Mês da Fotografia – Arte, Cultura e Ação Social, festival organizado pelo SESC do Distrito Federal e pelo Coletivo Fotográfico Lente Cultural. Será um mês inteiro dedicado à fotografia com palestras, workshops, oficinas, projeções e exposições.
Onde?:: Unidades do SESC Ceilândia, Gama e 504 Sul. Brasília, DF
Quando?:: de 01 a 31 de agosto de 2011 – Programação Geral.
01/08 – Abertura das exposições fotográficas. Horário de visitação: das 9h às 21h.
19/08 – Abertura oficial do evento com entrega do Prêmio SESC de Fotografia 2011, Painel: A Fotografia Brasileira e a Reflexão Acadêmica, e show musical. SESC Ceilândia, a partir das 19h.
Informações:: http://www.sescdf.com.br

Foto de Beto Barata, exposição Brasília Submersa, que estará em cartaz no Mês da Fotografia do DF

Semana da Foto de Curitiba, evento que acontecerá na cidade entre os dias 15 e 21 de agosto, com palestras, oficinas, leituras de portfólio e Foto Escambo – trocas de fotografia que já aconteceram também no Paraty em Foco e no Foto Rio.
Onde?:: vários pontos de Curitiba, PR
Quando?:: de 15 a 21 de agosto
Informações:: http://semanadafoto.com.br

Workshop Marketing para fotógrafos, com Armando Vernaglia, e Fotografia de Retrato, com Luiz Garrido, estão na programação do IIF, Instituto Internacional de Fotografia, do mês de agosto. Os dois cursos acontecem nos dias 20 e 21.
Informações:: http://www.iif.com.br

Primeiro semestre de formação em fotografia: pensamento e prática, da Escola São Paulo, com Claudia Jaguaribe, Clício Barroso, João Wainer, Eder Chiodetto, Georgia Quintas, Gabriel Boeiras e Ed Viggiani. O aluno terá disciplinas sobre desenvolvimento de projetos, compreensão do equipamento fotográfico, produção de imagens orientadas, noções de edição em diferentes plataformas e softwares e finalização de trabalhos.
Quando?:: de 8 de agosto a 7 de dezembro (2ª e 4ª), das 19h30 às 22h30 – 33 aulas/96 horas
Informações:: www.escolasaopaulo.org

Cursos de Fotografia do MAM. O museu, localizado em São Paulo, tem vários cursos (práticos e teóricos) como Fotografia e Arte, com Simonetta Persichetti, e Luz marginal procura corpo vago, com Gal Oppido.
Quando?:: a partir de 06 de agosto
Informações:: www.mam.org.br

Encontros de Agosto. Em sua primeira edição, o Encontros de Agosto 2011 traz a temática “Fotografia Contemporânea – linguagem e pensamento” e conta com exposições, seminários, palestras e workshops. Na programação serão destaque discussões como: a internacionalização da produção brasileira, o colecionismo e o papel das galerias, estética e linguagem, além de workshop para orientar fotógrafos como atuar no circuito autoral, como apresentar suas imagens para dialogar com a crítica e as instituições que legitimam esse fazer artístico e outros temas de interesse que mobilizam esse segmento. O evento também está aceitando trabalhos para expor: a Convocatória selecionará trabalhos de livre temática e técnica, realizados nos últimos cinco anos em Fortaleza.
Informações :: www.encontrosdeagosto.net

Aula do Gal Oppido no MAM

Leilão de Fotografia, Um Olhar Sócio Cultural, em apoio aos projetos sociais do fotógrafo João Roberto Ripper, serão leiloadas 60 obras de 52 fotógrafos como Sebastião Salgado, Walter Firmo, Evandro Teixeira, Rogério Reis e Nair Benedito. O destaque fica por conta de uma obra do fotógrafo brasileiro Alécio de Andrade, já morto, que radicado em Paris trabalhou na Magnum. Patrícia Newcomer, viúva do fotógrafo, ao saber do leilão solidário, fez questão de enviar uma foto de Alécio que retrata o poeta Vinícius de Moraes em Paris.O leilão será realizado em Porto Alegre, mas transmitido via teleconferência para a Galeria Imã em São Paulo e a Galeria do Atelier da Imagem, no Rio, ou seja, os colecionadores destas duas cidades também poderão dar lances e adquirir as obras leiloadas.
Onde?:: Palácio Santo Maneguetti, Av. Cristóvão Colombo, 300, Porto Alegre, RS
Quando?:: 10 de agosto, às 19h.
Informações:: (51) 3323-6729/ 37

Foto de Marcelo Buainain, que estará no leilão solidário

Convocatória Devenda no SPA 2011, para ocupar a Feira de Arte Contemporânea do Museu Murillo La Greca de Recife, PE. Poderão se inscrever artistas, grupos, coletivos, agrupamentos e/ou redes de trabalho de todo país. A realização dos projetos deverá ocorrer durante o período do SPA das Artes 2011, de 11 a 18 de setembro de 2011, no Museu Murillo La Greca ou suas imediações. A exposição acontecerá de 11 de setembro a 12 de outubro. As inscrições são gratuitas e estão abertas até 26 de agosto.
Informações:: http://desvenda.net/

Edital de Ocupação dos Ambientes do Espaço Cultural Eletrobras Furnas 2011/2012. A empresa receberá até 12 de agosto projetos culturais destinados à ocupação dos ambientes do Espaço Cultural Eletrobras Furnas, localizado na cidade do Rio de Janeiro, para formação de sua programação no ano de 2012. O total do investimento disponibilizado para os projetos será de R$ 1.300.000,00 (um milhão e trezentos mil reais) para as áreas de fotografia, escultura, pintura, gravura, desenho, instalação, videoinstalação, intervenção, novas tecnologias, performances, artes cênicas, música e outras.
Informações:: http://www.furnas.com.br/espaco_furnas_cultural2.asp

Programa Anual de Bolsas da Fundação Iberê Camargo, voltado para artistas brasileiros em instituições internacionais. O objetivo do programa é propiciar a realização de residências artísticas no exterior por períodos de curta duração, de modo a contribuir para a formação e o aprimoramento de artistas e a incentivar atividades de intercâmbio e aprendizagem. Incrições vão até 16 de outubro, mas é bom já se programar.
Informações:: http://www.iberecamargo.org.br/projetos/projetos-bolsa-regulamento.aspx

* Foto da abertura é de Luiz Carlos Felizardo, Escada come come – 2004, que estará no leilão solidário.

Existe um outro tempo na fotografia. Aquele que extrapola a linha do próprio tempo e nos leva para uma época em que a imagem precisava novamente dele – sim, do tempo -, para ser pensada, construída, maturada.

Vivemos numa época em que nem temos mais tempo de ter tempo. A fotografia reflete esta velocidade quando nos deparamos com as postagens “segundo a segundo” no Facebook, quando as agências internacionais mandam milhares de fotos todos os dias, quando vemos nosso arquivo pessoal com uma tonelada de imagens digitais que nem temos tempo de legendar, catalogar, arquivar… Vamos deixando todas jogadas no HD para quem sabe um dia termos tempo de absorver e editar tudo. Quem sabe elas viram alguma coisa? Um projeto? Um álbum de família? Um portfólio?

O futuro da fotografia será mesmo assim? Com mais fotografias sendo feitas, compartilhadas (e comentadas, claro!) nas redes sociais? Mais fotografias em menos tempo? Se a resposta é sim, posso pegar o próximo bonde de volta ao século XIX?

Saudosismo à parte – mesmo porque saudosismo é para quem tem saudades de uma época em que viveu – mas tenho vontade de saber como era naquele tempo em que a fotografia demorava horas, às vezes dias, para ficar pronta.

Então fui passar o sábado na casa da Luisa, uma grande amiga, para sentir um pouco o cheiro do século XIX. Luisa é minha amiga há anos e nunca tinha tido tempo de vê-la trabalhar nos cianótipos e marrons Van Dyck, processos fotográficos daquele tempo. E desta vez me permiti ter tempo:

-Vou fazer umas perguntas para você, Luisa, mas vou anotar à caneta no caderninho, de um modo antigo. Você se importa?

- Você fala em modo antigo para uma pessoa que trabalha com fotografias do século XIX?

E começamos a costurar o bate-papo, sem pressa, numa linha fina que divide o século XIX do XXI – nos esquecendo um pouco do século XX no meio do caminho. Uma heresia para a história da fotografia, eu sei, mas só por alguns instantes. Nas xícaras de barro, um café bem preto:

- O legal dos processos do século XIX é que o tempo é dilatado. Dá tempo de pensar, como tem que esperar às vezes ½ hora para a fotografia ficar na luz, sendo exposta.

Tempo de pensar… Acho que é isso que está faltando.

- Como assim?

- É, tempo de pensar no suporte, que tipo de tecido vou usar para emulsionar cada imagem. Por exemplo, tem que ser tecido de fibra natural, como linho, seda e algodão. O sintético não absorve; quando lava, vai tudo embora.

- Qual é a diferença do cianótipo para o marrom Van Dyck?

- A diferença são os componentes químicos, que mudam um pouco. No Van Dyck, vai nitrato de prata. O cianótipo é um pouco mais simples, mas é o que eu mais gosto pela tonalidade azul.

Mais café na xícara.

Luisa Malzoni, 31, se formou em fotografia no SENAC em 2001 e foi lá que despertou sua paixão pelo século XIX. Teve aulas com Kenji Ota, seu mestre, e dali não parou mais. Há três anos, começou a desenvolver seu novo projeto, quando fez a primeira fotografia. Aí, o projeto ficou guardado alguns anos e recentemente resolveu retomar. Vem fotografando algumas pessoas com luz natural das 16h30, pois avaliou que era o horário com melhor luz natural entrando na janela da sua sala. São retratos posados.

- O retrato demanda energia, não pode ser de qualquer jeito. Tem a ver com enfrentamento, como as pessoas se vêem. É uma reflexão sobre o espelho. Na verdade, gosto de retratos assim mesmo, posados. Eles combinam com o tempo dos processos artesanais. No século XIX, demorava-se um tempão para expôr a foto. Então, as pessoas não podiam se movimentar na frente da câmera. Tinham que ficar paradas.

Luisa fotografa as pessoas com sua câmera digital (sim, digital, sem purismos em misturar o novo com o velho), faz um kodalite (uma espécie de negativo já no tamanho da foto) em 30 x 50 cm e depois emulsiona o tecido e o expõe em luz UV. Cada cópia é única e artesanal e para chegar na foto que ela realmente quer precisa estudar, tentar, expôr em tecidos diferentes…

O tríptico abaixo é uma sequência de tentativas, ou seja, ela fez a primeira cópia num tipo de tecido, aí fez a do meio – que foi emulsionada e exposta quatro vezes – e da direitra, que é Van Dyck e não cianótipo.

No díptico, o que muda é o tipo de tecido. O tempo de exposição foi o mesmo, mas o resultado fica diferente por conta da diferença de cada suporte.

O projeto da Luisa está bem no comecinho. Vai demorar um tempo para ficar pronto. Mas, tudo bem. Estou pegando o trem de alta velocidade rumo ao século XXI. Um dia embarco novamente no bonde de volta ao século XIX para tomar mais um café na xícara de barro.

Dicas de livros

• The Keepers of Light: A History and Working Guide to Early Photographic Processes, autor – William Crawford
• The Book of Alternative Photographic Processes, autor – Christopher James

O fotógrafo paulistano Tuca Vieira mostra cenas de Berlim na Fauna galeria, em São Paulo, a partir da próxima sexta-feira. A exposição Berlinscapes reúne 14 fotografias feitas durante incursões noturnas pela cidade alemã, onde o fotógrafo viveu três meses de 2009. Com curadoria de Ilana Bessler, as imagens acabaram de ser expostas na 1500 Gallery em Nova Iorque.

© Berlinscapes, Tuca Vieira

“Queria fazer um trabalho mais longo, depois de tantos anos me dedicando ao fotojornalismo. Berlim me fascina porque dá para ler a cidade nos edifícios e nos lugares; existe uma relação física entre a história da cidade e a arquitetura”, explica Tuca.

O fotógrafo elegeu 60 lugares em Berlim onde buscou capturar sua atmosfera noturna e silenciosa. Das centenas de fotos, apenas 35 foram editadas e dessas, 14 escolhidas pela curadora. “Para essa exposição, escolhi 10 fotos que estiveram em NY e acrescentei quatro inéditas”, diz Ilana Bessler. A exposição é aberta ao público, gratuita, e pode ser vista até 30 de agosto.

O próximo projeto de Tuca Vieira deve ser um livro com as 35 imagens inicialmente editadas.

© Berlinscapes, Tuca Vieira

© Berlinscapes, Tuca Vieira

© Berlinscapes, Tuca Vieira

Berlinscapes
Onde? :: Fauna Galeria. Al. Gabriel Monteiro da Silva, 470. Telefone: 11 3668 6572
Quando? :: de 29.07 a 30.08 - segunda a sexta, das 10h às 19h e sábado, das 11h às 15h
Abertura :: 28.07 (para convidados) 
Curadoria :: Ilana Bessler

A organização do New York Photo Festival convoca fotógrafos do mundo todo para inscreverem suas fotos de música no prêmio Audio/Visual: An exhibition of music photography. No site do concurso: “Estamos à procura de imagens que capturem a poderosa relação entre a fotografia e a música”. O prêmio é uma exposição no The powerHouse Arena, em Nova Iorque.

O júri escolherá 85 imagens para compor a mostra. O candidato pode mandar quantas fotos quiser, mas existe uma taxa de 25 dólares a cada três imagens inscritas. O prazo para submeter os trabalhos é 19 de setembro de 2011.

Regulamento detalhado no site da premiação: http://audiovisual.newyorkphotofestival.com/

Entre os dias 17 e 20 de fevereiro [de quinta a domingo da próxima semana], Tiradentes, charmosa cidade de Minas, recebe a primeira edição do Foto em Pauta. O evento foi organizado por Eugênio Sávio e conta com uma programação intensa que inclui uma série de atividades gratuitas: exposições, palestras, debates e projeções fotográficas. Haverá também leituras de portfólio e workshops pagos com profissionais que são referência na fotografia brasileira.

* João Castilho

:: Um gostinho da programação ::

:: Bob Wolfenson e J.R. Duran, criadores das revistas S/N° e Rev. Nacional ::
Os consagrados fotógrafos vão falar sobre suas motivações para criar as revistas e apresentarão detalhes e bastidores de suas publicações.

:: Ciclos de Ideias ::
Espaço para discussão das perspectivas e reflexões sobre a dinâmica autoral dos trabalhos de Clicio Barroso, Cristiano Marcaro, João Castilho e Iatã Cannabrava. Esta conversa deve passar pela complexidade de produção do Retrato, falar do futuro do Fotojornalismo e ainda sobre a memória contida nos Fotolivros.

:: Encontros ::
Grandes nomes da fotografia brasileira como Claudio Edinger, Marcio Rodrigues e Gustavo Lacerda vão apresentar suas trajetórias profissionais, ótima oportunidade para estar próximo dos autores.

:: Workshops
As inscrições para os workshops podem ser feitas pelo site
: Bob Wolfenson  _  Encontro com o autor: apresentação de livros e ensaios
: Claudio Edinger _ “O trabalho autoral [fine arts] e a produção de livros fotográficos”
: Clício _ Gerenciamento de cores e fluxo de pré-impressão para fotógrafos
: Cristiano Mascaro _ Encontro com o autor: a Cidade
: Cristiano Xavier e Jorge Santos _ Na luz da noite, workshop de fotografia noturna
: Gal Oppido _ Quem com luz fere com luz será ferido
: Coletivo Garapa _ O ensaio autoral: da exibição online à parede da galeria.
: Guto Muniz _ A fotografia nas artes cênicas
: João Castilho _ A fotografia como prática artística contemporânea
: João Marcos Rosa _ Documentários fotográficos ambientais em foco
: Valdemir Cunha _ Fotografia de viagem e edição de imagens

:: Exposições
: II Mostra Mineira de Fotografia [mostra coletiva de 100 autores]
: Homem Pedra [Pedro David]

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*Gui Machala

:: Confira aqui a entrevista com Eugênio Sávio, pela jornalista Manu Melo Franco para o blog da Rede.

:: Mais informações

* Cuia Guimarães

*Foto home: Claudio Edinger

* André Kertész, Auto-retrato, Paris, 1927 | Cortesia Estate André Kertész, Nova Iorque

Há cerca de 25 anos morria em Nova York o fotógrafo húngaro André Kertész. Figura mítica no universo da fotografia, mas um desconhecido do grande público, Kertész foi homenageado com uma mostra retrospectiva no Jeu de Paume, em Paris, sob a curadoria dos historiadores franceses Michel Frizot e Annie-Laure Wanaverbecq. Desde a sua abertura em setembro de 2010, a exposição atraiu mais de cem mil visitantes que, mesmo sob as geladas temperaturas do inverno europeu, formaram filas às portas do museu para percorrer o conjunto de mais de 300 fotografias vintage acompanhadas de livros e revistas originais da primeira metade do século XX.

Estabelecendo uma ligação entre a obra de Kertész e sua vida de múltiplas migrações, a exposição apresenta um personagem tímido e solitário, mas extremamente consciente do métier de fotógrafo. Com uma vida dividida entre três cidades, – Budapeste, Paris e Nova York –  André Kertesz parecia não pertencer à lugar algum. Os que tiveram a oportunidade de conhecê-lo, como seu ex-assistente nova-iorquino Robert Gurbo, se impressionavam com a sua inabilidade para a comunicação oral, da qual o próprio fotógrafo tinha consciência: “Meu inglês é ruim, meu francês é ruim, meu húngaro é ruim. A fotografia é minha única linguagem”.

* André Kertész, Satiric Dancer, 1926 | Coleção Bibliothèque Nationale de France

Kertész começa a fotografar aos dezoito anos de idade, em 1912. Aos vinte participa da Primeira Grande Guerra, integrando o exército do Império Austro Húngaro. Durante os quatro anos em que vivencia o conflito, Kertész segue acompanhado de seu aparelho fotográfico privilegiando o registro do cotidiano da guerra ao invés das cenas mórbidas dos confrontos armados.

Em meados dos anos 1920, aos 31 anos, Kertész deixa a Hungria pela França para encontrar em Paris um terreno propício à expansão de sua fotografia. Acolhido pela comunidade de intelectuais húngaros, o fotógrafo pôde vivênciar entre seus conterrâneos  o apoio necessário para enfrentar a falta de recursos financeiros e afetivos na nova cidade.

Se condição de estrangeiro em Paris traz a Kertész dificuldades de adaptação, ela também lhe permite uma expansão do seu repertório artístico e seu processo criativo, alçando sua obra a um status de originalidade que escapava à todos os cânones fotográficos estabelecidos até então. “Ele se torna rapidamente um dos principais atores da vanguarda fotográfica”, explica o curador Michel Frizot, “ao mesmo tempo em que matém uma certa  distância dos movimentos artísticos da época”.

Sua rede de contatos artísticos e profissionais lhe permite não só penetrar no universo de artistas como Piet Mondrian e Alexander Calder, mas também colaborar como repórter fotográfico para a revista VU, coqueluche da imprensa ilustrada no final dos anos 1920.

Pouco dado ao jornalismo sensacionalista, mesmo quando realizava foto-reportagens, Kertész guardava uma atitude intimista e emotiva em relação aos sujeitos fotografados.  Considerando a si mesmo um eterno fotógrafo “amador”, o fotógrafo encontra em VU um espaço aberto para a publicação de trabalhos experimentais e ousados como as suas “Distorções”, série de nus na qual explora os reflexos das deformações causadas por espelhos.

*André Kertész, Distorção no. 41, 1933 | Coleção Maison Européenne de la Photographie, Paris

Em 1936, com a escassez das encomendas da imprensa, Kertész deixa Paris e parte com sua esposa Elizabeth para Nova Iorque. Após uma breve passagem pela agência Keystone, o fotógrafo se depara com o desinteresse na difusão de seu trabalho. Segundo os responsáveis pela revista Life, “suas reportagens falam demais”. Preocupado com um aporte de recursos financeiros, Kertész aceita a proposta de trabalho da revista House and Garden para fotografar casas de celebridades.

A nostalgia da vida de imigrante, a frustração causada pela falta de reconhecimento profissional e incompreensão de sua obra, marcam a vida de Kertész em Nova Iorque, que se vê tomado pela melancolia e a depressão. A “Nuvem Perdida” de 1937 é a imagem mais representativa desse momento: “O que eu ressenti ao fazer essa imagem é a impressão de solidão. (…) a nuvem não sabe onde se colocar, perde-se da rota”.

Aos 68 anos, já aposentado, Kertész se entrega à tarefa de revisitar seus arquivos de negativos. A convite da revista Camera, o fotógrafo publica uma retrospectiva de seu trabalho que o leva à Bienal de Fotografia de Veneza, em 1963. Somente nessa fase tardia de sua carreira Kertész obtém um merecido reconhecimento internacional.

*André Kertész, A nuvem perdida, Nova Iorque, 1937 | Cortesia Sarah Morthland Gallery, Nova Iorque, NY

Em outubro de 1977, pouco depois da morte de Elisabeth, Kertész começa a utilizar uma Polaroid SX-70 e retoma a prática cotidiana da fotografia. Emocionado ao encontrar uma pequena estatueta de vidro que, segundo o fotógrafo, possuía as formas de sua esposa, Kertész realiza um de seus últimos trabalhos.

O fruto desse período é sublime e desconhecido livro From my window, publicado em 1981 e dedicado à Elizabeth, no qual mostra as fotografias polaroid realizadas com as pequenas estatuetas de vidro contrapostas à cidade de Nova Iorque em segundo plano.

André Kertész morre em Nova York, em 28 de setembro de 1985, reconhecido como um mestre e deixando um legado de images que revolucionaram a linguagem fotográfica.

* André Kertész, 3 de julho de 1979 | Courtesia Stephen Bulger Gallery

No site do Jeu de Paume é possível acessar um dossiê completo da exposição, com entrevistas, textos e imagens.

Por Sabrina Moura

Rafa Zubiria é de San Sebastian, no norte fim da Espanha. Agora ele mora em Madrid, mas a obra e artista ainda estão próximos de San Sebastian, em saudade. Tratam a infância e as sensações construídas por lembranças distorcidas.

Os ‘mundos’ pequenos e plenos soltos perto das nuvens, são representação de corpo [a casa] em cima do passado [as raízes], habitados de brinquedos do menino [infância], ‘brincados’ pelos bichos. Mais do que isso, são ecossistemas auto-suficientes que passeiam solitários nos céus, vivem herméticos do instante lembrado. Zooo é trabalho em progresso, está em desenvolvimento desde 2010. É uma colagem de fotografias captadas pelo autor no Zoológico e arredores da cidade. O trabalho é uma visão futurista de vida mas está agarrado em memórias.

Em um ano que discutimos o futuro da fotografia, apresentamos um trabalho resultado da mistura da fotografia com Photoshop, mas que, entre o instante e a imagem, insere um mundo de possibilidades. Qual a última fronteira da fotografia? Até onde vamos permitir que ela vá?

A série No Way Home apresenta prédios e casas vagando acima da superfície, em ar, percorrendo trajetos ou estacionados, em comunicação com o solo apenas por escadas. A série pretende a volta a um lugar físico, para uma vez lá, saltar para outro, os sentidos despertos. As moradas percorrem os céus esperando esse momento de ‘voltar para casa‘, revisitar o passado. Contatada, a memória é frágil e delicada, está machucada pelo tempo e a cada retorno pode sofrer mais uma fissura, assim as casas flutuam… não são reais, sempre vão dissimular a realidade.

Os edifícios e os fundos foram fotografados separadamente, em horário de luz similar, os momentos fotográficos estão dissolvidos na composição.

O trabalho de Rafa Zubiria pode ser encontrado na galeria virtual: photoarte komite

“Que o Rio de Janeiro é uma Cidade Maravilhosa, disso ninguém tem dúvidas!” escreve o professor José Mauro Gonçalves Nunes, da Universidade do Estado do Rio de Janeiro e da Fundação Getúlio Vargas, logo no início do livro “Carioca” (Andrea Jakobsson Estudio, 2010)  da fotógrafa francesa, radicada no Brasil, Emmanuelle Bernard. O professor também é “doutor em psicologia e psicólogo, nascido e criado em Madureira, capital do subúrbio carioca, berço do samba e do carnaval de rua, e um apaixonado pelo Rio e pelo Futebol”. Resumindo, ninguém  melhor para escrever sobre a cidade.

Claro que as imagens de Bernard não precisam desse prefácio para situar o leitor brasileiro a um panorama que já é demais conhecido, no entanto o texto é despretensioso, longe do acadêmico e como o livro é trilíngue português-francês-inglês, é pertinente para o estrangeiro que se depara com ele, embora se distancie, e muito, dos chamados “livros de aeroporto”, a começar pelo belo design executado por Giovanni Bianco.

Uma passagem rápida pelas imagens sugere uma certa confusão na composição de fotografias em preto e branco com aquelas em cor, na fusão da arquitetura com retratos,  e na unidade técnica, ora com certa acutância, ora com a falta desta. Mas uma leitura atenciosa se percebe que há uma lógica neste “caos” e conseguimos  compreender a proposta da fotógrafa em sua edição de imagens.

O forte é sem dúvida o retrato, gênero que Bernard se dedica há tempos, em trabalhos editoriais e publicitários, e  neste caminho é feita a comunhão de alguns poucos famosos com aqueles anônimos. Ponto para a fotógrafa, pois elencar celebridades cariocas “globais”, como muitos fotógrafos e fotógrafas já fizeram em livros, seria uma facilidade distante de um trabalho sério. Neste aspecto, ganham destaque aqueles produzidos em cor, com simplicidade de snapshots e de caráter venturoso, no contraponto com aqueles em preto e branco de viés mais dramático.

Emmanuelle Bernard também desenha a arquitetura urbana do Rio de Janeiro, na visão oposta aquela dos resquícios do Império. Seu roteiro está nos espaço urbano centrado na década de 40 e 50 com edifícios como o Palácio Gustavo Capanema,  e nas formas cilíndricas do triste e pobre design da década de 70, que se confundem entre visões praianas, portuárias, do pequeno comércio, das ruas e de favelas, como a da Rocinha.

A paisagem exuberante da cidade, também não se mostra tão clichê. O “redentor” não surge tão evidente, e mesmo nas cenas de futebol, que não poderiam faltar numa publicação do gênero, estão centradas na figura humana de maneira mais peculiar, como o torcedor vascaíno, que cruza as mãos na cabeça e realça a enorme tatuagem com o símbolo do clube, embora a fotógrafa percorra outros estádios e se deixe levar pelo comum em suas tomadas.

A procura pelo contraponto na edição de imagens, como o emaranhado de  fios elétricos, “os gatos” na favela, em preto e branco, e a prosaica e deserta estrada da Tijuca em cores, resumem um pouco a ideia, que segue ao inverter o processo, entre uma peixaria e um detalhe de uma laje no mar. Sem dúvida um roteiro que tenta mostrar a mecânica da cidade, sua periferia mais ampla e seus bastidores,  mas cuja lógica está só presente no repertório da autora, e esta se afasta de uma sintaxe compreensível ou até mesmo da existência dela.

“Carioca” é uma espécie de diário ilustrado, que anota uma certa sedução pela cidade e pela capacidade de registrá-la. Não como o inglês Charles Landseer o fez, com uma visão estrangeira – afinal Bernard passou sua adolescência no Rio de Janeiro, no final da década de 1970 e início da 1980,  estudando no famoso Liceu Franco Brasileiro, em Laranjeiras, cuja parte francesa se tornou o Liceu Molière – mas com o desejo de registro pessoal e detalhes cuja ontologia  remete apenas a autora e seu itinerário interior.

Quem passar este sábado quente de verão na praia pode aproveitar para, no fim da tarde, começo da noite, ir na abertura da exposição, a partir das 18h até às 20h, na galeria. Os convidados seguem no ‘clima das areias’ abastecidos por cerveja, cachorro-quente, lava-pé, picolé, mate e biscoito. “Esta é a ideia, sair da praia e ir direto à galeria”, afirma Isabel Amado, curadora da galeria.

Os fotógrafos convidados apresentam visões diferentes sobre o tema. As fotografias mostram o nosso comportamento e as sensações provocadas pela temperatura elevada. O conjunto de obras, além de apresentar o calor das paisagens coloridas, mostra trabalhos em preto e branco.

Esta coletiva apresenta dezenove fotógrafos, entre eles os paulistas Bob Wolfenson, Cássio Vasconcellos, o paraense Luiz Braga e os cariocas Marcos Bonisson, Marcia Ramalho e Ricardo Azoury.

Após a abertura, visitas podem ser agendadas por telefone.

* Antonio Augusto Fontes

* Daniel Klajmic

::Artistas
Cássio Vasconcellos | Ana Stewart | Daniel Klajmic | Bruno Veiga | Ricardo Fasanello | Bob Wolfenson | Julio Bittencourt | Amanda Melo | Marcos Piffer | Ricardo Azoury | Rogério Reis | Verônica Peixoto | Marcia Ramalho | Silvano Martins | Luiz Braga | Mariana Mauricio | Marcos Bonisson | Christian Gaul | Antonio Augusto Fontes

:: Serviço
05.02 a 12.03
Galeria da Gavea [rua Marquês de São Vicente 431 | 2274.5200]
segunda à sexta, das 10h às 19h | sábado das 11h às 18h
[em dias de semana é necessário agendar as visitas pelo telefone]
contato@galeriadagavea.com.br

* Foto home: Ricardo Azoury

Seu trabalho investiga a tensão entre intervenções urbanas e a natureza através de tons pouco contrastados e a rara presença humana. Suas fotos captam a sutileza e a displicência da natureza. “Tenho sorte de morar no noroeste do Pacífico. Gosto dessa invasão da natureza sobre a cidade“, afirma. Jennilee diz que outra fonte de inspiração é o Tumblr, onde acompanha trabalhos de outros fotógrafos e posta regularmente suas referências.

A estética que permeia a obra da fotógrafa, remete à filosofia oriental, valorizando a beleza das coisas imperfeitas, efêmeras e incompletas.

Apresentamos aqui recortes de 4 ensaios:
Botanophobia_
La Push_
In Progress_
Untiltled_