As escolhas feitas para a série Fotografias para o fim do mundo passam necessariamente pela experiência que tenho com a descoberta da fotografia. Não falo daquela histórica que comemoramos hoje, procuro pensar naquela vivida por mim, daquilo que consigo observar no mundo tendo-a como mediadora.

Os pesquisadores do futuro, dentro do contexto lúdico desta série, terão acesso a inúmeros livros sobre a história da fotografia, sobre como as imagens circulam e o que significam. Obviamente não precisarão da minha modesta lista, mas se conseguirem decodificar alguns códigos e ler os nossos blogs, poderão quem sabe refletir sobre um processo de pesquisa em andamento neste período antes do fim da humanidade. Na minha imaginação eu adoraria que neste momento eles estivessem tomando uma boa limonada para inspirar suas buscas.

Mas vamos lá, escolho duas fotografias para este post:

Henri Cartier-Bresson: Behind the Gare Saint-Lazare (Paris), 1932.

A imagem de Bresson todos conhecem dentro de uma tradição e de uma série de equívocos que envolve a noção de Instante Decisivo. Uma fotografia que nasce colada aquilo que se convencionou chamar de Documental. A sacralização do momento e o fetichismo da integridade da visão formou gerações de fotógrafos ávidos pelos encontro com o seu instante único e certeiro como uma flecha.

Este salto é bem construído na sua lógica, um enquadramento equilibrado, elementos da cena que compõem um bom jogo: a bailarina que repete o salto no cartaz, as linhas paralelas tão estruturantes e a presença dos círculos que antecedem visualmente aquilo que poderíamos ver em seguida, o movimento da água quando o pé alcança-la. Mas não temos a possibilidade de vê-lo, tal imagem cristalizou em nossa história como um salto pleno.

Yves Klein: Saut dans le vide (Salto no Vazio), 1960.

A imagem de Klein desponta em outro contexto, ligada aos experimentalismos das vanguardas e da arte conceitual, um meio que refletia uma ideia de arte aderida as ações da vida e do pensamento. Estamos diante de uma geração preocupada com as relações com o mundo. Portanto, a produção dos artefatos, incluindo a fotografia, é mais uma forma de viver a arte naquele momento.

Klein é frequentemente associado a noção de Vazio por suas proposições que envolviam o espaço e a experiência, como performance. Salto no vazio é uma delas. Nos deparamos com um gesto que não nos diz exatamente a direção a seguir, tenso, elástico a ponto de nos dizer até hoje que talvez seja um salto inacabado.

Dois saltos em direções opostas: por vezes precisamos matar uma fotografia para criar outra.

Não se trata de matar Bresson, obviamente. Mas é demasiado ingênuo olhar para a sua tradição sem compreender o contexto de sua produção, o que ela mediou e tudo o que veio depois. Talvez não seja responsabilidade dele diretamente, mas da forma como criamos o mito do grande fotógrafo do século, daquele que nos mostra definitivamente como olhar.

Neste sentido, o salto de Klein encontra-se aqui ligado a ilusão daquilo que supõe-se conseguir captar. Parece não propor grandes certezas, apenas a possibilidade de corrermos alguns riscos. Parece que assim estamos mais perto da fotografia que acreditamos.

Escolhi estas duas fotografias para resgatar um passado próximo. No anos anterior, durante o Paraty em Foco assisti Horizonte, workshop de João Castilho, amigo querido que admiro pela forma como reflete suas inquietações. Entre tantos artistas selecionados por ele para mostrar os rumos da sua própria fotografia, João começou falando destas duas imagens.

Passei um período refletindo sobre como uma fotografia nasce para nós e a assumimos como experiência, até que ela se quebra. Assim me parece que foi parte desta pesquisa que ele apresentou, fruto do seu mestrado.

João começou sua trajetória no fotojornalismo e ali adquiriu os maneirismos da profissão. Após a primeira grande série parece que começa a perceber tais limites e parte para uma outra direção, em busca da experimentação do espaço, da construção de uma outra imagem. Pense no abismo que há entre Paisagem Submersa e Metamorfose. Foi bonito ver o salto de João.

Desse modo, gostaria de sugerir que hoje comemorássemos apenas uma fotografia como possibilidade.

Assumindo o email como instrumento de entrevista convidei João Castilho, um dos convidados do PEF deste ano, para uma troca de mensagens a ser publicada por aqui.
O ponto inicial foi a seleção de algumas imagens específicas para dialogarmos sobre seus motivos, métodos e pesquisas.
No fim, mais do que uma entrevista, esse é um “forward” para um grande coletivo de interlocutores que agora também podem contribuir pelos comentários.
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from Leo Caobelli
to Joao Castilho
date Thu, Sep 9, 2010 at 10:26 AM
subject Re: Re: blog PEF

Lembro que na primeira vez que “Linhas”, não o entendi muito bem.
Talvez eu estivesse muito preso a fotografar esse tal de factual, o outro, a coisa documental estrita.
Não lembro quanto tempo demorou até que o trabalhe batesse em mim – mas bateu!
Quando isso aconteceu deu uma sacudida no mundinho.
Essa coisa de te fazer rever referências, repensar o que se faz e, mais do que isso, pra onde se vai com a fotografia.
Lembro muito dessa imagem anexa. De ter me parecido um mapa, alguma coisa de localização… uma imagem de referência – mas não a referência a algo anterior, pelo contrário, uma referência a qualquer coisa interior.
Dai lembrei de uma frase do Pierre-Jean Jouve, no “Lyrique”
“Pois estamos onde não estamos”
E isso cabia tão bem nessa imagem… pelo menos pra mim cabia.
De todo ensaio acho que essa imagem foi onde fiquei por mais tempo (e eu nunca a vi impressa, na parede – fiquei uns 20 minutos seguidos olhando para os pixels na tela).
E sempre fiquei com uma pergunta entalada:

Como que se vai pro mato com um monte de linha e se volta com um emaranhado de signos onde se está tão presente?
E talvez essa ainda seja a mesma pergunta, mas:
Quando se opta por usar o ambiente externo como tela do que se estava guardado aí dentro e como isso se dá, se materializa?

A bola é tua agora!

Abs

from Joao Castilho
to Leo Caobelli
date Mon, Sep 13, 2010 at 5:40 PM
subject Re: sorry

seguem as divagações sobre as suas divagações. abração e se quiser continuar continuamos ok até.

Como que se vai pro mato com um monte de linha e se volta com um emaranhado de signos onde se está tão presente?
Eu não entendo esse trabalho bem até hoje. Mas ele surgiu da necessidade de abalar e sacudir as estruturas do que eu vinha fazendo. Tive necessidade disso naquele momento. É um trabalho de 2008 pra 2009 e eu estava um pouco farto de procurar coisas pra fotografar. Estava cansado e me perguntava porque não construir meus próprios objetos, meus próprios referentes, meus próprios cenários. Claro, vários fotógrafos e artistas já fazem isso ha décadas. Mas pra mim era novidade. Passei meses experimentando materiais até chegar ao fio de lã. E depois mais um tempo trabalhando o fio de lã para chegar as estruturas fotografadas. E foi uma revelação, fiquei muito feliz com aquilo.
Eu acreditava também que, com a minha fotografia, poderia acrescentar um componente ao registro de um trabalho transitório que normalmente não existe nesse tipo de imagem. As fotografias de intervenções costumam ser bem diretas e iluminadas uniformemente. Queria colocar um pouco da dramaticidade que havia aprendido a fazer nas minhas fotografias de estrada. Quero dizer, um certo tratamento da luz, das cores. Eu queria que só eu pudesse fazer aquela fotografia, que se houvesse outro fotografo ao meu lado, a fotografia dele não lembraria em nada a minha. Com isso o foco sairia do objeto fotografado e recairia sobre a fotografia, onde para mim, ele deveria estar.
Quando acabei, tive a sensação de que não estava revendo tanto assim meus próprios paradigmas. Eu continuava, de uma certa forma, na mesma ‘pegada’. Imaginava aquilo como blocos de sensação, assim como acredito que os blocos de cores de Lote Vago também são. Agora, as linhas formam geografias, mapas, vetores e há pessoas que vêem formas humanas encapsuladas, vermes, animais. As vezes eu também costumo ver essas coisas nas fotografias.

E talvez essa ainda seja a mesma pergunta, mas:
Quando se opta por usar o ambiente externo como tela do que se estava guardado aí dentro e como isso se dá, se materializa?
Nos meus trabalhos de intervenção na paisagem – Linhas e Tempero – é a própria paisagem ou a matéria dela que dá a resposta. A pimenta e o açafrão usados no deserto vieram em complementaridade ao sal. O vermelho e o amarelo complementando e compondo com o branco e o azul. Agora, veja bem, em ambos os casos, são formas de ativar o vazio. E dessa forma, não se diferem muito de uma encenação realizada em um lugar onde não acontece nada como muitas vezes fizemos no Paisagem Submersa, quando ainda não haviam casas sendo destruídas nem água subindo e inundando tudo.

from Leo Caobelli
to Joao Castilho
date Mon, Sep 13, 2010 at 6:48 PM
subject Re: sorry

Na introdução do Poética do Espaço, do Bachelard, tem um momento que ele fala em poesia escrita que
caberia muito para eu justificar essas imagens que nos conquistam.
Trocando os termos:
“Na ressonância vemos uma imagem; na repercussão a enxergamos, ela é
nossa. A repercussão opera uma inversão do ser. Parece que o ser do
fotógrafo é o nosso ser. A multiplicidade de ressonâncias sai da
unidade de ser da repercussão.” … “Essa imagem torna-se realmente
nossa. Enraíza-se em nós mesmos”

Há um mês eu tava em Brasília com outro Leo, o Wen.
A gente tirou uma tarde pra ir no Poço Azul, uma cachoeira depois das cidades satélite.
No caminho a estrada de terra vermelha e amarela ia alternando até que, numa descida cheia de curvas, um redemoinho pequeno apareceu levantando o vermelho… depois da curva tinha um maior que ficou dançando um tempo na frente do carro. Os dois pensaram em pegar a camera… não pegamos, o redemuinho desapareceu:

- Sabe no que eu pensei, Wen.
- Quê?
- No redemunho do Castilho…
- Exatamente… eu tb!

Quando a coisa repercute desse jeito, de enraizar mesmo, ela é nossa.
Não é estritamente o “queria ter feito” – passa a ser o “já fiz”, por recebê-la assim do outro.
Essa paralela com o som que Bachelard criou dá essa magnitude; enquanto tem coisas que nos são lindas e ressonam na gente, isso causa uma trepidação, uma inquietude – com certeza – mas a coisa que repercute é terremoto mesmo.

Nesse caso fico procurando na imagem a resposta para as questões que me faço, cotidianamente:
- O redemunho é definido como uma narrativa fantástica. A estética segue essa busca que tu já colocou, de ser não apenas o que o outro não viu, mas de se manifestar, materializar, também como essa expressão… dai me vem o caminho dessa busca. Ele é metódico de alguma forma? No Lote Vago tu falou desses blocos de cores… como tu fez pra enxergar eles num todo? Tu imprimia isso e ai revendo as cores ou conseguia ver tudo numa tela, no pixel mesmo?

Abs!

from Joao Castilho
to Leo Caobelli
date Tue, Sep 14, 2010 at 8:00 AM
subject Re: sorry

E vamos nós:

Acho interessante que vc tenha escolhido essa fotografia do redemoinho. Ela foi uma das últimas a entrar no ensaio. Eu não a tinha editado antes por causa da literalidade. Inclusive ela não participou da primeira exposição, no Museu de Arte da Pampulha. Mas depois que a Rosângela Rennó usou a sequência na qual ela foi feita em um trabalho chamado Febre no Cerrado, decidi incorporá-la ao conjunto. Além das fotografias ela me pediu também um texto sobre o instante da manifestação do redemoinho que se assemelha muito a sua descrição. É isso, ele vem, passa e desaparece. Eu tenho a impressão de que todas as fotografias de Redemunho foram feitas assim, numa espécie de aparição. É um ensaio sobre espectros e aparecimentos súbitos. Eu fui em busca disso, da idéia contida na frase do Grande Sertão: Veredas – “ o diabo na rua no meio do redemunho”. Essa sentença me bastou e me guiou.
Lote Vago, que fiz um ano depois, foi editado na tela. Eu até gosto de editar na tela, tem suas vantagens. A idéia era que o trabalho ocorresse ao espectador de uma só vez. Por isso as cópias têm uma dimensão pequena e são montadas como uma fotoinstalação. Não gosto de mostrá-las separadas, acho que perdem muito a força.

from Leo Caobelli
to Joao Castilho
date Tue, Sep 14, 2010 at 12:10 PM
subject Re: sorry

Pra fechar e subir no blog do PEF.

Em ENTRE RIOS (http://www.joaocastilho.net/v2/pt/trabalhos/entre-rios/) a coisa deixa de ser essa aparição e vira o “deslocamento” que também está no TEMPEROS, mas dessa vez com uma relação ativa ligada ao outro autor dessa imagem; quem interage. A apresentação dessa história em vídeo sempre foi uma escolha? Já teve alguma versão dela impressa?

Abs!
Nos vemos amanhã em Paraty?

from Joao Castilho
to Leo Caobelli
date Tue, Sep 14, 2010 at 5:17 PM
subject Re: sorry

É sua. Amanhã tô lá em Paraty.

É isso. O deslocamento de objetos do Brasil para o Mali é o motor do trabalho. Depois vem a resignificação e a recolocação de cada objeto feita por mim, por Alioune Ba e por outros. A primeira versão foi um blog. Depois tomou a forma do vídeo, que acabou sendo a definitiva, a que tem circulado por aí. Gosto que seja assim porque dessa forma há um tempo que se passa, e que é importante, entre o que ocorre com o objeto no rio Jequitinhonha e o que ocorre com ele no rio Niger.

© João Castilho

© João Castilho

Foto:  Orlando Azevedo

“Gaiola da liberdade

Realizei esta foto em Paranaguá no ano de 1993, em minhas muitas e muitas andanças pelo país, no qual já rodei mais de 90.000km em jeep sempre documentando seu patrimônio humano e natural. A grande magia e alquimia da fotografia é que ela surge para o fotógrafo e para a janela de sua emoção e construção.

Ao ver esta surreal cena voei para sua pátina
Se abria uma página
Era uma árvore em sua metáfora e nela havia uma gaiola com um canário de terra em sua cela
Selava-se assim a contradição da observação
Voar é com os pássaros
Voar é com a criação
Pulsa, pulsa meu coração
A fotografia é sempre a ressureição da extinção e do movimento e momento que não mais se repetirá

A foto foi realizada com filme 120 TRI-X e executada em pb e cromo. É uma imagem que me divide entre as duas possibilidades, cor ou pb. Gosto de ambas.

Foto:  Orlando Azevedo

Hoje esta imagem integra o acervo do MAM de São Paulo e integra a mostra Bressonianas, além de vários acervos particulares.”

***

Foto: Julio Bittencourt

“Há 5 anos venho acompanhando o MSTC (Movimento dos sem-teto do centro) em dois diferentes projetos.

O primeiro, que resultou em meu primeiro livro chamado Numa janela do Edifício Prestes Maia 911, foi produzido entre 2006 e 2008, onde retratei  os moradores do conhecido edifício em suas janelas.  Durante a ocupação, que durou de 2002 a 2007, havia um grande número de pessoas – fotógrafos, documentaristas e cineastas – produzindo diversos trabalhos dentro do mesmo espaço e por esse motivo procurei uma outra maneira de retratar aquele simbólico lugar e a especial ligação que tive com aquelas pessoas que resulta em constantes trocas até hoje.

A intenção e resultado final do projeto foi assumidamente construída:  retratar  janela por janela para depois ‘reconstruir’ o edifício de forma arbitrária. Foi de certa forma ‘um jogo’ que propusemos a nós mesmos – fotógrafo e fotografados.  Olhar para janelas, a partir de janelas.

Algo que penso traduzir bem nossa experiência fragmentária com a cidade.

Desde de 2008 venho produzindo um outro trabalho chamado Cidadão X (vencedor do Conrado Wessel / projeto inédito deste ano) com o próprio MSTC e outros movimentos oriundos dele em diferentes regiões e ocupações pela cidade, cujo resultado deve ser lançado em outro livro ainda ano que vem.

Escolhi essa imagem pois além de viajar o mundo sozinha desde então, não deixou ‘nosso pequeno jogo proposto’ para trás e continua a nos levar com ela – fotógrafo e fotografados.”

***

Foto: João Castilho

“Escolhi essa fotografia. Chamo-a de Anteparo. Gosto dela primeiro pela composição. Geométrica, abstrata. Depois o ser humano. Sem rosto, sem identidade. Portanto sem história. Será? De alguma forma, universal. Gosto dela também porque é uma fotografia que não encontrou lugar em nenhum dos meus ensaios. É uma foto sozinha. Destino ingrato nas mãos de um fotógrafo que pensa por ensaios. Tentei colocá-la no Redemunho mas ela não quis entrar. Finalmente acabou encontrando lugar no Clube da Fotografia do MAM,  pelas mãos do Eder Chiodetto. Talvez até encontre companhia lá.

Foi feita em Araçuaí, no Vale do Jequitinhonha em Minas Gerais. O garoto estava passando com esse objeto vermelho. Pedi para que parasse e para que posasse. Dirigi o uso do objeto e de certa forma o transgredi. Gosto de fazer isso com objetos, inventar novos usos. É o que as crianças fazem. Para elas, por exemplo, ele servia para pegar peixes no rio, para mim se transformou no Anteparo.”

***

Foto:  Claudio Edinger

“A melhor foto aqui depende muito do dia, hora, humor, etc… no momento é esta.

Comecei este ano a fotografar o lugar que é a síntese praticamente de tudo o que eu já fiz. Downtown  – LA. O  centro da cidade de Los Angeles tem de tudo um pouco: asilo de doentes mentais, arquitetura de sampa, o Chelsea Hotel, Cuba, China, Japão, e por aí vai.

As fotos que funcionam no meu caso (cada caso é um caso) tem que ter enquadramento, drama e luz funcionando em sintonia fina, como num concerto sinfônico. O violino tem que ajudar o piano, que ajuda os tambores, e assim por diante. O que me interessou em Downtown foi  essa mistura extraordinária da arquitetura mais moderna do planeta com, por exemplo, cenas da América Latina. Em LA, 50% da poulação é latina e 70% dessa população tem problemas emigracionais, por assim dizer.

Quando eu parei pra pedir informações, a figura da foto foi de uma simpatia
 desmedida. Apelidado de Jorge (Ror-rre) “the lion king” (com certeza pela barba abundante) ele me deixou paralisado.

“Posso te fotografar?” perguntei em espanhol.
“Claro” respondeu com um sorriso.

Fui buscar a 4×5 no carro  – o cara nasceu pra ser fotografado com o foco seletivo — e lá mesmo com a luz do depósito de frutas onde ele trabalha, deu-se o ato.”

***

Foto: Marcio Scavone

“Publicar a melhor fotografia, é uma decisão, no mínimo fadada ao erro ou arrependimento. Resolvi, entre a minha prole, escolher o primogênito.  Afinal é aquele que você amou por mais tempo.

Esta imagem feita em Londres em 1975 quando eu era um estudante de fotografia e morava no prosaico bairro de Ealing entre polacos e paquistaneses acena com a descoberta do glamour por traz das coisas.  Acho também que ela marca a formação do meu olhar. Eu tinha o hábito de flanar (este verbo tão cultuado pelos fotógrafos, mistura de vagar e observar) pelas ruas de Londres, Hasselblad nas mãos, a registrar mais as coisas do que as pessoas. Eu era muito jovem e tímido para me aproximar muito de modelos vivos. A turista sofisticada e atemporal surgiu no meu visor aprisionada pelas nuvens e o reflexo de uma cidade na marcha para a modernidade. Aprendi com esta fotografia que a figura humana é a referência, o ponteiro das horas do mundo, se você ousa tentar interpretá-lo.”

***

Foto:  Christian Cravo

“Como fotógrafo busco entender o homem através de imagens que se revelam no decorrer do meu caminho. Faço da minha visão um instrumento para contar uma história que é acima de tudo “humana”.  A partir de temas definidos procuro representar o homem numa estrutura iconográfica.

Neste sentido, vejo o Haiti como a expressão máxima da essência humana. Estamos falando de uma sociedade com características muito particulares, intensamente espiritualizada, repleta de simbologias, onde a falta de pudor do povo se apresenta por meio de elementos de grande pureza.

E é a pureza nas relações do homem na manifestação do seu credo que desperta meu olhar. A amplitude filosófica que podemos traçar a partir da existência humana no Haiti é algo perturbador e incrível.

Jardins do Éden é, no meu entender, o título que melhor representa a singularidade do povo haitiano. Esta idéia nos remete aos primórdios, ao momento em que o homem estava intrinsecamente ligado à natureza e se descobria através dela. Momento este, em que não existia o pecado e os corpos nus habitavam todo e qualquer espaço, pois pertenciam a todos eles. Momentos de prazer profundo do homem em fusão com a natureza e seus elementos. O animismo elevado à máxima potência, realizando desejos, buscando novas esperanças para um povo oriundo da África, que possui em suas raízes relações mágicas com o divino.”

***

Foto:  Juan Esteves

“Henri Cartier-Bresson disse certa vez, comentando sua famosa – e linda – imagem do menino sorrindo que carrega abraçada uma garrafa de vinho, que Robert Doisneau tinha feito outras, semelhantes, muito melhores do que a dele. Também, noutra entrevista, pouco antes de morrer, disse que avaliava ter umas 30 imagens das quais ele se sentia realmente orgulhoso. Considerando que ele  fotografou por mais de 60 anos, temos ai uma média de uma imagem boa a cada 2 anos em seu julgamento. O que nos faz pensar, e muito, na nossa autocrítica, na capacidade que temos de avaliar nossa própria produção.

Às vezes penso que muitas de minhas imagens tiveram soluções melhores através de outros fotógrafos. Também, tenho uma tendência a gostar muito daquilo que não sou capaz de fazer. Algo que não consigo adequar à minha sintaxe sempre me é atraente. Por outro lado o clichê de que “a melhor imagem ainda está por acontecer” me assombra permanentemente, o que, apesar dos quase 25 anos de carreira, me conduz ao mais puro sofrimento quando inicio um processo de edição seja para um ensaio editorial,  para um livro, para uma exposição, ou como agora, para atender ao pedido do f/508.

A melhor imagem para mim é sempre aquela momentânea. Aquela última que fiz e que me deixou, de certo modo, feliz. Pode ser um snapshot das minhas filhas em casa, um retrato produzido em grande formato de um artista plástico ou um escritor muito querido, ou simplesmente aquela que saiu no susto e que me surpreendeu. Esta, do cavalo correndo no final da tarde foi feita agora em julho, quando eu estava chegando com as crianças de férias no sítio.  Um dos animais do vizinho estava correndo livre pelo morro. Foi o tempo de puxar a câmera da bolsa, focar quase sem fotometrar e pegar ali, no susto, aquele movimento.  Em tempos que o tal momento decisivo vem sendo desmistificado, esta se tornou minha melhor fotografia. Outro dia, assim espero, será outra!”

***

Foto:  José Bassit

“Como outros colegas disseram, é dificil escolher a melhor foto, então decidi colocar minha mais recente melhor foto. Ela foi tirada em Dezembro passado, e faz parte de meu novo projeto que é documentar as festas de Iemanjá. Como estou fotografando o trabalho em filme, foi uma agradavel surpresa quando peguei o contato  e no meio da série veio esta pérola. Corri para ver o foco e descobri o movimeto da água batendo no corpo da menina todo coberto  e só a mão para fora com a rosa. Resolvi inclusive colocar a foto na página inicial do meu site, que ficará pronto dentro de algumas semanas*.”

* O site já está no ar. Acesse-o aqui.

***

Foto:  Boris Kossoy

“É muito difícil para todo aquele que cria a incumbência de ter que escolher, dentre suas obras, a “preferida”, aquela que mais gosta. De qualquer modo, posso me referir a uma fotografia que me emociona sempre, apesar dos quarenta anos que me separam do momento em que a realizei. Trata-se de um de meus primeiros trabalhos da série do realismo fantástico, que desenvolvi a partir do final da década de 1960 em diante e que intitulei de Surpresa na Estrada. Creio que foi com esta foto que descobri para mim mesmo um caminho a ser trilhado nos anos que se seguiram; por essa razão tenho uma especial relação de amor com ela.

O projeto do “fantástico” se refere a algumas imagens nas quais, fatos aparentemente desconexos, convivem num mesmo quadro. Uma construção que busca imprimir a atmosfera de um sonho, a partir de lugares, personagens e elementos reais. Os cenários registrados são partes fundamentais dessa idéia; servem de ambientes ou fundos para a ocorrência do fato. À primeira vista sem importância, vai se transformando num elemento intrigante, desestabilizador em relação ao seu entorno. Tornado perpétuo através da representação aquele simples fato, perdido no meio do nada, vai ganhando peso ao longo de sua própria história. Mas afinal do que se trata? De situações que não vemos, ou não percebemos, assim como uma infinidade de outras que não vimos e não veremos. Situações que, no entanto, ocorrem continuamente, ininterruptamente no nosso cotidiano, situações que configuram mundos paralelos. Devemos perceber essas realidades mágicas que ocorrem no mundo. Devemos buscar essa dimensão que nos escapa. Surpresa na Estrada me mostrou esse caminho.

Surpresa na Estrada
Autor: Boris Kossoy
Local: Periferia de S.Paulo
Ano: 1970″

***

Além dos fotógrafos acima, participaram do projeto: Patrick Grosner, Fernando de Tacca, Fernando Rabelo, Rodrigo F. Pereira, Luiz Achutti, Danilo Siqueira, Guy Veloso, Rinaldo Morelli, André Dusek, Alexandre Wittboldt, Ricardo Teles, Roosevelt Nina, Fernanda Chemale, Andrea Mendes, Thiago Barros, Marcelo Greco, Klaus Mitteldorf, Cia de Foto, Alexandre Belém, Iatã Cannabrava, João Urban, Antônio A. Nepomuceno, Usha Velasco, Clicio Barroso, Patricia Gouvêa, Ricardo Padue, Marcelo Feijó, Alexandre Sequeira, Jorge Bispo, Duda Carvalho, Kitty Paranaguá, Flávio Damm, Ricardo Labastier e Cláudia Jaguaribe.

Encubrimientos

O fotógrafo João Castilho e o CIA de Foto participam da exposição coletiva Encubrimientos, em cartaz no PhotoEspaña 2010. A mostra é composta por trabalhos de dez artistas, selecionados por meio de leituras de portfólio, organizadas pelo festival com a colaboração da AECID e do Instituto Cervantes, na Cidade da Guatemala e em São Paulo.

Encubrimientos, que tem curadoria de Alejandro Castellote e Juan Antonio Molina, soma os olhares dos artistas: Andrea Aragón (Guatemala), Andrés Asturias (Guatemala), Sebastián Friedman (Argentina), Alejandro Lipszyc (Argentina), María Teresa Ponce (Ecuador), Gerardo Repetto (Argentina), Cinthya Soto (Costa Rica), Arelí Vargas (México), além do fotógrafo e do coletivo brasileiros.

A mostra permanece em cartaz de 11 de junho a 12 de setembro, no Instituto Cervantes de Madrid. No dia 11, os curadores participarão de uma mesa redonda com alguns integrantes da mostra para falarem sobre o panorama atual da fotografia hispano-americana e sobre a visão dos fotógrafos latino-americanos participantes do programa ”Descubrimientos”.

Pictures by Women: A History of Modern Photography

A fotógrafa Claudia Andujar participa da exposição coletiva Pictures by Women: A History of Modern Photography, que fica em cartaz até março de 2011 no MoMA (Museum of Modern Art), em Nova York. No intuito de retratar a história do meio fotográfico desde o início do período moderno até os dias atuais, a mostra reúne mais de 200 imagens feitas por fotógrafas.

Integram a exposição tanto novas aquisições da coleção quanto obras consagradas de Diane Arbus, Berenice Abbott, Claude Cahun, Imogen Cunningham, Rineke Dijkstra, Florence Henri, Roni Horn, Nan Goldin, Helen Levitt, Lisette Model, Lucia Moholy, Tina Modotti, Cindy Sherman, Kiki Smith, Carrie Mae Weems, entre outras artistas.

Foto: Alexandre Sequeira

Nazaré de Mocajuba

No dia 10 de junho, será aberta em São Paulo a exposição Nazaré de Mocajuba, do fotógrafo paraense Alexandre Sequeira. A mostra inaugura a Fauna Galeria, dirigida pelas designers Caru Magano e Patricia Cataldi, que recebem o fotógrafo para um bate-papo com o público no dia 19, às 12h30.

Nazaré de Mocajuba exibe dez fotografias e oito retratos em tamanho real, impressos em serigrafia em diferentes tecidos e realizados na vila homônima de 200 habitantes, localizada no nordeste do estado do Pará. A série nasceu após o pedido de uma moradora que precisava de um retrato seu para um documento.

Durante os anos de 2004 e 2005, Sequeira permaneceu no vilarejo na condição de retratista, “atendendo às mais variadas solicitações de serviços fotográficos dos moradores, que, em sua grande maioria, jamais havia se visto em uma imagem fotográfica. Ao longo de minha pesquisa, propus a alguns desses moradores a troca de objetos pessoais como toalhas de mesa, lençóis, cortinas, redes, que a meu ver, traziam a marca do dono, e que, por esse motivo, traziam em sua própria constituição um valor de retrato. A cada objeto oferecido, o morador recebia outro novo como elemento de troca. Nesses objetos, passei a reproduzir, em tamanho real, a imagem fotográfica de seu dono. Ao final, expus os objetos no vilarejo, propondo aos fotografados receberem de volta em suas casas cada uma das peças trocadas, para que, ao longo de um fim de semana, fossem vistas pelos moradores do vilarejo”.

Foto: Anna Bella Geiger

Anna Bella Geiger – Fotografia além da fotografia

A Caixa Cultural de Brasília exibe, de 02 de junho a 04 de julho, a mostra Anna Bella Geiger – Fotografia além da fotografia. Com curadoria de Adolfo Montejo Navas, a exposição reúne mais de 70 obras de Anna Bella Geiger, as quais integram um programa de trabalhos da artista plástica realizado entre 1972 e 2008.

Em sua obra, Anna Bella Geiger faz um uso intertextualizado da imagem fotográfica, cuja materialidade e seus processos funcionam como intervenções, apropriações e semioses linguísticas na busca por uma outra imagem. A artista plástica trabalha com fotogravuras em metal e serigrafia, fotomontagens, fotografia objetual e fotografia-vídeo.

Foto: German Lorca

German Lorca: Olhar-imaginário

Estão expostas, na Caixa Cultural de Brasília, até o dia 4 de julho, cerca de 60 imagens do fotógrafo German Lorca. A mostra German Lorca: Olhar-imaginário tem curadoria de Eder Chiodetto e reúne a produção experimental do fotógrafo, realizada entre os anos de 1950 e 1970, além de obras recentes.

German Lorca, atualmente com 87 anos, implantou no Brasil, juntamente com Geraldo de Barros, Thomaz Farkas, Eduardo Salvatore e outros participantes do Foto Cine Clube Bandeirante, a fotografia de pensamento e estética modernista. Sua produção transita entre diversas áreas: arte, publicidade, reportagem, retrato e ensaio.

Foto: Anderson Schneider

Brasília 50 anos

A mostra coletiva Brasília 50 anos, inaugurada na galeria A Casa da Luz Vermelha na ocasião da abertura do I Encontro da REDE, permanece em cartaz em Brasília até o dia 26 de junho. Com curadoria de Rosely Nakagawa, a exposição reúne trabalhos dos fotógrafos Sérgio Jorge, Cristiano Mascaro, Salomon Cytrynowicz, Dorival Moreira e Anderson Schneider.

A mostra faz uma homenagem aos 50 anos da capital, buscando contemplar a visão de cinco gerações que em algum momento de suas vidas tiveram um contato próximo com a cidade. As 40 imagens que integram a exposição fazem parte do acervo permanente da galeria, que hoje conta com 35 nomes em seu portfólio.

Os candidatos devem ter entre 18 e 35 anos. A inscrição é feita diretamente no site da revista e exige:
- no mínimo duas séries (e no máximo quatro);
- cada série, com no mínimo oito imagens (com 768 x 1024 pixels, 1MB por imagem);
- descrição dos projetos num documento de Word;
- currículo num documento de Word;
- as séries devem ser separadas por pasta, seguindo o modelo: PRIMEIRONOME_SOBRENOME_TÍTULODASÉRIE;
- as pastas devem ser enviadas em um único arquivo .Zip, seguindo o modelo: PRIMEIRONOME_SOBRENOME.

A última Talent Issue teve o fotógrafo mineiro João Castilho entre os selecionados. A edição deste ano será publicada em setembro. Para ler o regulamento e fazer sua inscrição, clique aqui.

Capa da última Talent Issue, da Foam, com foto de Anouk Kruithof

Foto linda da série Morar em ocupação, do Garapa

A representa 17 artistas brasileiros ou que tenham uma relação com Brasil, na temática ou na pesquisa.

Atualmente, está em cartaz a primeira exposição da 1500 Gallery, uma coletiva que ganhou o nome de Brazilian e que fica aberta ao público até o dia 1º de maio. Se você estiver ou estará em NY, visite!

Convite da primeira expo da 1500 Gallery, com foto de Murillo Meirelles

1500 Gallery

511 West 25th Street #607 | New York | NY | 10001

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A capa da nova Foam vem com o trabalho do holandês Anouk Kruithof

Na recepção, oferecida à curadora pelo Cônsul Geral do Reino dos Países Baixos, esta semana, Marloes se mostrou animada com a produção brasileira e com a internacionalização da cultura fotográfica – e até mesmo espantada com o vai-e-vem de fotógrafos de renome e o alto padrão dos trabalhos e livros, publicados por aqui. Também, de certo modo, ficou surpresa por ver essa atividade toda envolver, em muitos dos eventos que aqui acontecem, países como a Espanha e a França. Ela prometeu se empenhar em estreitar os laços entre o Brasil e a Holanda.

Marloes, no primeiro dia de leituras de portfólios do PHotoEspaña, em São Paulo

A Foam Magazine é publicada trimestralmente – pelo museu do mesmo nome e pela empresa de comunicação Vandejong, também com sede em Amsterdam. As edições são temáticas – como esta dedicada ao talento jovem – e normalmente trazem seis portfólios, analisados por diversos editores. Como diz o também curador do Foam Museu, Marcel Feil, normalmente estas análises oferecem muitas surpresas. Segundo ele, a escolha de um tema garante uma coesão conceitual, bem como uma forte ligação entre os trabalhos e prevenindo, de certa maneira, que as escolhas sejam arbitrárias (SIC).

Mas o quê define o talento? Este é o título da apresentação do curador Feil. Bom, de cara ele já se desculpa pela revista não conter – evidentemente – todos os talentos que gostaria de publicar (apesar deste volume ser duplo, com suas 286 páginas). Cada fotógrafo teve oito páginas para expor seu trabalho, em vez das 16 usuais. No entanto, o número de fotógrafos pôde ser maior, com 18 portfólios, em páginas que mudam de papel conforme o trabalho demanda. O formato 23cm x 30cm e a boa impressão garantem a honestidade de uma análise.

Krijnen afirmou que os editores olharam nada menos que 900 portfólios, oriundos de 56 países. Coube ao blogueiro Jörg Colberg entrevistar os 18 fotógrafos. Em seu site, há um link para a leitura de portfólios. A escolha de Colberg conduziu a um processo extremamente rico de entendimento, que dificilmente as imagens sozinhas produziriam – não que elas precisem de legendas, mas é muito mais interessante quando o processo criativo de cada um é questionado e/ou discutido.

A pluralidade exibida pela publicação – em toda sua riqueza – é um exemplo para a crítica, que chafurda em sua mediocridade mascarada de ortodoxia. A prova que o pensamento aberto é fundamental na expansão da cultura fotógrafica ratifica essa necessária condução, afinal os tempos de dogmas e absolutismos já se foram. Diferentes artes são capazes de conviver harmoniosamente, propostas diametralmente opostas navegam nas mesmas águas, aquelas que acolhem a mente aberta e criativa.

Sob a bela imagem da série Lote Vago (Vacant Plot), do mineiro João Castilho – o brasileiro da edição – está em destaque um excerto que resume o forte apelo e desejo dos jovens de marcar a presença no mundo da arte, de apresentar coisas novas e boas, em meio a uma sociedade que é movida pela velocidade das mudanças, da publicidade excessiva, lotada de imagens e cheia de problemas econômicos.

João Castilho é o brasileiro desta edição da Foam

Não há dúvida que estes jovens, que tem no máximo têm 35 anos, trazem um ar mais fresco para se respirar. Uma ansiedade positiva, mas não há dúvida também que esta geração é fruto de uma mutação veloz, promovida pelo caos contemporâneo e que às vezes não encontra amparo e até mesmo legitimidade em seus trabalhos. Mas, quando acertam… O resultado é como a excelente escolha feita pelos curadores holandeses.

Uma das fotos de João Castilho, publicada na Foam

Um dos trabalhos mais interessantes e emblemáticos da publicação, uma vez que não podemos analisar 18 portifólios neste texto que se avoluma, é o de Alexander Gronsky, Less than one. Conduzido naquele mesmo caminho tomado por Thomas Struth e Richard Misrach, o estoniano Gronsky, de 30 anos, trabalha como os anteriores, a paisagem. No entanto, sua proposta, assim como os demais, é muito conceitual e carregada nas entrelinhas.

Curiosamente, Gronsky, em sua entrevista, declara ser influenciado por Stephen Shore – fotógrafo entrevistado também na publicação e que de certa maneira, diverge um pouco dos anteriores. Para Colberg, o entrevistador, a solidão das paisagens quase desertas falam de maneira subliminar com o espectador. Para ele a impressão é que estamos perdidos. Gronsky revela que começou a série com o nome de “Lost”, mas depois descobriu que as outras regiões onde fotografou tinham menos de uma pessoa por quilômetro quadrado. Daí o título (“menos que um”, em português).

Uma das imagens do portfólio de Alexander Gronsky

O que a fotografia significa para Gronsky (e quem sabe, para outros dos fotógrafos selecionados e para muitos da minha geração também) está expresso no último parágrafo de sua entrevista: “Like japanese haiku, it is pointing to the pointless. And very much like hokku, a photograph to me is just a starting verse of some forgotten song”*

*“Como o haikai, fotografia é falar sobre coisas sem motivo de ser. E, como o haikai, uma fotografia, para mim, é apenas o verso que abre alguma canção esquecida”

Juan Esteves, fotógrafo, vem escrevendo seus artigos desde 1988 na Folha de S. Paulo. Foi colunista da Revista Iris Foto e editor e colunista do Fotosite. É articulista da revista Fotografe Melhor e colaborador de textos e imagens para revistas como Mitsubishi, Living Alone, Viaje Mais e editora Cosac Naify. Agora, no blog do Paraty em Foco, Juan posta, todas as sextas-feiras, textos inéditos ou publicados – os últimos, com reedição e atualização feitas especialmente para este blog.

Fotos: divulgação e Adelaide Ivánova

Na sexta-feria em Paraty, será apresentado o 15 MINUTES EXHIBITION, um pequeno filme produzido com fotografias que integram a obra de 47 artistas renomados (brasileiros e estrangeiros), com curadoria de Claudia Buzzetti, pesquisadora e crítica de fotografia, e trilha sonora produzida pelo DJ Nado Leal.

Participam do projeto os brasileiros Alexandre Sant’Anna, Antonia Dias Leite, Bruno Veiga, Cia de Foto, Claudia Tavares, Dani Soter, Daniela Dacorso, Duda Carvalho, Felipe Hellmeister, Guy Veloso, Iatã Cannabrava, João Castilho, Julia Dias Leite, Julio Bittencourt, Leonardo Ramadinha, Luiz Braga, Luiza Baldan, Marcelo Correa, Marco Antonio Portela, Marcos Bonisson, Marcos Prado, Marina Marchetti, Patricia Gouvêa, Pedro David, Pedro Motta, Renan Cepeda, Ricardo Fasanello, Rosangela Rennó, Thiago Barros,Vicente de Mello, Vik Muniz e Walter Firmo e os convidados estrangeiros Adou (China), Alberto Garcia-Alix (Espanha), Dalia Khamissy (Libano) , Edgar Martins (Portugal), Emma Livingston (Reino Unido), Esteban Pastorino Diaz (Argentina), Fuad Elkhoury (Libano), Irene Maria Di Palma (Italia), Jiang Pengy (China), Li Lang (China), Lorenzo Castore (Italia), Massimo Sciacca (Italia), Michal Chelbin (Israel), Tinko Czetwertynski (Belgica), Zhu Hongling (China).

Fotos: Pedro Motta

A Expofoto, a galeria virtual de fotografia do Oi Futuro, no Rio, está com a exposição ”Portfólio” do fotógrafo Pedro Motta.  Pedro nasceu em Belo Horizonte (MG), em 1977. Formado em Desenho pela Escola de Belas Artes da UFMG, Pedro Motta trabalha com fotografia desde 1995. Ao lado de Pedro David e João Castilho, lançou Paisagem submersa (Cosac Naify, 2008).

Expofoto: “Portfólio” Pedro Motta. Curadoria de Pedro Agilson.Visitação de 11 de setembro a 1º de novembro, de terça a domingo das 11h às 20h. Rua Dois de Dezembro, 63 – 8º piso. Flamengo – Rio de Janeiro, telefone: (21) 3131 3060.

Confira as fotos de Pedro Motta.

Ensaio Reação natural, 2002-2008

© João Castilho

Uma notícia boa: a próxima Foam, traz 18 talentos apontados para edição Talent Call’09 e, entre eles, o nosso João Castilho.

© João Castilho

Expliquemos “nosso” João Castilho. É que ele já atingou um estágio de pesquisa que, o que faz, já é de domínio público, já marca uma referência para quem trilha nesses imprecisos caminhos da fotografia.

© João Castilho

Os ensaios que estarão na Foam são o Lote Vago e o Redemunho.

© João Castilho

Quem quiser conhecer um trabalho recente de João, Tempero.

© João Castilho