A exposição tem direção de arte de Giancarlo Mecarelli e apresentação de Iatã Cannabrava, que define:

A fotografia como era ensinada nas escolas não existe mais; a ideia de autor como compreende o direito autoral não faz mais sentido e precisa ser revisada, e aqueles que vaticinaram a morte da fotografia estavam rotundamente equivocados. O que podemos afirmar com todas as letras é que a fotografia mudou, mudou e muito. Calcula-se que hoje existam quase 100 bilhões de fotografias no Facebook, mais de 5 milhões de novas fotografias são colocadas na Internet a cada hora, ou seja, tudo vira imagem no turvo mundo da era do Homo Photographicus onde todos podem fotografar  e todos fotografam como declaração do “eu faço parte”.

Eduardo Muylaert é um dos artistas que entendeu este novo cenário. Suas Mulheres apesar de serem dos Outros são fruto de um trabalho próprio, no qual o autor exerce o papel de recoletor e editor, ressignificando uma obra que no seu estado natural estaria no limbo do mais do mesmo.  Ao deparar-se com esta caixa de slides da década de 50 e aceita-la em seu ateliê, é como se Eduardo as adotasse, ele as retira do limbo em que estavam, e provavelmente ficariam até seu desaparecimento, e as coloca na parede da galeria, no mundo da arte, isto com a autoridade e maturidade indiscutível de quem aprendeu a ver e mostrar o que vê.

“É difícil acreditar que o ponto de partida foram as sofridas pinups dos anos 50”, confessa Muylaert. Não contente em salvar as fotografias do limbo, o fotógrafo decide fazê-lo com poesia, requisito não obrigatório na cartilha da arte contemporânea, mas provavelmente sua formação o impeliu a contaminar as imagens com sua paixão pela fotografia, pelas mulheres e pelo belo.

Mulheres dos Outros
Quando? 8 de julho, a partir das 20h [abertura] até 20 de agosto de 2011
Onde? Galeria Zoom de Fotografia de Paraty :: Rua do Comércio 5, Centro Histórico :: Paraty (RJ)
+info 24 3371.2764
galeriazoom@hotmail.com

Iatã Cannabrava - Dock Sud, Buenos Aires, 2007

Uma outra cidade é um documento sobre as periferias de várias metrópoles latino-americanas. Fotografadas por Iatã, fotógrafo e agitador cultural, o trabalho revela o profundo conhecimento que este tem sobre essas cidades e a condição de suas periferias. Sob o título de Uma outra cidade, e não outras cidades, as periferias retratadas são apresentadas como uma soma, dando lugar a reflexão sobre essa ideia de margem, que se repete em tantos lugares.

Iatã Cannabrava - Vila da Barca, Bélem, 2006

As imagens revelam as condições de moradia, a densidade populacional, os anúncios, os grafites, a tensão, o deslocamento, em cores vibrantes que ressaltam as diferenças, a sensualidade, a ousadia, dando energia as imagens.

Iatã Cannabrava - Vila da Barca, Bélem, 2006

“Uma Outra Cidade – quer falar de uma periferia, que sintetiza todas as periferias. Como se a periferia da pós-modernidade, fosse uma espécie de não-lugar às avessas. Não-lugar é um conceito desenvolvido pelo antropólogo francês Marc Augé, que o define como sendo um espaço diametralmente oposto ao lar, à residência, ao espaço personalizado, ou seja, é representado pelos espaços de circulação passageira, como supermercados, cadeia de hotéis, aeroportos, etc. Espaços semelhantes em cidades diversas, em países distantes, em que tudo parece muito igual.” (Rubens Fernandes Júnior)

O pesquisador e crítico de fotografia, Rubens Fernandes Júnior, completa:  “O conjunto das imagens torna-se um intrigante ensaio centrado na antropologia visual, surpreendentemente revelador, que nos faz pensar sobre as precárias condições habitacionais das grandes cidades, as subjetividades inerentes, e a questão da ocupação do território público.”

Para quem não conhece, a série Uma outra cidade foi publicado em livro pelas Editoras 3º Nome e Imprensa Oficial do Estado e merece ser folheado inúmeras vezes.

Um trabalho belíssimo, extremamente rico para um melhor entendimento da linha invisível que conecta os lugares, suas semelhanças, suas diferenças.

Para conhecer mais do trabalho de  Iatã Cannabrava acesse o site do fotógrafo ou o hotsite do trabalho Uma Outra Cidade.

Galeria Zoom de Fotografia

Uma Outra Cidade de Iatã Cannabrava

Visitação: 18 de dezembro de 2010 a 27 de fevereiro de 2011

Endereço: Rua do Comércio, 5  / Centro Histórico / Paraty – RJ

Horário: sextas, sábados e feriados das 20h às 23h30 ou por agendamento

Tel.: (24) 9228-6268 | (24) 3371-2764

www.galeriazoom.com

Os fotógrafos Clício Barroso, gUi Mohallem e Iatã Cannabrava irão realizar oficinas bem diferentes,mas muito interessantes pra quem quer melhorar técnica de pós produção, edição de series, reflexão sobre processo criativo, realização de ensaios fotográficos.

Abaixo um pouco de cada um dos cursos, endereços e informações sobre inscrições. Aproveitem!

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O workshop Edição de Séries e Processo Criativo, com gUi Mohallem, acontecerá nos dias 03 e 04 de dezembro de 2010, no Espaço f/508 de Fotografia, Voltado para fotógrafos, amadores ou profissionais, que invistam em um trabalho autoral e no desenvolvimento de séries fotográficas.

Esse workshop traz para o centro da discussão o processo de criação, o discurso imagético e noções estéticas e de estilo. A oficina oferece aos participantes a oportunidade de exercitarem, individual e coletivamente, diferentes caminhos de edição aplicáveis aos seus próprios trabalhos e dos outros, visando à organização de portfólios ou outros formatos de apresentação de trabalhos conceitualmente estruturados.

gUi Mohallem

gUi Mohallem é fotógrafo, formado em Cinema e Vídeo pela ECA-USP em 2003, especializando-se em cinematografia.Participou de projetos de fotografia e educação na França e na Austrália, onde realizou estudos de aperfeiçoamento e ministrou workshops. Durante mais de 3 anos foi educador e colaborador pedagógico de projetos sociais de cinema e educação, tais como Instituto Criar de TV e Cinema e as Oficinas Cine Tela Brasil. Em meados de 2007, passou a se dedicar exclusivamente ao seu trabalho como fotógrafo. Desde então, expôs em Minas Gerais, São Paulo, Paraty (RJ) e Nova York (EUA). Atualmente é Integrante do Projeto Incubadora, além de ministrar workshops, fotografar para periódicos e empresas como Folha de São Paulo, editora Abril (Revista Bravo!).

As vagas são limitadas, para saber sobre o cronograma, conteúdo  do curso, investimento, requisitos e matrícula entre em contato:

Espaço f/508 de Fotografia

SCLN 413 Bl D sala 113 – Asa Norte | Brasília/DF  (A portaria do prédio fica de frente para o Parque Olhos D’água)

(61) 3347 3985 / 8414 8926

fotoclubef508@gmail.com

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O workshop Integração Lightroom e Photoshop, com Clício Barroso, acontecerá nos dias 04 e 05 de dezembro 2010, no A Casa da Luz Vermelha, e tem como o objetivo de ensinar a criar uma melhor integração entre os softwares Lightroom e Photoshop. Essa oficina promete ajudar os participantes a utilizar melhor os recursos de suas câmeras fotográficas e dos aplicativos para um pós-produção com melhores resultados.

Clício Barroso é fotógrafo profissional, professor de tecnologia digital, consultor da Adobe, consultor do Senac SP, presidente da Associação de Fotógrafos Fototech e publica o podcast Lightroom Dicas. Clício cursou a Camera Photoagenthur / Nikon School of Photography, nos anos 70. Depois de passar pelo Estúdio Abril, morou e trabalhou em Nova Iorque, São Paulo, Rio de Janeiro, e Europa, fotografando editoriais de moda e publicidade. Atualmente, trabalha para agências nacionais e norte-americanas. Diretor da Associação de Fotógrafos Fototech, é colunista da revista PhotoPro,e colaborador das revistas Fotografe, Photos, MacMais e Desktop, é autor dos livros “Adobe Photoshop: Os Dez Fundamentos” e “Adobe Lightroom: Guia Completo para Fotógrafos Digitais”.

As vagas são limitadas, para saber sobre o cronograma, conteúdo  do curso, investimento, requisitos e matrícula entre em contato:

A Casa da Luz Vermelha

http://www.acasadaluzvermelha.com/workshopclicio/

contato@acasadaluzvermelha.com

SCES Trecho 02 Conjunto 31 – ASBAC – Brasília/DF

+55 61 3878 9100

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Já o workshop Um Ensaio Sobre o Moderno, reúne teoria e prática sobre como realizar ensaios fotográficos. Essa oficina acontecerá nos dias 18, 19 e 20 de fevereiro de 2011, no Espaço f/508 de Fotografia. Voltada àqueles que possuem conhecimento de fotografia e tenham interesse em desenvolver o uso da fotografia como meio de expressão pessoal, ajudará a possibilitar a realização de um ensaio fotográfico sobre a cidade de Brasília e sua Utopia Moderna. O período de matrículas vai até 10 de janeiro de 2011.

Iatã Cannabrava

Iatã Cannabrava é fotógrafo, curador e agitador cultural, atualmente desenvolve trabalhos documentais com a paisagem urbana das cidades, especificamente das periferias das grandes metrópoles, como no seu ensaio Uma Outra Cidade. Participou de mais de 40 exposições, foi ganhador dos prêmios P/B da Quadrienal de Fotografia de São Paulo em 1985, do concurso Marc Ferrez da FUNARTE, em 1987, e de dois prêmios da Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo, em 1996 e 2006. Tem suas fotografias publicadas em 8 livros e nas coleções MASP-Pirelli, Galeria Fotoptica, coleção Joaquim Paiva e MAM/São Paulo.

Como agitador cultural, foi presidente da União dos Fotógrafos de São Paulo de 1989 a 1994, criou e dirige a empresa Estúdio Madalena, onde organizou mais de 30 exposições, ministrou mais de 80 workshops, além de projetos especiais, como: Revele o Tietê que Você Vê, em 1991; Foto São Paulo, em 2001; Povos de São Paulo – Uma Centena de Olhares sobre a Cidade Antropofágica, em 2004; Expedição Cívica, Ecológica e Fotográfica De Olho nos Mananciais, em 2008; e o Encontro de Coletivos Fotográficos Iberoamericanos, em 2008. É responsável pela coordenação da programação do Festival Internacional de Fotografia de Paraty – Paraty em Foco e atualmente coordena o Fórum Latino-Americano de Fotografia de São Paulo, realizado pelo Itaú Cultural.

As vagas são limitadas, para saber sobre o cronograma, conteúdo do curso, investimento, requisitos e matrícula entre em contato:

Espaço f/508 de Fotografia

SCLN 413 Bl D sala 113 – Asa Norte | Brasília/DF – CEP: 70876-540

A portaria do prédio fica em frente ao Parque Olhos D’água

Tel.: (61) 3347 3985 / (61) 8414 8926

e-mail: fotoclubef508@gmail.com

Winogrand  1964 *

© Garry Winogrand

Por Juan Esteves

O novaiorquino Garry Winogrand escreveu em 1963 “ Eu olho para as fotos que fiz até agora e penso: Quem somos nós e aquilo que sentimos. E, o que nós iremos nos tornar não tem a menor importância” (…) . Foi com este espírito que ele começou esta série que – apesar de seu trabalho estar mais identificado com Nova York – foi feita na maioria nos estados da Califórnia e do Texas, durante o ano de 1964.

Ano interessante, 1964: A nave Mariner 4 retorna de Marte com as primeiras imagens da superfície do planeta. Acontece o primeiro tour do Beatles nos EUA, com audiência de 71 milhões na televisão. Tem início a Lei dos direitos civis no EUA. O livro “O homem e seus símbolos” de Jung é publicado. Luther King recebe o Nobel da Paz, e um golpe militar, apoiado pelos EUA , começa uma série de 20 anos de regime militar no Brasil, entre tantos acontecimentos , descritos no prefácio do livro.

© Garry Winogrand

O que está no livro “Winogrand 1964” é o resultado da busca do fotógrafo pelo significado de seu trabalho e pelo mundo que ele reflete. Apesar de hermético é um corpo de imagens de absoluta digestão pela simplicidade com que o autor é capaz de transmitir sua busca interior.  Entretanto, “imagens simples” são muito difíceis de fazer. Normalmente a maioria do fotógrafos busca inserir elementos complicadores e de difícil assimilação, numa tentativa de passar uma seriedade que não existe ou um vocabulário imaginativo que não tem.

Encontrar a simplicidade na transmissão das idéias, uma  proposta imagética, não é para qualquer um. Por isso é tão raro um Cartier-Bresson, um Doisneau, um Alécio de Andrade ou um Carlos Moreira . O instinto deles prevalece sobre a racionalização burocrática das imagens, e é nesse sentido que as imagens de Winogrand se tornam deliciosamente fáceis de serem absorvidas.
Fotógrafo pouco conhecido por aqui, conto no dedo os fotógrafos que tem algum livro seu na estante. (noto o caso raro do fotógrafo Armando Prado que tem vários) Com este “1964”, mais uma vez,  é dada a chance de se conhecer o trabalho deste autor extraordinário. Sem dúvidas, um dos melhores livros publicados nos últimos anos.

© Garry Winogrand

Garry Winogrand nasceu em 1928 e morreu em 1984.
Seu trabalho, ou melhor, seu legado, está no Center for Creative Photography, na Universidade do Arizona, nos EUA.

De setembro a outubro de 2008,  a famosa Fraenkel Gallery, de São Francisco, Califórnia exibiu  “Garry Winogrand – The Sixties”. Em sua apresentação citava que Winogrand era um dos fotógrafos mais influentes da última metade do século. Suas imagens abriram as possiblidades de como poderíamos redefinir um documentário, a partir de suas observações sem paralelo das complexidades da vida. Winogrand também revelou o drama das ruas, daquelas pessoas mais ordinárias,  aquelas mais simples, que não estavam nos grandes eventos.

Uma das melhores definições sobre o fotógrafo vem do ex-curador de fotografia do Museu de Arte Moderna de Nova York, MoMA, John Szarkowski (1925-2007):   “Winogrand nos legou uma obra que oferece novas pistas do que a fotografia poderá se tornar.  Uma obra que continua a ser densa, perturbadora, inacabada, e profundamente desafiadora. A importância desse trabalho pode ser considerada  por alguns como  fundamentada apenas no estilo, na técnica ou na postura filosófica. Não há nenhum pecado neste engano, e  até mesmo um trabalho útil pode vir dele, mas terá pouco a ver com o trabalho de Garry Winogrand, cuja ambição não era fazer boas fotos, mas  conhecer a vida através da fotografia”.

© Garry Winogrand

Winogrand 1964- Arena Editions

*Texto originalmente escrito para o Fotosite, em 2003 e atualizado para o blog do 6º Paraty em Foco 2010.

Ansel Adams – Uma das fotos achadas por Rick Norsigian

Uma notícia nos jornais de ontem pegou a todos de surpresa; o pintor Rick Norsigian, que havia comprado uma caixa de negativos por U$ 45 em uma venda de garagem descobriu que os negativos eram de Ansel Adams, e que podiam valer mais de 200 milhões de dólares.
Leiam a notícia abaixo:

“Negativos do fotógrafo Ansel Adams valem US$ 200 milhões

Klaus MITTELDORF | Imagem líquida

© Klaus Mitteldorf

© Klaus Mitteldorf

© Klaus Mitteldorf

Sebastian ROJAS | Olhos n’água – Imagens do Surf

© Sebastian Rojas

© Sebastian Rojas

© Sebastian Rojas

© Sebastian Rojas

Inscreva-se antes que as vagas ainda disponíveis acabem-se.

KLAUS: http://www.paratyemfoco.com/programacao/workshops/klaus_mitteldorf/index.php

ROJAS: http://www.paratyemfoco.com/programacao/workshops/sebastian_rojas/index.php

Veja também os outros workshops do Paraty em Foco 2010, clicando aqui

Construtores - foto: Paulo Pires

O Museu de Arte do Rio Grande do Sul apresenta a exposição Moderna Para Sempre – Fotografia Modernista Brasileira na Coleção Itaú, de 27 de julho a 10 de outubro, nas Galerias Iberê Camargo e Oscar Boeira.
A iniciativa é resultado da parceria do Governo do Estado do Rio Grande do Sul, por meio da Secretaria de Estado da Cultura, em parceria com o Itaú Cultural. Com curadoria do fotógrafo Iatã Canabrava, a exposição remonta aos anos 40 a 70 do século passado, quando na esteira do modernismo europeu e americano da década de 20, os artistas brasileiros entraram na discussão sobre os limites da arte fotográfica.
Em um total de 86 imagens, de 26 artistas, este recorte da coleção de fotografias do Itaú mergulha, sobretudo, no movimento fotoclubista brasileiro.
“Esta exposição reforça o esforço do grupo Itaú para dar acesso ao público de todo o país aos diferentes recortes de sua coleção”, afirma Eduardo Saron, diretor do Itaú Cultural. “Nossa parceria com o MARGS para que os gaúchos possam apreciar recorte tão significativo deste acervo reafirma o compromisso do grupo Itaú com o público, a arte e a cultura brasileiras.”

A Espera - foto: Julio Agostinelli

Segundo Canabrava, o fotoclubista brasileiro começou em São Paulo no Foto Cine Clube Bandeirante, fundado em 1939, e se alargou para os outros fotoclubes. Em geral era composto de amadores da fotografia que, livres das obrigações de um trabalho comercial, puderam experimentar e ousar quebrando regas e padrões. Nesses núcleos aterrissaram artistas como Geraldo de Barros, Thomaz Farkas, José Yalenti e German Lorca, presentes na exposição.

“Nas imagens destes fotógrafos encontrarmos as buscas de formas e volumes, abstracionismos e surrealismo, em uma evidente influência das antigas vanguardas européias”, conta o curador que pesquisa o assunto há cinco anos. Os trabalhos destes artistas começaram pictorialistas, imitando os padrões da pintura do século XIX. Com o desenvolvimento e crescimento econômico do país desembocaram no celeiro da fotografia moderna brasileira, a chamada Escola Paulista.“Esta, por sua vez, por meio de experimentações estéticas e por vezes científicas redirecionou o rumo do fazer fotográfico como já estava ocorrendo na Europa e EUA desde décadas anteriores”, conta o curador. “A partir deste momento, texturas, contra-luzes, enquadramentos sóbrios, linhas geométricas, solarizações, fotomontagens, fotogramas, entre outros tópicos passam a integrar o vocabulário criativo.”
Na exposição encontram-se raridades como a foto Praticáveis, na qual German Lorca ironiza o banal com simplicidade. Em Telhas, Thomas Farkas constrói com criatividade um novo olhar sobre os já tão fotografados telhados. “Mesmo com o título ao lado da fotografia, duvidamos de qualquer referência a telhas ou telhados”, observa o curador. “Esta imagem nos leva a um passeio por luz e movimento, e particularmente lembra as bandeiras de Volpi, que na verdade não nasceram bandeiras, mas sim telhados.”

Potencial - foto: José Yalenti

No livro A Fotografia Moderna no Brasil , de Helouise Costa e Renato Rodrigues, encontramos: “A partir de José Yalenti iniciou-se uma ruptura na fotografia bandeirante. O contraluz e a geometrização abriram um campo ilimitado de possibilidades. O que parecia uma simples experiência formal resultou em uma intensa atividade questionadora, levada a cabo por inúmeros fotógrafos.”
Paulo Pires, que expôs pela primeira vez em 1950 no Foto Cine Clube Bandeirante, incorpora dois elementos à sua fotografia: o banal, que pode ser visto em Composição com Torneira, e a metrópole paulistana em vertiginoso crescimento, com seu trabalho sobre o Copan de Niemeyer, como se observa na foto Linhas. “Esta imagem mostra o desnudamento do símbolo maior da cidade de São Paulo, o Copan, ainda em andaimes de madeira”, assinala Canabrava. O abstrato-geométrico de Ademar Manarini faz par perfeito com Arabescos em Branco, de Gertrudes Altschul, rara representante do gênero feminino no fotoclubismo deste período. Se junta a este grupo a imagem Formas, de Eduardo Salvatore, de quem vale ressaltar o importante papel no cenário fotoclubista como um dos fundadores do Foto Cine Clube Bandeirante, entidade da qual ele foi presidente entre 1943 a 1990. Scavone, em Abstração #5, completa o conjunto, em uma foto eternamente contemporânea de cartazes rasgados, enquanto, Tufi Kanji, Délcio Capistrano e Chakib Jabor constituem uma espécie de grupo surrealista do fotoclubismo brasileiro.

SERVIÇO
“Moderna Para Sempre – Fotografia Modernista Brasileira na Coleção Itaú”
Museu de Arte do Rio Grande do Sul
Praça da Alfândega, s/nº
Tel: (51) 3227 2311

Abertura para convidados: 27 de julho,19h
De 27 de julho a 10 de outubro
De terça-feira a domingo, das 10h às 19h
Entrada franca

Itaú Cultural
Avenida Paulista, 149, Estação Brigadeiro do Metrô
Fones: 11. 2168-1776/1777
www.itaucultural.org.br

Update 01: Juan Esteves, fotógrafo, crítico e jornalista, nos manda o link da resenha que fez do citado livro “A Fotografia Moderna no Brasil” de Helouise Costa e Renato Rodrigues da Silva.
Obrigado, Juan!

Foto:  Orlando Azevedo

“Gaiola da liberdade

Realizei esta foto em Paranaguá no ano de 1993, em minhas muitas e muitas andanças pelo país, no qual já rodei mais de 90.000km em jeep sempre documentando seu patrimônio humano e natural. A grande magia e alquimia da fotografia é que ela surge para o fotógrafo e para a janela de sua emoção e construção.

Ao ver esta surreal cena voei para sua pátina
Se abria uma página
Era uma árvore em sua metáfora e nela havia uma gaiola com um canário de terra em sua cela
Selava-se assim a contradição da observação
Voar é com os pássaros
Voar é com a criação
Pulsa, pulsa meu coração
A fotografia é sempre a ressureição da extinção e do movimento e momento que não mais se repetirá

A foto foi realizada com filme 120 TRI-X e executada em pb e cromo. É uma imagem que me divide entre as duas possibilidades, cor ou pb. Gosto de ambas.

Foto:  Orlando Azevedo

Hoje esta imagem integra o acervo do MAM de São Paulo e integra a mostra Bressonianas, além de vários acervos particulares.”

***

Foto: Julio Bittencourt

“Há 5 anos venho acompanhando o MSTC (Movimento dos sem-teto do centro) em dois diferentes projetos.

O primeiro, que resultou em meu primeiro livro chamado Numa janela do Edifício Prestes Maia 911, foi produzido entre 2006 e 2008, onde retratei  os moradores do conhecido edifício em suas janelas.  Durante a ocupação, que durou de 2002 a 2007, havia um grande número de pessoas – fotógrafos, documentaristas e cineastas – produzindo diversos trabalhos dentro do mesmo espaço e por esse motivo procurei uma outra maneira de retratar aquele simbólico lugar e a especial ligação que tive com aquelas pessoas que resulta em constantes trocas até hoje.

A intenção e resultado final do projeto foi assumidamente construída:  retratar  janela por janela para depois ‘reconstruir’ o edifício de forma arbitrária. Foi de certa forma ‘um jogo’ que propusemos a nós mesmos – fotógrafo e fotografados.  Olhar para janelas, a partir de janelas.

Algo que penso traduzir bem nossa experiência fragmentária com a cidade.

Desde de 2008 venho produzindo um outro trabalho chamado Cidadão X (vencedor do Conrado Wessel / projeto inédito deste ano) com o próprio MSTC e outros movimentos oriundos dele em diferentes regiões e ocupações pela cidade, cujo resultado deve ser lançado em outro livro ainda ano que vem.

Escolhi essa imagem pois além de viajar o mundo sozinha desde então, não deixou ‘nosso pequeno jogo proposto’ para trás e continua a nos levar com ela – fotógrafo e fotografados.”

***

Foto: João Castilho

“Escolhi essa fotografia. Chamo-a de Anteparo. Gosto dela primeiro pela composição. Geométrica, abstrata. Depois o ser humano. Sem rosto, sem identidade. Portanto sem história. Será? De alguma forma, universal. Gosto dela também porque é uma fotografia que não encontrou lugar em nenhum dos meus ensaios. É uma foto sozinha. Destino ingrato nas mãos de um fotógrafo que pensa por ensaios. Tentei colocá-la no Redemunho mas ela não quis entrar. Finalmente acabou encontrando lugar no Clube da Fotografia do MAM,  pelas mãos do Eder Chiodetto. Talvez até encontre companhia lá.

Foi feita em Araçuaí, no Vale do Jequitinhonha em Minas Gerais. O garoto estava passando com esse objeto vermelho. Pedi para que parasse e para que posasse. Dirigi o uso do objeto e de certa forma o transgredi. Gosto de fazer isso com objetos, inventar novos usos. É o que as crianças fazem. Para elas, por exemplo, ele servia para pegar peixes no rio, para mim se transformou no Anteparo.”

***

Foto:  Claudio Edinger

“A melhor foto aqui depende muito do dia, hora, humor, etc… no momento é esta.

Comecei este ano a fotografar o lugar que é a síntese praticamente de tudo o que eu já fiz. Downtown  – LA. O  centro da cidade de Los Angeles tem de tudo um pouco: asilo de doentes mentais, arquitetura de sampa, o Chelsea Hotel, Cuba, China, Japão, e por aí vai.

As fotos que funcionam no meu caso (cada caso é um caso) tem que ter enquadramento, drama e luz funcionando em sintonia fina, como num concerto sinfônico. O violino tem que ajudar o piano, que ajuda os tambores, e assim por diante. O que me interessou em Downtown foi  essa mistura extraordinária da arquitetura mais moderna do planeta com, por exemplo, cenas da América Latina. Em LA, 50% da poulação é latina e 70% dessa população tem problemas emigracionais, por assim dizer.

Quando eu parei pra pedir informações, a figura da foto foi de uma simpatia
 desmedida. Apelidado de Jorge (Ror-rre) “the lion king” (com certeza pela barba abundante) ele me deixou paralisado.

“Posso te fotografar?” perguntei em espanhol.
“Claro” respondeu com um sorriso.

Fui buscar a 4×5 no carro  – o cara nasceu pra ser fotografado com o foco seletivo — e lá mesmo com a luz do depósito de frutas onde ele trabalha, deu-se o ato.”

***

Foto: Marcio Scavone

“Publicar a melhor fotografia, é uma decisão, no mínimo fadada ao erro ou arrependimento. Resolvi, entre a minha prole, escolher o primogênito.  Afinal é aquele que você amou por mais tempo.

Esta imagem feita em Londres em 1975 quando eu era um estudante de fotografia e morava no prosaico bairro de Ealing entre polacos e paquistaneses acena com a descoberta do glamour por traz das coisas.  Acho também que ela marca a formação do meu olhar. Eu tinha o hábito de flanar (este verbo tão cultuado pelos fotógrafos, mistura de vagar e observar) pelas ruas de Londres, Hasselblad nas mãos, a registrar mais as coisas do que as pessoas. Eu era muito jovem e tímido para me aproximar muito de modelos vivos. A turista sofisticada e atemporal surgiu no meu visor aprisionada pelas nuvens e o reflexo de uma cidade na marcha para a modernidade. Aprendi com esta fotografia que a figura humana é a referência, o ponteiro das horas do mundo, se você ousa tentar interpretá-lo.”

***

Foto:  Christian Cravo

“Como fotógrafo busco entender o homem através de imagens que se revelam no decorrer do meu caminho. Faço da minha visão um instrumento para contar uma história que é acima de tudo “humana”.  A partir de temas definidos procuro representar o homem numa estrutura iconográfica.

Neste sentido, vejo o Haiti como a expressão máxima da essência humana. Estamos falando de uma sociedade com características muito particulares, intensamente espiritualizada, repleta de simbologias, onde a falta de pudor do povo se apresenta por meio de elementos de grande pureza.

E é a pureza nas relações do homem na manifestação do seu credo que desperta meu olhar. A amplitude filosófica que podemos traçar a partir da existência humana no Haiti é algo perturbador e incrível.

Jardins do Éden é, no meu entender, o título que melhor representa a singularidade do povo haitiano. Esta idéia nos remete aos primórdios, ao momento em que o homem estava intrinsecamente ligado à natureza e se descobria através dela. Momento este, em que não existia o pecado e os corpos nus habitavam todo e qualquer espaço, pois pertenciam a todos eles. Momentos de prazer profundo do homem em fusão com a natureza e seus elementos. O animismo elevado à máxima potência, realizando desejos, buscando novas esperanças para um povo oriundo da África, que possui em suas raízes relações mágicas com o divino.”

***

Foto:  Juan Esteves

“Henri Cartier-Bresson disse certa vez, comentando sua famosa – e linda – imagem do menino sorrindo que carrega abraçada uma garrafa de vinho, que Robert Doisneau tinha feito outras, semelhantes, muito melhores do que a dele. Também, noutra entrevista, pouco antes de morrer, disse que avaliava ter umas 30 imagens das quais ele se sentia realmente orgulhoso. Considerando que ele  fotografou por mais de 60 anos, temos ai uma média de uma imagem boa a cada 2 anos em seu julgamento. O que nos faz pensar, e muito, na nossa autocrítica, na capacidade que temos de avaliar nossa própria produção.

Às vezes penso que muitas de minhas imagens tiveram soluções melhores através de outros fotógrafos. Também, tenho uma tendência a gostar muito daquilo que não sou capaz de fazer. Algo que não consigo adequar à minha sintaxe sempre me é atraente. Por outro lado o clichê de que “a melhor imagem ainda está por acontecer” me assombra permanentemente, o que, apesar dos quase 25 anos de carreira, me conduz ao mais puro sofrimento quando inicio um processo de edição seja para um ensaio editorial,  para um livro, para uma exposição, ou como agora, para atender ao pedido do f/508.

A melhor imagem para mim é sempre aquela momentânea. Aquela última que fiz e que me deixou, de certo modo, feliz. Pode ser um snapshot das minhas filhas em casa, um retrato produzido em grande formato de um artista plástico ou um escritor muito querido, ou simplesmente aquela que saiu no susto e que me surpreendeu. Esta, do cavalo correndo no final da tarde foi feita agora em julho, quando eu estava chegando com as crianças de férias no sítio.  Um dos animais do vizinho estava correndo livre pelo morro. Foi o tempo de puxar a câmera da bolsa, focar quase sem fotometrar e pegar ali, no susto, aquele movimento.  Em tempos que o tal momento decisivo vem sendo desmistificado, esta se tornou minha melhor fotografia. Outro dia, assim espero, será outra!”

***

Foto:  José Bassit

“Como outros colegas disseram, é dificil escolher a melhor foto, então decidi colocar minha mais recente melhor foto. Ela foi tirada em Dezembro passado, e faz parte de meu novo projeto que é documentar as festas de Iemanjá. Como estou fotografando o trabalho em filme, foi uma agradavel surpresa quando peguei o contato  e no meio da série veio esta pérola. Corri para ver o foco e descobri o movimeto da água batendo no corpo da menina todo coberto  e só a mão para fora com a rosa. Resolvi inclusive colocar a foto na página inicial do meu site, que ficará pronto dentro de algumas semanas*.”

* O site já está no ar. Acesse-o aqui.

***

Foto:  Boris Kossoy

“É muito difícil para todo aquele que cria a incumbência de ter que escolher, dentre suas obras, a “preferida”, aquela que mais gosta. De qualquer modo, posso me referir a uma fotografia que me emociona sempre, apesar dos quarenta anos que me separam do momento em que a realizei. Trata-se de um de meus primeiros trabalhos da série do realismo fantástico, que desenvolvi a partir do final da década de 1960 em diante e que intitulei de Surpresa na Estrada. Creio que foi com esta foto que descobri para mim mesmo um caminho a ser trilhado nos anos que se seguiram; por essa razão tenho uma especial relação de amor com ela.

O projeto do “fantástico” se refere a algumas imagens nas quais, fatos aparentemente desconexos, convivem num mesmo quadro. Uma construção que busca imprimir a atmosfera de um sonho, a partir de lugares, personagens e elementos reais. Os cenários registrados são partes fundamentais dessa idéia; servem de ambientes ou fundos para a ocorrência do fato. À primeira vista sem importância, vai se transformando num elemento intrigante, desestabilizador em relação ao seu entorno. Tornado perpétuo através da representação aquele simples fato, perdido no meio do nada, vai ganhando peso ao longo de sua própria história. Mas afinal do que se trata? De situações que não vemos, ou não percebemos, assim como uma infinidade de outras que não vimos e não veremos. Situações que, no entanto, ocorrem continuamente, ininterruptamente no nosso cotidiano, situações que configuram mundos paralelos. Devemos perceber essas realidades mágicas que ocorrem no mundo. Devemos buscar essa dimensão que nos escapa. Surpresa na Estrada me mostrou esse caminho.

Surpresa na Estrada
Autor: Boris Kossoy
Local: Periferia de S.Paulo
Ano: 1970″

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Além dos fotógrafos acima, participaram do projeto: Patrick Grosner, Fernando de Tacca, Fernando Rabelo, Rodrigo F. Pereira, Luiz Achutti, Danilo Siqueira, Guy Veloso, Rinaldo Morelli, André Dusek, Alexandre Wittboldt, Ricardo Teles, Roosevelt Nina, Fernanda Chemale, Andrea Mendes, Thiago Barros, Marcelo Greco, Klaus Mitteldorf, Cia de Foto, Alexandre Belém, Iatã Cannabrava, João Urban, Antônio A. Nepomuceno, Usha Velasco, Clicio Barroso, Patricia Gouvêa, Ricardo Padue, Marcelo Feijó, Alexandre Sequeira, Jorge Bispo, Duda Carvalho, Kitty Paranaguá, Flávio Damm, Ricardo Labastier e Cláudia Jaguaribe.

Apesar de já ter viajado bastante pela América Latina, esta foi a primeia vez de Cinthya Brasil. Na última terça-feira, a fotógrafa passou pelo Estúdio Madalena.

Cinthya Soto por Iatã Cannabrava

O que mais te atraiu em São Paulo?
A variedade cultural e topográfica. É uma cidade de contrastes, em todos os sentidos. Além disso, tive a oportunidade de observar a cidade e seu ritmo, e também visitei alguns espaços expositvos. A semana foi curta, queria poder ficar mais tempo.

Teve algum artista ou fotógrafo que chamou sua atenção?
São Paulo tem um número importante de fotógrafos com propostas muito sólidas. Me interessei muito pelo trabalho de Rochelle Costi, que conheci em outubro, na Bienal de Cuenca. Quanto mais conheço o trabalho dela, mais me emociono com os diferentes níveis de sua proposta artística – tanto os temas que ela escolhe, quanto a investigação com o método fotográfico.

Que trabalhos você apresentou nas leituras do PHotoEspaña?
Apresentei três séries: Paralelografías, A (des)tiempo e Pictografías.

Foto da série A(des)tiempo, de Cinthya Soto

E qual o trabalho que você vem desenvolvendo atualmente?
O projeto gira em torno da idealização da paisagem, essa busca pelo “paraíso perdido”. Ainda não tenho um título definido. E as locações são diversas, mas trabalho especialmente na América Latina.

Então antes de vir ao Brasil, por onde você andava?
Estive em Buenos Aires, na Argentina, e em Cuenca, Quito e Guayaquil, no Equador, onde viajei tudo por terra. Em Cuenca, estava acontecendo a 10ª Bienal da cidade. E logo de antes de vir a São Paulo, fiquei três semanas em San José, na Costa Rica, onde acabo de inaugurar uma exposição com a série Pictografías.

Inscrições podem ser feitas pela página: http://www.phe.es/descubrimientos_en/.

Expor no PHE é um grande passo de apredizagem e reconhecimento.