para publicação é “Sueño de la Razón”, (retomando la leyenda del famoso grabado de Goya “el sueño de la razón produce monstruos” (un concepto típico del Siglo de la Razón), despùes de Freud podriamos afirmar sin embargo, que es cuando la razón sueña, que aparecen las imagenes...) e sempre terá um subtítulo em português, porque a publicação será bilíngue mas sem tradução. Duas línguas presentes e misturadas.

O comitê editorial é formado por Daniel Sosa do CMDF (Centro Muinicipal de Fotogafia), Uruguai; Pablo Corral V., Quito;  Nelson  Garrido, da Venezuela; Phillipe Gruenberg, do “Espacio la Culpable,” Lima; Fredi Casco, “El Ojo Salvaje”, Paraguai; Cecilia Lampo, artista e curadora da Bolivia e mais Luís Wiestein e Andrea Josh, do Chile.

Foram dias inteiros de uma discussão franca em torno do que apresentar em um primeiro número, que trata da fotografia como transformação social.

© Breno Rotatori

Na época em que recebemos o tema proposto, conversamos com alguns amigos considerados tutores, entre eles Georgia Quintas e João Castilho.

Questionamos o seguinte:

“Pensando na fotografia brasileira sobre o tema proposto, “fotografía y transformación social”, uma questão veio como um filtro na escolha de trabalhos a serem sugeridos.

O início dessa questão é sobre até que ponto podemos esperar um resultado prático de uma fotografia?
Podemos nos valer de uma aplicação e condução de um resultado fotográfico para um efeito imediato de mudança social ou devemos pensar em ensaios fotográficos para retornos intempestivos, atemporais e, sobretudo, subjetivos?”

Daí veio, entre outras, uma resposta de Claudia Linhares Sanz, que determinou nossas escolhas e, que depois de compartilhado com o grupo na Bolívia, passou a fazer parte do material a ser publicado.

Eis aqui um trecho desse texto:

“E vai dizer que a fotografia não transformou nossas próprias vidas? Vai dizer que nunca sentiu uma fotografia desviar seu caminho?

As fotografias que me importam são as que transformam – me criam marcas. Provocam aberturas (mesmo mínimas)(…) Gosto das marcas. Gosto de ser atingida por uma foto. As das quais sou alvo e que transpiram, desdobram-se em outras angústias, alegrias, críticas. Transformações? De todo tipo. Visíveis, óbvias, mínimas, significativas: deslocamentos lentos, imediatos, submersos. Deslocamentos de mundo que fazem ver o filho da gente de outro modo. Fazem lembrar nossas o próprias fotografias de um jeito que a gente nunca fez. Remontam nossas idéias. Nos enjoam, voltam a aparecer num sonho. Fotografias que produzem sentidos inesperados: rompem o pretenso equilíbrio de nossas vidas, nos desconcertam, nos riem. Imagens que fazem a gente gostar de viver. Fotografias que pesam, exibem lacunas. Fotografias que fazem visíveis a morte. Nos fazem indignar. Fotografias que produzem silêncios profundos.(…)Tais fotografias, mesmo que algumas doces, exercem um tipo próprio de violência. Quando isso acontece, instauram a possibilidade de mudança, produzem brecha para um novo modo do nosso corpo se saber, do nosso olhar se ver. Produzem pensamento – mesmo que na fugacidade de um incômodo.(…)Uma fotografia que transforma, abre sempre a possibilidade de um novo corpo. Quantos corpos me fizeram ter as fotografias da minha vida? E quantas também não foram as transformações que imprimi nas fotografias que vi? Há como uma transformação mútua, se elas me fizeram outras, também transformei as fotografias, seus sentidos e histórias.”

© Sofia Dellatorre Borges

© Francesco Zizola

Vibramos com essa notícia pois há tempo que acompanhamos os trabalhos desse fotógrafo italiano.

Ele é parte da Noorimages, uma agência de fotojornalismo que figura entre as mais conhecidas e requisitadas.

A Noor, que significa luz em Árabe, fica em um escritório em Amsterdã de pouco mais de 25 metros quadrados,  e quem coordena tudo é Claudia Hinterseer, uma profissional experiente que migrou da Fundação World Press para “por na rua” o time da Noor. E que time: Samantha Appleton, Nina Berman, Philip Blenkinsop, Pep Bonet, Jan Grarup, Stanley Greene, Yuri Kozyrev, Kadir van Lohuizen, Jon Lowenstein e Francesco Zizola .

© Francesco Zizola

Zizola é daquele tipo de fotojornalista que vive de viajar por assignments editoriais.

Dia desses aliás, esteve no Rio de Janeiro.

© Francesco Zizola

© Francesco Zizola

Uma outra façanha do ilustre convidado é ser o CEO da 10B Photography.

Aqui vale um destaque: a 10B é uma empresa que responde pela finalização de trabalhos dos mais importantes fotojornalistas em atividade, como Paolo Pellegrin, por um exemplo.

Na carteira de clientes deles figuram além da Noorimagens, a Magnum, a VII, a AFP, a World Press Photo, entre outros.

Ou seja, pensem quanta foto boa se faz pronta depois da pós-produção da 10B!

O slogan da 10 B Photography é até capcioso:  “You press the button, we do the rest”, frase criada por George Eastman no lançamento da Kodak Nº 1  em maio de 1888. Uma câmera  que seria revolucionária na popularização da prática de fotografar.

© Francesco Zizola

Zizola é um convidado que merece atenção. Vale a pena a troca de experiências com ele.

Trata-se de um profissional em plena atividade, no exato “olho de um furação” de uma vida profisssional.

© Francesco Zizola